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[德] 本雅明 原著，周颖 导读 著

图书标签:

• 艺术史
• 媒介理论
• 机械复制
• 本雅明
• 现代主义
• 文化批评
• 图像学
• 技术与艺术
• 哲学
• 视觉文化

店铺： 儒扬文化图书专营店

出版社： 天津人民出版社

ISBN：9787201065380

商品编码：17057046088

包装：平装

出版时间：2009-06-01

基本信息

书名：机械《《机械复制时代的艺术作品》导读》

定价：22.50元

作者：(德)本雅明 原著,周颖 导读

出版社：天津人民出版社

出版日期：2009-06-01

ISBN：9787201065380

字数：79000

页码：132

版次：1

装帧：平装

开本：16开

商品重量：0.100kg

编辑推荐

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内容提要

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　　《机械复制时代的艺术作品导读》是天才思想家本雅明的代表作品。本雅明在当下西方思想界的影响越来越大，被誉为“欧洲后一名知识分子”。《机械复制时代的艺术作品导读》向读者介绍了本雅明对技术革命引起的现代艺术——机械复制艺术的深入剖析，对大众文化研究具有开创意义，其中的许多思想具有颠覆性，对理解当代文化现象依然具有示范作用。

目录

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一、作者简介
　忧郁的犹太少年
　另类的大学生活
　申请大学教授资格的失败
　转向马克思主义
　后的流亡
　思想史中的本雅明
　本雅明的主要著作简介
二、《机械复制时代的艺术作品》的故事
　本雅明思想追踪
　早期的神学立场
　在马克思主义与神学之间
　风云——《意志的胜利》
　布莱希特与史诗剧
三、精彩导读
　先打量一眼这篇长文
　复制技术与艺术作品
　神秘的“光韵”（aura）
　膜拜价值与展示价值
　传统艺术会消亡吗
　电影是艺术吗
　舞台演员与电影演员
　商业电影与明星崇拜
　影片举隅：《带摄影机的人》与《淘金记》
　达达主义与超现实主义
　艺术生产与技术决定论，
　政治审美化与艺术政治化
　阿多诺与法兰克福学派
　《机械复制时代的艺术作品》对大众文化研究的启示与意义
四、大家跟帖
五、拓展阅读
　杜尚与《喷泉》
　基耶斯洛夫斯基与他的《蓝白红》三部曲
　《启迪：本雅明文选》汉娜阿伦特选编
　《发达资本主义时代的抒情诗人》本雅明著

作者介绍

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　　本雅明在《机械复制时代的艺术作品》一书中主要论述了机械复制技术的发展给艺术领域带来的一系列变革。它把艺术人从一向被人们所崇敬的神圣的“祭坛”上拖了下来，在摧毁了传统的同时使现代艺术具有了新的特点、价值和接受方式。

文摘

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序言

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好的，这是一份关于一本名为《机械复制时代的艺术作品》的导读的图书简介，重点是介绍这本书的背景、核心主题、影响，以及它对理解当代艺术和文化的重要性，同时避免提及您提供的具体书名中的“导读”部分。 --- 图书简介： 探寻影像与复制的时代：瓦尔特·本雅明思想的现代回响 我们身处的时代，图像以惊人的速度和无孔不入的姿态充斥着我们的日常生活。从电影院的银幕到智能手机的屏幕，艺术作品不再是独一无二的珍宝，而是可以被轻易复制、大规模传播的媒介。这种根本性的转变，不仅重塑了我们观看和理解艺术的方式，更深刻地动摇了我们对“原作”、“作者性”乃至“灵光”的传统认知。 本书深入剖析了二十世纪最富洞察力的思想家之一——瓦尔特·本雅明（Walter Benjamin）的标志性论文《机械复制时代的艺术作品》（The Work of Art in the Age of Mechanical Reproduction）。这篇文论并非仅仅是对新技术（如照相术和电影）的简单技术评论，而是一次对现代性、历史、记忆与政治之间复杂关系的深刻哲学思辨。 一、从“灵光”到“去魅”：传统艺术的衰亡与新生 本雅明敏锐地捕捉到，机械复制技术带来了一场审美革命。在复制出现之前，艺术品被赋予了一种独特的“灵光”（Aura）——它根植于作品的唯一性、历史的深度以及其所处的特定空间和时间。原作的灵光是其“此处与彼处”（Here and There）的不可替代性所产生的崇敬感。然而，当照相术和电影将艺术从其神圣的、仪式性的起源中剥离出来，将其转化为可随意复制和流通的商品时，这种灵光便开始消散、衰落，乃至彻底“去魅”。 本书将详尽梳理本雅明如何描述这一过程：复制技术打破了艺术的宗教和祭祀功能，使其进入了大众的视野。艺术不再是少数精英膜拜的对象，而成为可以被“审视”而非“崇拜”的体验。我们不再需要进入古老的教堂或遥远的博物馆去感受原作的震撼，取而代之的是一种更具参与性、更具政治性的观看方式。 二、政治介入的审美化：电影与法西斯主义的危险 本雅明的分析具有强烈的历史紧迫感。他认为，机械复制对艺术的冲击具有两面性。一方面，它带来了民主化的潜力，使艺术品得以普及，促进了公众对现实的批判性认知。他赞扬了电影作为一种新型艺术媒介，能够以蒙太奇和特写镜头等方式，揭示被传统绘画和戏剧所掩盖的社会现实的碎片化本质。 然而，另一方面，本雅明也发出了严峻的警告。他深刻洞察到，当艺术被完全剥离了其批判潜力，仅被视为一种娱乐或宣传工具时，其去魅的特性可能被反向利用。他著名的论断——法西斯主义通过“将政治审美化”（Aestheticization of Politics）来应对民众对革命的渴望——是理解二十世纪极权主义文化操纵的关键视角。本书将重点探讨本雅明如何论证，法西斯主义所追求的“审美化的战争”正是“灵光”最终的、也是最危险的回归，它试图用集体的、狂热的仪式感取代真正的政治行动。 三、历史的碎片与叙事的重构：非专业化的观看力量 在深入探讨机械复制对艺术形式的影响时，本书还将聚焦于本雅明对大众文化的新型观看主体的描绘。他提出的“非专业化”（Non-professionalization）的概念至关重要。传统的艺术鉴赏要求高度的专业训练和知识积累，而机械复制，尤其是电影，使得普通民众得以通过截屏、重放和并置的方式，对图像进行即时、非线性的解构和重组。 这种观看方式不再是线性的、沉思的，而是闪烁的、联想式的。这不仅是对艺术史的挑战，更是对传统线性历史观的挑战。本雅明倡导一种“拼贴式”的历史书写，将“现在”的碎片与过去的残余物并置，从而揭示历史深处的潜能和未竟的革命要求。 四、当代意义：从印刷品到数字流媒体的延伸 本雅明的这篇文本跨越时空，至今仍是理解数字时代文化现象的强大理论工具。在互联网、社交媒体和生成式AI的背景下，图像的复制、篡改和传播达到了前所未有的广度和速度。他的论述为我们提供了批判性框架，用以审视： 1. 数字版权与原创性的消亡： 在一个像素可以被无限复制的时代，作者性究竟意味着什么？ 2. 虚拟现实与“灵光”的回归： 新的沉浸式技术是否正在创造一种新的、数字化的“灵光”？ 3. 信息时代的政治操控： 深度伪造（Deepfakes）和信息战，是否正是本雅明所预警的“政治审美化”在信息技术层面的极端体现？ 本书旨在引导读者穿越本雅明复杂的哲学语境，理解他对现代性、技术决定论与文化抵抗的深刻洞察。通过细致的文本梳理与严谨的阐释，我们得以重拾一种批判性的目光，以应对一个被无休止的复制浪潮所塑造的文化景观。阅读它，就是重新审视我们习以为常的图像世界，并思考艺术在未来社会中究竟应该扮演怎样的角色。

评分☆☆☆☆☆

这部作品给我的震撼是无与伦比的。它就像一束强光，瞬间照亮了我们习以为常的艺术世界，让我开始重新审视那些曾经被视为“原件”的宝贵之物。阅读过程中，我的思绪不断地在历史与当下之间穿梭。我仿佛能看到达芬奇亲手描绘的笔触，感受到原作材料的温度，但紧接着，那些关于批量复制、数字化传播的论断又将我拉回冰冷的屏幕前。作者的叙事节奏把握得极好，他没有采用那种枯燥的说教式讲解，而是用一种近乎“侦探小说”的口吻，层层剥开艺术品在工业化浪潮中身份异化的过程。最让我印象深刻的是他对“灵光”这一概念的探讨，那种独一无二、不可替代的魔力是如何在机械化和电子化面前逐渐消散，或者说，是以一种全新的、更易于获取的形式“重生”的。这不仅仅是一本艺术理论读物，它更像是一把钥匙，开启了我们理解现代文化消费模式的侧门。看完之后，我再去看任何一张印刷品或数字图像时，都会不自觉地思考：它失去了什么，又得到了什么？这种思考的深度和广度，是其他同类书籍难以企及的。

评分☆☆☆☆☆

这本书的行文有一种罕见的穿透力和穿透力，它仿佛直接穿透了表面现象，直抵核心。我常常觉得，很多理论书籍在试图解释“是什么”的时候，往往忽略了“为什么会这样”的深层动因。然而，这部作品在构建其理论体系时，始终紧扣着社会结构、经济基础和技术进步这三条主线，将艺术的变迁放置于一个宏大的历史背景下考察。这种全景式的视角，让我对“艺术”这个概念的理解不再局限于画廊和博物馆，而是延伸到了我们日常接触到的每一张海报、每一个界面。尤其值得称赞的是，作者在讨论后期影响时，并未陷入过度悲观的论调，而是展现出一种审慎的乐观主义，认为新媒介虽然带来了损耗，但也催生了全新的审美体验和艺术可能性。这种既有批判性又有建设性的态度，让整本书读起来充满了张力，让人欲罢不能，恨不得一口气读完，然后立刻去重新审视世界。

评分☆☆☆☆☆

老实说，我一开始是被这个极具冲击力的书名吸引的，本以为会是一本晦涩难懂的学术著作，但阅读体验却出乎意料地轻松愉快。作者的语言风格极其幽默且富有文采，大量的比喻和类比使得原本高冷的哲学思辨变得生动有趣。书中对于一些经典艺术案例的引用，也都是恰到好处，绝非生搬硬套，而是服务于核心论点的阐发。比如，作者分析某某摄影作品时，那种对光影和瞬间捕捉的描述，简直让人身临其境。更重要的是，它促使我审视自己的收藏习惯。我突然意识到，我购买的那些限量版画册，究竟是出于对艺术本身的尊重，还是仅仅为了满足一种“拥有”的仪式感？这本书没有给出标准答案，但它提供了提问的框架。读完后，我感觉自己不再是一个被动接受信息的旁观者，而是有能力参与到这场关于艺术本质的持续辩论中的一员了。这种被赋权的感觉，是任何一本单纯罗列知识点的书都无法给予的。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构安排简直是教科书级别的流畅。我通常对这种带有“导读”性质的书籍抱有保留态度，总觉得它们为了迎合大众而牺牲了理论的深度，但这部作品完全颠覆了我的看法。它将一个极其复杂的哲学议题，拆解成了若干个逻辑清晰、层层递进的小单元，使得即便是初次接触相关理论的读者，也能毫不费力地跟上作者的思路。我特别欣赏作者在处理不同时代艺术形式转换时的那种微妙平衡感——既不过分美化工业革命前的“光晕”，也不一味批判新媒介带来的“扁平化”。那种深入骨髓的洞察力，使得整本书读起来像是一场精心编排的交响乐，高潮迭起，又不失和谐。尤其是在探讨新技术如何重塑观众与作品关系的那几章，作者的分析精准而犀利，让我不禁停下来，合上书本，细细回味那些句子。那种感觉，就像是有人在你脑海中打通了一条全新的认知隧道，一切都变得豁然开朗。

评分☆☆☆☆☆

这是一本需要细细咀嚼的书，而不是囫囵吞枣的快餐读物。它的每一章节都像是一颗精心打磨的宝石，需要放在不同的光线下观察，才能看到其全貌。我发现自己常常在读完一个段落后，会习惯性地起身踱步，试图将书中的概念与我脑海中已有的碎片化知识进行对接和碰撞。这种强烈的互动性，是优秀理论作品的标志之一。它不是灌输，而是点燃。书中的论证逻辑非常严密，即使在涉及一些前沿技术概念时，作者也总能用最朴素的语言将其锚定在人类的感官经验上，确保了理论的落地性。对于那些长期关注文化产业和媒体生态的朋友来说，这本书提供的分析工具和思维框架，其价值远超书本本身的定价。它帮助我理清了许多过去模糊不清的认知脉络，清晰地勾勒出一条从手工作坊到数字流水线，艺术的“灵魂”如何被重塑的清晰路径。