大師教你畫素描5： 人像素描的結構&方法 [Il Nudo Maschile] pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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Giovanni Civardi 著，林潔盈 译

图书标签:

• 素描
• 人像
• 人体结构
• 绘画技巧
• 艺术
• 绘画
• 人体素描
• 结构分析
• 绘画方法
• Il Nudo Maschile

出版社： 楓葉社文化事業有限公司

ISBN：9789866239977

版次：1

商品编码：16014332

包装：平装

外文名称：Il Nudo Maschile

出版时间：2011-08-01

用纸：胶版纸

页数：104

正文语种：繁體中文

商品尺寸：28.5*21

编辑推荐

想畫好人像素描有一定的難度，算是相當具有挑戰性，針對這一點，本書會先介紹人體結構與各種表現方法，如線條與色調、比例、性別差異、前縮法等，讓讀者對於這些實用的技巧和概念先有一個基本的認識，方便之後的作畫。
接著會示範立姿、坐姿、跪姿、側臥等姿勢的畫法，不但會提供作畫時應該要注意的部分，還會介紹在那個姿勢之下人體結構是如何運作的，這些對於繪製人體素描來說都相當有用，可以幫助讀者奠定紮實的繪圖能力。

内容简介

人體結構與表現方法
比例
為了要正確地描繪人像，在剛開始的時候必須學著「架構」圖像，以方便檢測並比較身體個別部位（頭部、軀體、手、腳等）的尺寸大小，好了解各部位和整體的關係。
大體而言，這也許是個耗時費力且藝術成份很低的過程，不過你們應該很快就能跨越這個階段，習慣用目測的方式來察覺這些關係（就跟比例一樣），並訓練自己的手忠實地將這些資訊轉移到畫紙上。之後，書裡講到的這些流程，看起來就會變得非常容易且幾乎是自發性的習慣了。
素描前先請模特兒隨意擺出姿勢（舉例來說，書中的兩幅素描一是讓模特兒站著，另一幅則讓模特兒蹲坐），並按下列步驟進行：
1.訂出描繪對象的最大高度，然後標出最高點與最低點，並用線輕輕地連接兩點。
2.找出這條線的中點。
3.訂出最大寬度，並與高度作比較。
4.找出相對於垂直線的寬度中點。
5.從幾個比較重要的點上，畫出水平和垂直的直線（也就是「對齊」的動作）。
6.分別找到身體各部位的對角線與角，決定出方向和主軸的傾斜度。
7.你們也可以利用畫紙邊緣作為輔助，藉此評估人像各部位的相對距離、關係與比例。

作者简介

GIOVANNI CIVARDI
義大利藝術家和教師，曾在米蘭醫藥學院研究多年，並實作及教授雕塑、素描和插圖，也是一系列藝術實作教科書的作者。

目录

前言
人體結構與表現方法
線條與色調 步驟比例
構圖
平面
性別差異
男性軀體與女性軀體
透視變形前縮法
採光
實用建議男性裸體研究
立姿
坐姿
跪姿
側臥
前縮透視
找回自發性

前言/序言

艺术之光的启示：探索人体素描的奥秘 书籍名称：《素描的艺术：人体的光影与结构解析》 引言： 素描，作为绘画艺术的基础和灵魂，承载着观察、理解和再现三维空间的能力。人体的结构和形态，是所有艺术造型中最复杂也最迷人的课题之一。本书《素描的艺术：人体的光影与结构解析》并非专注于某一特定风格或技法流派，而是旨在为有志于深入理解人体素描的创作者，提供一套系统、深入且富有启发性的学习框架。我们将从最基础的几何形体构建入手，逐步过渡到复杂的人体解剖学应用，最终目标是让学习者能够自信地捕捉和表达人体动态、比例与内在的生命力。 第一部分：素描的基石——基础的重塑与理解 第一章：线条的哲学与材料的选择 本书首先将深入探讨线条的本质。线条不仅是轮廓的界定，更是情感和节奏的载体。我们将详细分析不同硬度铅笔（2H到8B）的特性、炭笔和墨水的表现力，以及如何根据画面需求选择合适的纸张纹理。重点将放在如何通过线条的粗细、轻重和方向变化，来暗示物体的体积感和空间深度。不同于机械的描摹，本章强调“有意识的用笔”，让每一条线都服务于整体的结构表达。 第二章：光影的语言——明暗关系与体积的塑造 光与影是构建素描空间感的核心要素。本章将系统解析“五大调子”——亮面、灰面、明暗交界线、反光和投影——在人体塑造中的具体应用。我们将探讨不同光源方向（如侧光、顶光、散射光）对人体轮廓和结构的影响，并教授如何通过精确的灰度阶调配，将二维的纸面转化为具有重量感和空气感的立体形态。我们特别关注如何运用排线、涂抹和擦拭等技法，实现光滑的皮肤质感和粗粝的肌肉纹理之间的对比。 第三章：透视与空间——人体在环境中的定位 人体素描的挑战之一在于如何准确地将其放置于三维空间中。本章将回顾并深化线性透视和空气透视的原理，并着重讲解“视平线”与“视点”对人体比例和形体各个部分（如头部、躯干、四肢）的视觉收缩或拉伸效果的影响。通过对不同角度观察人体的练习，学习者将掌握如何利用透视原理，使人物形象具有强烈的空间嵌入感和真实感。 第二部分：生命的结构——人体形态的科学解析 第四章：骨骼的框架——支撑与动态的基调 理解骨骼是理解人体形态的基石。本章将从艺术造型的角度切入解剖学，不追求医学的精准，但强调对主要骨骼结构——头颅、脊柱、骨盆、四肢大关节——的形态认知。我们将着重讲解脊柱的S形曲线、骨盆的倾斜角度，以及它们如何共同决定人体的重心和基本姿态。书中将提供大量简化骨架的速写练习，帮助学习者在快速捕捉动态时，依然保持结构的稳固性。 第五章：肌肉的群像——力量的表达与体积的填充 肌肉群是赋予人体体积和力量感的主要元素。本章将聚焦于主要的肌群（如胸大肌、背阔肌、股四头肌等），分析它们在不同动作下形态的变化与受力关系。重点在于理解肌肉的“起止点”和“走向”，这是表现肌肉转折和力量传递的关键。我们将通过“量块组合法”——将复杂的人体分解为圆柱体、立方体和球体等基本形体，再叠加肌肉形态——来简化记忆和表现过程。 第六章：比例与和谐——古典美学与人体标准的探讨 人体的比例关系是艺术永恒的话题。本章将回顾并分析历史上公认的经典人体比例原则（如“断八头身”），但更重要的是，鼓励学习者超越僵化的标准。我们将探讨不同年龄、性别、体型（如健壮型、纤细型）对比例的微妙影响，并通过对比练习，训练学习者捕捉对象特有的节奏和韵律感，从而达到既符合普遍美感又充满个体特征的和谐统一。 第三部分：捕捉瞬间——从静态到动态的转换 第七章：姿态的捕捉——重心与平衡的奥秘 人体素描的生命力往往体现在其动态之中。本章的核心是“重心线”和“动势线”的运用。我们将解析如何通过一条流畅的、富有张力的线来概括整个姿势的动势，并讲解重心如何在支撑腿与自由腿之间转移，以及如何通过对骨盆和肩胛骨的微小调整来维持视觉平衡。大量针对坐姿、站姿、跪姿的结构速写范例，将帮助读者建立起对动态结构的快速反应能力。 第八章：头部与五官——焦点与神情的刻画 头部是人物素描的灵魂所在。本章将回归结构，从标准的“三庭五眼”入手，结合头骨的形态，讲解面部五官的准确位置和基本比例。不同于标准的肖像画教程，本书侧重于如何运用光影和线条的微妙变化来表现情绪：例如眼睑的厚度、嘴角上扬的角度对整体神态的影响。我们将探讨如何通过对结构强弱的把握，展现人物的内在性格。 第九章：四肢的描绘——连接与延伸的表现 手臂和腿部是人体结构中最具挑战性的部分，因为它们包含了复杂的关节和丰富的肌肉层次。本章将细致解剖手臂的屈伸变化，强调肘部和腕部在结构上的穿插关系。对于腿部，我们将重点分析大腿和小腿肌肉在不同受力状态下的体积变化，以及脚部作为支撑点的结构复杂性。通过“圆柱体+弯曲面”的组合方法，简化四肢的绘制难度。 结语：素描的永恒追求 本书的最终目的并非提供一套固定不变的“公式”，而是提供一种观察世界、解析形态的系统性思维方式。素描的旅程是无止境的，它要求学习者不断地观察自然、理解结构、并在自己的作品中注入思考和情感。通过对光影、结构和动态的全面解析，愿读者能够突破技法的束缚，最终掌握描绘人体这一终极艺术挑战的钥匙。

评分☆☆☆☆☆

拿到这本书后，我最大的感受就是“系统性”和“可操作性”的完美结合。很多教材的通病在于，它们要么过于侧重理论的宏大叙事，要么就是堆砌大量的范例却缺乏清晰的逻辑脉络。但这本书的结构设计得极其巧妙，它仿佛为你量身定做了一条学习路径，从最基础的几何形体开始，逐步过渡到复杂的形态结构解析，每一步都有明确的目标和检验标准。我特别喜欢它讲解透视和比例的部分，以往我对这些概念总是感到头疼，但作者用了非常生活化的比喻和对比方式，瞬间解除了我的恐惧。而且，书中提供的练习方法不仅仅是临摹，更多的是鼓励你进行结构性的拆解和重组，这对于培养扎实的绘画思维至关重要。如果你希望系统地、不走弯路地掌握素描的精髓，这本书的价值远超它的定价，它更像是一份长期的学习指南。

评分☆☆☆☆☆

在我看来，真正好的教程是能激发你创作欲望的，而不是让你感到压力的。《大師教你畫素描5》做到了这一点。它的语言风格非常平易近人，读起来毫无压力，作者的语气始终带着鼓励和启发性。它不是那种高高在上、用艺术史把你镇住的权威教材，而是更像一个鼓励你不断尝试、不怕犯错的伙伴。书中对于“草图阶段”和“精细刻画阶段”的切换逻辑阐述得非常到位，让我学会了如何在一幅画中把握主次和节奏感，避免了初学者常见的“平均用力”的毛病。通过这本书的学习，我发现自己对物体结构（无论是静物还是人体结构，虽然这本书侧重的是基础构建）的理解加深了，下笔也变得更加果断和自信。它不仅传授了技法，更重要的是，它重塑了我对素描学习过程的认知和态度，让人从心底里对绘画这件事燃起了新的热情。

评分☆☆☆☆☆

老实说，我收藏了不少素描书，但很多都停留在“教你画出好看的图”的层面，而真正能提升你“内功”的书凤毛麟角。这本书，恰恰属于后者。它没有过多地去渲染艺术家的“灵感”或“天赋”，而是将素描这门手艺拆解成了一系列可以被习得的技巧和逻辑。尤其在处理物体边缘和过渡时的笔触控制，书中给出的建议非常精炼，直接点出了我在实际操作中常常忽略的细节——比如如何利用纸张的纹理来辅助表现纹理，如何通过抬笔和落笔的力度变化来塑造空气感。这种对工具特性的深刻理解和运用，是很多理论书籍无法给予的。读完之后，我感觉自己不再是机械地在纸上涂抹，而是真正开始理解材料与表现力之间的微妙关系。对于想要将技术提升到下一个层次的画者来说，这本书提供的洞察力是无价的。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和印刷质量也值得一提，这对于学习绘画来说其实很重要，因为你需要清晰的视觉参考。纸张的厚度和光泽度处理得恰到好处，既保证了画面细节的还原度，又避免了反光干扰观察。更重要的是，书中所选取的范例非常经典，既有古典的严谨性，又不失现代的活力。我特别注意到，作者在展示不同光照条件下的处理方式时，对比非常鲜明，这让我能够清晰地分辨出“硬光”和“柔光”对物体形态塑造的影响。这种对环境因素的细致考量，极大地拓宽了我对光影表达的理解边界。我经常会把这本书带到画室，对着某个章节的讲解，然后立刻拿起炭笔进行实践，效果立竿见影。它不仅仅是一本教材，更像是一个移动的美术馆和工作室的结合体。

评分☆☆☆☆☆

这本书绝对是绘画初学者和想精进技艺的老手的福音！我拿到手的那一刻，光是翻阅里面的内容布局，就能感受到作者在编排上的用心。它不像市面上很多教绘画的书籍，上来就是一堆复杂的理论名词轰炸，让人望而却步。这本书的叙事方式非常自然、流畅，就像一个经验丰富的大师坐在你旁边，手把手地引导你进入素描的世界。特别是对光影和体积感的把握，讲解得深入浅出，即便是对于我这种以前总是画不出“立体感”的人来说，也豁然开朗。书中的步骤图示清晰到令人发指，每一个阶段的过渡都交代得非常清楚，让人可以完全跟着节奏走，而不是迷失在复杂的线条和阴影之中。我个人最欣赏的是它对“观察”这个核心技能的强调，作者不只是教你怎么“画”，更教你怎么“看”，这才是决定一个素描作品能否成功的关键所在。如果你还在为你的素描作品看起来“平”而苦恼，这本书绝对能帮你找到那个缺失的维度。