艺术的故事(袖珍本) 贡布里希 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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E.H.贡布里希 著

图书标签:

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• 艺术
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出版社： 广西美术出版社

ISBN：9787549408177

商品编码：1393964282

出版时间：2014-04-01

作  者:(英)E.H.贡布里希；范景中 等 定  价:150 出 版 社:广西美术出版社 出版日期:2014年04月01日 页  数:1006 装  帧:平装 ISBN:9787549408177 ●前言
●导论
●论艺术和艺术家
●1奇特的起源
●史前期和原始民族；古代美洲
●2追求永恒的艺术
●埃及，美索不达米亚，克里特
●3伟大的觉醒
●希腊，公元前7世纪至公元前5世纪
●4美的王国
●希腊和希腊化世界，公元前4世纪至公元1世纪
●5天下的征服者
●罗马人，佛教徒，犹太人和基督教徒，1至4世纪
●6十字路口
●罗马和拜占庭，5至13世纪
●7向东瞻望
●伊斯兰教国家，*国，2至13世纪
●8西方美术的融合
●欧洲，6至11世纪
●9战斗的教会
●部分目录

内容简介

《艺术的故事》由E.H.贡布里希著，是有关艺术的书籍中很有名、很流行的著作。它概括地叙述了从很早的洞窟绘画到当今的实验艺术的发展历程，出版后50多年来，一直是这一领域无可匹敌的入门书。全世界不同年龄不同背景的读者通过贡布里希的讲述认识到了这位真正的大师，他把知识与智慧结合起来，以其独特的天赋，直接传播了他本人对艺术作品深切的热爱。
《艺术的故事》因其平实简单的笔法、叙事清晰的技巧而受到持久的好评。E.H.贡布里希讲述他的写作目的是：“在大量炫赫的作品中，为丰富的人名、时期和风格找到浅显易懂的秩序来。”他为视觉艺术注入心理学的洞察力，他让我们知晓艺术史就是“各种传统不断迂回、不断改变的历史，每一件作品在这历史中都既回顾过去又导向未来”；是“一条生动的链条，将我们身处的时代与古埃及时期联系起来”。这部经典著作的新版，以袖珍本的形式焕往辉来，仍是艺术领域新来者的靠前选择.
(英)E.H.贡布里希；范景中 等 E.H.贡布里希，于2001年11月去世的贡布里希教授恩斯特爵士，功绩勋章获得者（O.M），不错英帝国勋爵士（C.B.E），是他那个时代很伟大、很有影响的艺术史家之一。他1909年生于维也纳，1936年进入伦敦的瓦尔堡研究院任教职，并从1959年起，担任伦敦大学古典传统历史教授及院长，直至1976年退休。他很有名的著作是《艺术的故事》，很早出版于1950年，现已出至16版。其他学术著作还包括：《秩序感――装饰艺术的心理学研究》（1979年），以及11部文集，均由费顿出版社出版。     我们对艺术的起源跟对语言的产生一样不甚了了。如果艺术是指建庙筑屋、绘画雕塑或编织图案这类工作，全世界就没有一个民族没有艺术。不过，如果我们所说的艺术是指一些精美的品质品，摆在博物馆和博览会上供人欣赏的展品或定制不错客厅陈设的华贵装饰，那就必须理解艺术的这种含义是近世的发展，以往众多伟大的建筑家、画家或雕塑家做梦也不会想到。考虑一下建筑的情况，很能领会今昔对于艺术理解的这种差别。我们都知道世间有漂亮的建筑物，其中有一些还是当之无愧的艺术品。但是世界上很难找到一座建筑物没有特定的建造目的。把建筑物用做礼拜和娱乐的场所或用做居室的人，首先是以实用的标准对它们加以评价。然而与此同时，他们可能喜欢也可能不喜欢某座建筑物的设计或结构比例，也可能赞赏很好的建筑家为把建筑物建造得既实用又“合适”而花费的心血。过去对绘画和雕塑往往也是这种态度。它们不是仅仅被当等

艺术的永恒回响：一部穿越时空的视觉史诗 本书并非贡布里希那部广为人知、以清晰简洁著称的《艺术的故事》的缩影或精简版。相反，这是一部旨在拓展我们理解艺术范畴、深入挖掘不同文明与时代艺术实践内在逻辑的宏大叙事。它将目光投向那些常被主流艺术史叙事边缘化的领域，力图重构一幅更为全面、多元且充满张力的全球视觉文化图景。 第一部分：失落的连接——史前与早期文明的象征宇宙 本卷开篇，我们并未急于进入古典时代的光辉殿堂，而是潜入人类早期心智的深处。我们将探讨约四万年前，从拉斯科（Lascaux）到肖维（Chauvet）洞穴壁画中涌现出的原始生命力与神秘主义。这些图像不仅仅是简单的写实记录，更是早期人类与自然界、与精神世界进行沟通的媒介。它们如何编码了早期的宇宙观？它们与狩猎仪式、图腾崇拜有何关联？我们试图从人类学的视角解读这些“艺术的源头”。 随后，我们将转向美索不达米亚的苏美尔、阿卡德、巴比伦和亚述的城邦文明。不同于埃及金字塔的永恒追求，美索不达米亚的艺术——从乌尔的军旗到汉谟拉比法典的浮雕——展现了一种更具世俗权力与契约精神的特点。我们关注的是楔形文字与图像叙事的结合，以及这些纪念碑如何服务于城邦间的竞争和神祇的威严。 接着，我们将深入古埃及的宏伟叙事。但我们不满足于介绍图坦卡蒙的黄金面具，而是深入剖析“玛阿特”（Ma'at，秩序与平衡）原则如何渗透到所有视觉创作中。从神庙的巨型雕塑到陵墓壁画的固定程式化人像，我们探讨这种对永恒和不变的执着，如何塑造了长达三千年的稳定视觉语言，以及这种稳定性背后的政治与宗教哲学。 第二部分：轴心时代的碰撞与融合——地中海世界的形塑 进入爱琴海地区，本书笔锋转向米诺斯文明的壁画中那些自由奔放的“海豚跳跃”，以及迈锡尼文明的“黄金面具”所流露出的尚武精神。这两种截然不同的早期地中海风格，为日后希腊艺术的爆发积蓄了能量。 当焦点转向古希腊时，我们避免陷入对“古典美学”的过度赞颂。我们细致考察了早期古风时期（Archaic Period）雕塑中，那种介于僵硬与生动之间的“古风的微笑”所蕴含的文化张力。然后，我们深入古典时期的“动静之间”，探讨波留克列特斯（Polykleitos）的《理想人》不仅仅是解剖学的胜利，更是城邦民主精神在视觉上的物化体现——完美和谐的背后是对个体理性与城邦规范的精妙平衡。而在希腊化时代，我们则着重分析其情感外放、戏剧冲突的风格，如何预示了罗马对力量和叙事感的偏好。 罗马艺术的介绍，侧重于其功能性与实用性。我们考察公共浴场、广场和凯旋门上的叙事浮雕，这些是帝国高效管理和军事宣传的工具。雕塑不再追求神性的抽象，而是转向对具体人物的肖像刻画，这种对“真实”和“权力在场”的强调，为后世的君主肖像树立了典范。 第三部分：信仰的迷宫——中世纪东西方的精神疆域 本书在此部分着力区分两大精神艺术体系：拜占庭的“神圣光芒”与西方的“黑暗中的探索”。 在君士坦丁堡，我们分析镶嵌画（Mosaics）如何利用金箔背景，将可见世界提升至不可见的神圣境界。这里的艺术语言是高度符号化、去空间化的，目的是引导信徒的目光超越尘世，直达永恒的秩序。 而在西欧，随着古典传统的衰落，艺术转向了对《圣经》故事的通俗化阐释。我们探讨早期基督教的墓葬艺术如何与异教母题交织；加洛林文艺复兴如何试图“重拾”罗马的荣耀，但其成果却带有鲜明的“地方色彩”；而罗马式（Romanesque）艺术的厚重感和层叠的“末日审判”壁画，则清晰地反映了中世纪早期人们对时间终结的焦虑和对信仰的坚守。 随后，我们进入哥特式艺术的“向上攀升”。巴黎圣母院的肋拱结构、飞扶壁的设计，不仅仅是工程学的奇迹，更是将信徒的视线导向天国的精神隐喻。彩绘玻璃如何将阳光转化为神圣的叙事色彩，成为“未受教者之书”。 第四部分：世俗的觉醒与文明的重塑——文艺复兴的多元光谱 本书对文艺复兴的论述将聚焦于“视角”与“人文主义”的双重革命。我们考察早期佛罗伦萨艺术家如何通过精确的线性透视（如布鲁内莱斯基的实验），将现实空间“几何化”，从而确立了人类作为观察者和测量者的中心地位。 文艺复兴盛期，我们对比了达芬奇对自然界细致入微的科学观察，米开朗基罗对人体潜能的雕塑式颂扬，以及拉斐尔对古典和谐的最终提炼。这里的重点不在于简单罗列名作，而在于分析“个体天才”概念的诞生，以及艺术赞助人（如美第奇家族）如何利用艺术重塑其政治遗产。 紧接着，我们将目光投向威尼斯画派，分析其对“色彩”（Colorito）的偏爱如何与佛罗伦萨的“素描”（Disegno）形成张力，预示了巴洛克风格的感官解放。而北方文艺复兴（如范·艾克），则展现了对材质和光线近乎偏执的精确描绘，这反映了北方新兴商业阶层对世俗财富和细节现实的关注。 第五部分：冲突、情绪与革命——从巴洛克到浪漫主义的视觉震荡 巴洛克艺术被解读为一场对“确定性”的强烈反动。卡拉瓦乔的戏剧性“光影对比”（Tenebrism）不仅仅是一种照明技术，更是对人性中罪与救赎的激烈探讨。贝尼尼的雕塑如何打破了空间界限，将观众拉入雕塑动作的瞬间高潮，体现了反宗教改革时期教会对情感动员的需求。 17世纪的荷兰黄金时代，我们看到一种前所未有的“艺术民主化”现象。伦勃朗对光线与内在精神的捕捉，以及维米尔对日常家居场景的精致化处理，反映了一个富裕的、以市民为基础的艺术市场是如何运作的。 启蒙运动催生了新古典主义对秩序和道德的回归，然而，卢浮宫和凡尔赛宫的辉煌也为即将到来的浪漫主义风暴积蓄了能量。浪漫主义对“崇高”（The Sublime）的追求——即面对无限自然时的敬畏与恐惧——是对理性主义的有力反拨。泰奥多尔·席里柯和欧仁·德拉克洛瓦的作品，宣告了艺术的首要任务不再是模仿世界，而是表达个体内心翻涌的情感。 第六部分：现代性的碎片化与追寻——十九世纪的视觉革命 本书的最后部分，将聚焦于艺术如何系统性地脱离对既有传统的依赖，进入一个不断自我反思的现代阶段。 印象派对瞬间光影的捕捉，是摄影技术挑战下，绘画试图重新定义自身媒介特性（即“绘画性”）的尝试。后印象派，尤其是塞尚对几何形体的结构性探索，以及梵高对色彩表现力的极端运用，直接为二十世纪的抽象艺术铺平了道路。 我们考察了象征主义对梦境、神话和潜意识的迷恋，这与当时兴起的弗洛伊德心理学形成了有趣的跨学科对话。最后，在现代主义的黎明前夕，我们看到了野兽派的色彩解放，立体主义对多重视角的空间解构，以及未来主义对速度与机械时代的狂热赞颂。 本书的结论将是一个开放式的提问：艺术史，是否终将成为一种关于“观看方式的变迁史”？它探索的是，在不同的时代和文化中，人类如何理解、记录、挑战和超越他们所处的可见世界。

评分☆☆☆☆☆

老实说，我之前对一些欧洲古典艺术的印象常常是僵硬和模式化的，总觉得那些人物表情太过严肃，色彩也过于沉闷，难以产生情感共鸣。然而，这本书的文字具有一种令人惊奇的穿透力，它像是给那些古老的画作和雕塑注入了新的生命力。作者笔下的艺术家们不再是教科书上刻板的名字，而是充满激情、挣扎甚至犯错的鲜活个体。他笔触中流露出的那种对人类创造力的赞叹与理解，感染力极强。我甚至能想象出提香在调色板前的那种专注，或是米开朗基罗在西斯廷教堂穹顶下那份近乎苦修的虔诚。这种共情式的美学解读，彻底打破了我原有的隔阂感，让我开始真正地“感受”艺术，而不是仅仅“认知”艺术。它让历史的温度重新回到了冰冷的石膏和颜料之中。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计简直是匠心独运，拿在手里分量刚刚好，那种沉甸甸的质感立刻就能让人感受到它内在的厚重与价值。袖珍版的定位确实很巧妙，它既保留了经典作品应有的权威感，又极大地提升了便携性，让艺术的殿堂不再是遥不可及的象牙塔，而是可以随时揣在口袋里的私人博物馆。我特别欣赏那种封面材质的选择，略带磨砂的触感，让指尖在翻阅时有一种抚摸历史的错觉。而且，细节之处的处理也十分到位，比如书脊的锁线装订，翻开时平整得令人心悦，完全不用担心为了看清文字而过度拉扯书页。这不仅仅是一本书，它更像是一件精心制作的工艺品，那种对阅读体验本身的尊重，让人在还没真正沉浸到内容之前，就已经被这份对美的追求所打动。对于经常需要移动阅读，又不愿意妥协于阅读体验的人来说，这种尺寸和质感的平衡，无疑是找到了一个完美的黄金分割点。它让“携带艺术经典”成为一种低调而优雅的生活方式，而不是一种负担。

评分☆☆☆☆☆

我发现这本书最令人称道的一点，是它对“为什么”的深入探讨，而不是停留在表面的“是什么”。很多艺术史读物会侧重于介绍某位画家生平或是某流派的特征，但这本书的视角更加宏大，它总是试图去解释，为什么艺术家会在那个特定的历史节点上做出那样的选择？比如，当谈到透视法的发明时，作者不仅仅是描述了技术层面的革新，更点出了它背后所代表的人类中心主义的兴起，是理性思维对世界的重新丈量。这种由果溯因的叙述逻辑，极大地增强了阅读的厚度和趣味性。它教会了我一种看待艺术的全新维度：艺术作品不再是孤立的图像，而是特定时代精神的强有力载体和见证。每次读完一个章节，我都会情不自禁地重新审视我所熟悉的那些经典图像，发现它们背后隐藏的更深层的文化密码。

评分☆☆☆☆☆

每一次翻开这本册子，我都会有一种穿越时空的奇妙感觉，仿佛自己正站在古希腊的雕塑前，或是凝视着文艺复兴时期大师画布上的光影变幻。它的叙事方式极其平易近人，没有那种高高在上的学术腔调，而是像一位充满热情的、知识渊博的老朋友在耳边娓娓道来，将那些复杂晦涩的艺术史脉络，梳理得清晰可见，层次分明。那种对艺术发展逻辑的洞察力，简直令人拍案叫绝，它不是简单罗列作品和年代，而是深入挖掘了不同时期艺术风格背后的社会思潮和人类精神的演变。读着它，我能清晰地感受到，艺术是如何一步步从宗教的束缚中解放出来，如何捕捉到人性的复杂与微妙，最终走向现代的多元探索。它成功地消解了“艺术鉴赏”的神秘感，让普通人也能找到进入这个宏大世界的入口，体会到美学是如何根植于我们对世界的理解之中的。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构安排堪称典范，它像是一条精心铺设的河流，从史前洞穴的微光，一路蜿蜒流淌，汇集成中世纪的信仰洪流，最终奔腾入现代的多元海域。章节之间的过渡处理得极为流畅自然，不会让人感到突兀或脱节，仿佛每一种风格的更迭，都是前一种风格必然演化出的结果。这种连贯性对于初学者来说至关重要，它构建了一个清晰的、可追溯的知识地图，帮助读者建立起完整的艺术史观。而且，它始终保持着一种批判性的平衡，既不盲目推崇某个时期，也不轻易贬低任何一种尝试。这种成熟而包容的学术态度，使得全书的论述既有坚实的学术根基，又不失探索者的好奇心。读完之后，我感觉自己不仅是了解了一些艺术家的名字，更是掌握了一种观察世界、解读人类文明发展路径的思维工具。

评分☆☆☆☆☆

前半本纸张不好 薄 字都透 看上去不像正版，画小 最好别买袖珍版

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