360度愛上莫內 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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鄭治桂，鄭麗卿 著

图书标签:

• 莫奈
• 印象派
• 艺术史
• 绘画
• 艺术
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• 法国
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• 艺术欣赏
• 艺术作品

出版社： 原點

ISBN：9789866408359

商品编码：16031754

包装：平裝

出版时间：2011-04-01

正文语种：繁体中文

内容简介

莫內是印象派的領導人物，也是印象派理念最純粹的實踐者，1840年出生於巴黎，童年在法國西北部的哈佛港度過，就莫內的自述，求學時期視學校為監獄，無法靜心過學校生活，覺得在清新空氣中奔跑或水中嬉戲才舒暢。
1874年莫內與畫友籌組聯合畫展，以「印象·日出」參展，還遭當時藝評記者諷刺，但卻在西洋美術史引爆美學震撼，之後「印象派」一詞就此衍生，影響20世紀抽象藝術發展。
莫內創作生涯60多年，徹底實現印象派理念精神，不間斷地以各系列主題繪畫，像是盧昂教堂、乾草堆、白楊樹、睡蓮池、日本橋等，在相同主題下，莫內捕捉不同時間點、氣候所造成的視覺景象、光線流動等大自然中最細緻的變化。
他愛水一如戀慕情人，為了近距離觀察水波，他買下一條船，作為他的漂流畫室，讓他能夠更直接觀察他喜愛的「水面」，獲得更直接的感受。
莫內花園：美麗的註腳
此次北美館的「莫內花園」主要展出莫內在巴黎西北方郊區塞納河與沿岸的吉維尼（Giverny） 花園時的經典畫作，莫內從1883年移居至吉維尼後至晚年，幾乎沒有離開過，直到1926年逝世於這座他親手照料的花園。
莫內說他的家與花園分不開。為了使吉維尼花園日益完善，莫內花了畢生的精力。莫內花園是分兩個階段建成的。首先是房子前面的花園，第二部分的庭園水池要到1893年才開始闢建。莫內在一位日本園藝師的指點下著手設計花園，而池水由塞納河的支流所灌入。「不必知道他如何建造這座花園。一定是根據眼睛的要求，根據對色彩的要求而建的。」
1980年，重新整修後，將莫內花園成立莫內美術館，重新開放參觀。其實，莫內美術館內並沒有典藏他所有的作品，只陳列著有關〈睡蓮〉的巨作和一些收藏品。但它呈現的意義在於告知世人：莫內「他觀察一片蓮葉、一朵蓮花已到了忘我的境界。如此接近大自然的態度，在西歐的畫家中是極為罕見的。」

作者简介

鄭治桂，畫家、大學藝術教師。
2011年「莫內花園特展」語音導覽撰稿人
2011年「生日快樂──夏卡爾愛與美特展」語音導覽撰稿人。
2010年「永遠的他鄉──高更特展」導覽手冊撰稿人。
2009年「燃燒的靈魂──梵谷特展」語音導覽撰稿人。
2008年「驚艷米勒」、「印象畢沙羅」特展導覽課程講師
台北市長官邸藝文沙龍系列演講主講人
聯合文化天地系列講座策劃∕主講人暨書評撰述
國立台灣師大美術研究所碩士，法國巴黎第八大學藝術造型碩士，專研十九世紀法國風景繪畫史，柯洛研究（Camille COROT）。
著有《360度看見梵谷》、《360度發現高更》、《360度夢見夏卡爾》。
鄭麗卿，屏東縣人，輔仁大學歷史系畢業。從事編輯工作與創作。作品曾入選《98年九歌文選》、《99年九歌散文選》、二魚文化《2010飲食文選》，曾獲台北縣文學獎散文首獎、時報文學獎小品文類、林榮三文學獎小品文類。

内页插图

目录

I 關於莫內這個人
1-1 少年莫內
1-2 前進巴黎
1-3 印象派的誕生
1-4 莫內的謬思
1-5 哈日一族
1-6 波濤洶湧的大海
1-7 美麗的吉維尼
1-8 光影印象的捕捉
1-9 四季·睡蓮
1-10 老畫家的堅持
1-11 莫內之後

II 10個莫內印象
II-1 草地上的野餐
II-2 卡蜜兒
II-3 日出印象
II-4 塞納河畔
II-5 都市風情
II-6 天空與海
II-7 盧昂大教堂
II-8 麥草堆與白楊樹
II-9 日本橋與花園
II-10 睡蓮

前言/序言

《光影的呢喃：印象派大师的色彩世界与时代变迁》 一部带领读者深入十九世纪法国艺术革命核心的深度探索之旅。 本书并非聚焦于某一位艺术家的个人传记，而是以一幅宏大而细腻的时代画卷为底色，深入剖析了印象派——这场颠覆了传统学院派艺术的革命性运动的全景面貌。我们将穿越到那个社会结构剧烈变动、科学思想蓬勃发展、巴黎焕发出前所未有活力与喧嚣的年代，去理解艺术是如何从僵硬的殿堂走向光影斑驳的户外，去捕捉那些转瞬即逝的瞬间之美。 第一部：旧秩序的崩塌与新视角的诞生 本章将从社会背景入手，描绘拿破仑战争后法国艺术生态的保守与僵化。详细阐述沙龙（Salon）制度如何扼杀了艺术家的独立思考与创新精神。通过对学院派绘画主题（历史、宗教、神话）的分析，揭示其与快速工业化、城市化进程脱节的本质。 随后，我们将聚焦于几位早期先驱者——如库尔贝（Courbet）和马奈（Manet）——如何以“现实主义”的姿态，用前所未有的坦诚描绘日常生活场景和都市景象，为印象派的“现场感”奠定哲学基础。马奈的争议性作品（如《草地上的午餐》）不仅仅是技法上的挑战，更是对资产阶级虚伪道德观的直接冲击。 第二部：光线的物理与笔触的革命 印象派的核心在于对“光”的痴迷。本部分将深入探讨十九世纪光学理论（如谢弗勒尔的色彩对照理论）如何潜移默化地影响了艺术家的调色板。这不是简单的模仿自然，而是一场基于科学观察的色彩实验。 我们将细致解构印象派的绘画技法： 户外写生（Plein Air）： 艺术家们如何将沉重的画架和自制的、便于携带的管状颜料搬到塞纳河畔、田野间？户外写生如何迫使他们放弃精细的素描基础，转而追求快速捕捉瞬间光影的“印象”？ 分色与并置： 告别传统中性的调和色，画家们开始将纯色并置于画布上，让眼睛在观看时进行“光学混合”。通过对特定作品中笔触方向和颜料厚度的分析，展示这种技法如何创造出前所未有的视觉振动感和空气的流动性。 主题的解放： 从神圣的叙事转向日常的喜悦——咖啡馆的喧闹、新兴的火车站台、郊外的家庭野餐、歌剧院的幕间休息。艺术的主体从“英雄”转向了“现代人”。 第三部：地域性集群的兴衰与风格的分化 印象派并非铁板一块。本章将以地理坐标为线索，探讨不同群体和地域的侧重点： 巴黎的都市脉搏： 重点分析德加（Degas）对动态瞬间的捕捉，尤其是在芭蕾舞女、赛马场等场景中对光影和人动态的几何化处理。探讨他如何将照相技术的影响融入到构图之中。 阿让特伊的田园诗： 聚焦于莫雷（Monet）早年在塞纳河畔的探索，以及雷诺阿（Renoir）对女性与欢愉氛围的热衷。分析他们如何通过轻快、破碎的笔触来描绘水面的波光粼粼和树影的摇曳。 静默的观察者： 探讨卡萨特（Cassatt）和玛丽·布拉克蒙（Berthe Morisot）作为女性艺术家，在以男性为主导的艺术圈中，如何通过她们独特的视角，细腻地描绘了闺阁生活、母性光辉和私密空间，为印象派增添了更具人性的温度。 第四部：从印象到后印象的过渡与时代的遗产 随着艺术家的成熟和对“印象”局限性的反思，本部分将探讨印象派如何催生了更深层次的艺术探索。 结构与情感的回归： 介绍塞尚（Cézanne）对形式的重建，他如何试图将光影的瞬间稳定为永恒的几何结构，预示着立体主义的到来。 主观色彩的爆发： 分析高更（Gauguin）如何抛弃对客观光线的忠诚，转而使用强烈的、符号化的色彩来表达内在的情感和精神世界。 光线的内在化： 探讨梵高（Van Gogh）的作品，他的笔触不再是对外在光线的记录，而是内心澎湃情感的具象化，色彩成为灵魂的呐喊。 结语：现代艺术的奠基石 《光影的呢喃》最终会总结，印象派之所以伟大，不仅在于它改变了“如何看”世界的方式，更在于它彻底解放了艺术家的主体性——艺术不再是为权力或宗教服务的工具，而是艺术家观察、感知和诠释自我的独立疆域。这场革命为二十世纪的艺术探索铺平了道路，使一切皆有可能。本书旨在让读者在欣赏那些绚烂的色彩时，也能体会到背后那段充满挣扎、创新与辉煌的艺术史诗。

评分☆☆☆☆☆

我向来不喜欢那种过度渲染情感，堆砌华丽辞藻的“文艺腔”作品，总觉得那是一种掩盖内容空洞的障眼法。但此书的文笔虽然华美，却无一处是多余的赘述，每一个形容词、每一个排比句，都精准地服务于它想要传达的意境。最让我印象深刻的是，作者对于“未完成”状态的钟爱与赞美。他似乎在暗示，艺术的生命力恰恰存在于那种永恒的“进行时”之中，一旦被完全定义和固化，其魅力便会大打折扣。这种对“过程”的尊重和对“不完美”的拥抱，非常具有现代意义。它不仅仅是一本关于特定艺术家的书，它更像是一部关于“创造力”的颂歌，激励着每一个在生活中追求某种创造性表达的人，去拥抱自己的探索和摸索，即便前路迷茫，那份探索本身就已价值连城。

评分☆☆☆☆☆

老实说，我一开始对这种“艺术鉴赏类”书籍抱持着一丝怀疑，通常这类作品要么过于学术化让人望而却步，要么又流于表面缺乏深度。但这一本完全打破了我的固有印象。它采取了一种非常独特的“解构”手法，将那些我们习以为常的、被神化的艺术品，一层层剥开，展示了它们诞生背后的挣扎、妥协乃至是革命性的冲动。作者的批判性思维非常强悍，敢于质疑那些被历史定论的“完美时刻”，转而探讨那些被忽略的草稿、被放弃的尝试，这些“未完成”的部分，反而揭示了天才更真实、更人性化的一面。阅读的过程中，我时常会停下来，拿出手机去搜索相关画作的放大细节，因为文字描述已经把我带到了那个临界点，需要视觉的辅助来完成最后的拼图。它不是在“歌颂”艺术，而是在“审视”艺术的诞生过程，这种不迎合读者的诚实态度，非常值得称赞。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构编排堪称精妙，它并非完全按照时间线索铺陈，而是通过几个核心的主题概念，像螺旋一样层层深入。比如，某一章聚焦于“光线的物理性”，下一章则跳跃到“情感对色彩的扭曲”，这种非线性叙事反而更贴合人类记忆和感知的随机性。我特别欣赏作者如何巧妙地引用了大量同时期其他领域（比如音乐、文学）的作品来佐证观点，这极大地拓宽了读者的知识边界，让我明白艺术从来都不是孤立存在的，而是一个相互渗透、彼此呼应的巨大文化场域。阅读体验是流动的，时而是学术研讨会上的严谨分析，时而又像是咖啡馆里与一位博学的友人促膝长谈，轻松中透着洞察。它成功地做到了“雅俗共赏”，既能满足专业人士的求证需求，也能让初学者轻松入门，找到属于自己的兴趣切入点。

评分☆☆☆☆☆

读完这本书，我感觉自己好像经历了一次为期数月的精神洗礼。它给予我的震撼，更多是精神层面的触动，而非单纯的知识灌输。作者在探讨艺术家的心路历程时，融入了大量的哲学思考，关于美学的本质、关于如何在既定的规则下寻求突破、关于如何与时代和解。其中有几段文字，关于艺术创作中的“孤独感”，描写得入木三分，那种天才特有的、与世界格格不入的疏离感，让我这个身处完全不同行业的读者，也感同身受地体会到了一种创作上的挣扎与执着。这本书不像是“教你如何欣赏”，而更像是“引导你如何感受”，它提供了一套全新的感官滤镜，让你重新审视周围的世界。那种由内而外焕然一新的感知力，才是这本书最宝贵的馈赠。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙事节奏简直是一场视觉的盛宴，作者对光影的捕捉如同印象派大师的笔触，细腻而富有层次感。我仿佛能闻到普罗旺斯阳光下青草的芬芳，感受到空气中弥漫的湿润水汽。那种将瞬间感受凝固在文字中的能力，让人不得不惊叹。它不像传统的传记那样刻板地罗列生平事迹，反而更像是一场深入灵魂的对话，引领读者走入那个特定时代背景下艺术家复杂而敏感的内心世界。文字的运用极其考究，时而轻盈如羽毛拂过水面，时而又沉重如厚重的油彩堆叠，这种张弛有度的文笔，使得阅读过程本身就成了一种艺术的体验。特别是对色彩的描绘，简直是教科书级别的示范，如何用文字去“翻译”色彩的语言，让没有接受过专业艺术训练的人也能切身体会到那种“蓝得令人心碎”、“黄得充满生命力”的震撼。整体而言，它成功地构建了一个可触摸、可呼吸的艺术世界，读完后，我立刻就想去博物馆重温那些经典画作，因为现在看它们的眼神，已经完全不同了。