电影是什么 书籍 安德烈 巴赞 著 商务印书 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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[法] 安德烈·巴赞著 著，商务印书馆 编

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店铺： 吉林出版集团图书专营店

出版社： 商务印书馆

ISBN：9787100125147

商品编码：18606847312

出版时间：2017-08-01

商品参数

Y电影是什么？
	定价	68.00
	出版社	商务印书馆
	版次
	出版时间	2017年08月
	开本
	作者	[法]安德烈·巴赞 著
	装帧
	页数
	字数
	ISBN编码	9787100125147

内容介绍

本书为法国新浪潮电影之父巴赞发表的一系列高质量影评和电影评论的结集，涉及电影本体论、电影社会学、电影心理学和电影美学等诸多话题，是研究巴赞和当代电影美学的bibei读物。在电影理论shishang，巴赞的电影理论是一座zhuoyue的里程碑，他的现实主义美学深刻影响了世界电影的发展，他宣扬的摄影影像本体论和真实美学也形成了与蒙太奇理论不同的电影美学体系，开拓了电影研究的领域。正是由于巴赞的努力，电影才成为严肃的研究课题。作为巴赞电影理论的经典代表，《电影是什么？》从问世之初就受到电影从业者和广大影迷的好评，

作者介绍

安德烈·巴赞，法国《电影手册》创办人之一，著名电影批评家、理论家，提倡现实主义美学，提出了长镜头理论，阐述了新现实主义导演的重要价值，以及蒙太奇与景深镜头在电影语言中的重要性和辩证关系。因为对电影事业的重大贡献，自上世纪40年代至今，巴赞在西方电影备受推崇，被誉为“法国影迷的精神之父”“新浪潮电影之父”“电影的亚里士多德”，主要著作有《电影是什么？》《查理·卓别林》《残酷电影》《让·雷诺阿》

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电影的本质与嬗变：对光影艺术的深度剖析 （一本关于电影理论、历史与美学的深度研究之作，旨在探讨电影作为一种独特的艺术形式，其起源、发展脉络、核心美学原则以及在当代社会中的地位与未来走向。） 第一部分：电影的诞生与本体论追问 本书从电影艺术的起源开始，深入考察了19世纪末技术革新如何为“动态的影像”提供了物质基础。我们不满足于简单的技术回顾，而是将焦点放在了电影如何从一种奇观和娱乐的产物，逐步被理论家和创作者视为一种严肃的艺术媒介。 一、机械复制时代的艺术焦虑： 在探讨早期电影时，我们将分析梅里爱（Georges Méliès）的魔术叙事与卢米埃尔兄弟（Auguste and Louis Lumière）的纪实美学之间的张力。这种早期对“真实再现”与“虚构创造”的辩证，构成了电影本体论的第一个命题：电影究竟是记录世界的镜子，还是构建新世界的工具？ 我们将引用早期评论家的论述，分析他们如何试图将电影置于绘画、戏剧和文学的谱系之中，以及电影最终如何挣脱这些藩篱，确立其自身的独特性。 二、蒙太奇的语法构建： 苏联学派，尤其是爱森斯坦（Sergei Eisenstein）和普多夫金（Vsevolod Pudovkin）的蒙太奇理论，被视为电影语言的奠基石。本书将详细解构“吸引蒙太奇”（Intellectual Montage）和“对比蒙太奇”（Conflict Montage）的结构逻辑。我们不仅分析其形式操作，更重要的是探讨其背后的哲学意图——即通过影像的并置，在观众的意识中产生新的、超越单个镜头的概念。在此部分，我们将讨论如何通过对蒙太奇的机械化理解，可能导致对叙事连贯性的过度牺牲，从而引发后续对“镜头连贯性”的重新审视。 三、景深镜头与空间真实性： 与强调序列剪辑的蒙太奇学派相对立的，是以让·雷诺阿（Jean Renoir）和威廉·Wyler为代表的“景深镜头”（Deep Focus）美学。本书将深入分析如何通过景深镜头，试图在单个画面内重建自然空间与时间流动的复杂性。这种美学选择背后蕴含着一种对观众主体性的信任：相信观众有能力自主地在同一画面内选择关注点，从而体验到一种更为“自然”或“社会学意义上丰富”的现实感。景深的使用，不仅是技术上的进步，更是对电影“时间性”与“空间性”处理方式的一次深刻回归。 第二部分：类型电影的演变与社会语境 电影艺术的发展始终与社会思潮和商业模式紧密相连。本部分将考察几种关键的电影类型，分析它们如何反映特定历史时期的集体潜意识，并探讨这些类型在艺术化和商业化之间的微妙平衡。 一、黑色电影（Film Noir）的美学与焦虑： 我们将黑色电影视为二战后美国文化焦虑的视觉化表现。从其光影运用（低调照明，强烈的明暗对比）、叙事结构（非线性、循环往复）到标志性的人物原型（蛇蝎美人与迷失的男性主角），黑色电影提供了一个研究道德模糊性的绝佳案例。本书将探讨黑色电影如何超越简单的犯罪片范畴，成为对现代社会异化和个体无力感的深刻隐喻。 二、新浪潮的“作者论”与电影的个人化转向： 法国新浪潮（Nouvelle Vague）的兴起，标志着电影从“制片厂体系”向“个人表达”的重大转型。我们着重分析特吕弗（François Truffaut）和戈达尔（Jean-Luc Godard）如何通过手持摄影、即兴对白和打破第四堵墙等手法，公开宣示电影的“作者身份”。这种对传统叙事规则的颠覆，旨在强调电影制作人作为艺术家的主体性，将电影制作视为一种私人的、近乎日记式的创作行为。 三、意大利新现实主义：废墟上的道德重构： 聚焦于战后的意大利，新现实主义的实践（如德·西卡的作品）代表了一种对电影媒介的道德呼唤。本书分析其使用非职业演员、自然光和实景拍摄的策略，并非仅仅是经济条件所迫，更是一种主动选择——拒绝好莱坞式的虚假光鲜，直面社会底层人民的生存困境。这种对“当下”和“普通人命运”的关注，极大地拓展了电影题材的深度与广度。 第三部分：声音、色彩与电影的未来视野 随着技术的发展，声音和色彩不再是辅助元素，而是构建电影世界的关键维度。 一、声音景观的层次构建： 本章将详细分析声音设计如何超越简单的“音效”范畴，成为叙事和心理刻画的重要工具。我们区分画外音（Off-screen Sound）、同期声（Sync Sound）与非同步音乐（Mickey-Mousing），探讨它们如何共同作用于观众的感官体验。例如，特定的环境声景（Soundscape）如何能在无对白的情况下，瞬间建立起地域感和历史感。 二、色彩的心理学与符号学： 从早期黑白片的明暗对比到特艺彩色（Technicolor）的饱和度革命，色彩的运用经历了复杂的演变。本书将探讨特定色彩是如何在不同的文化和电影传统中被赋予固定的心理学意义（如蓝色代表忧郁，红色代表激情或危险）。分析如库布里克（Stanley Kubrick）或维斯康蒂（Luchino Visconti）如何精心调校每一帧的色调，使其成为比对白更直接的情感传达媒介。 三、数字时代的媒介融合与挑战： 最后，本书展望数字技术对电影本体的影响。虚拟现实（VR）和高帧率（HFR）等新技术的出现，对传统的“凝视”（Gaze）理论提出了挑战。电影是否会彻底沦为一种沉浸式的“体验”，而失去其作为间离（Distancing）和反思媒介的功能？本书旨在提供一个审慎的观点，探讨在技术不断模糊界限的今天，我们应如何坚守电影艺术的核心价值——即通过光影的组织，揭示人类经验的复杂性与深刻性。 总结而言，本书提供了一套系统性的工具，用以解析电影作为一种复杂艺术形式的内在逻辑、历史轨迹和文化意义，它是一场对光影、时间与观看行为的持续对话。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计着实吸引人，那种复古的印刷风格，搭配上略微泛黄的书页质感，让人仿佛穿越回了那个电影媒介刚刚开始大放异彩的年代。我第一次翻开它时，就被那种扑面而来的思想深度所震撼。它不像市面上那些流行的“电影入门”指南，直接给你罗列各种类型片和导演的名字，而是从更根本的哲学层面去探讨“电影”这个概念本身。作者的笔触细腻而富有穿透力，他似乎总能捕捉到那些我们习以为常的影像背后的隐秘逻辑。比如，他对于“真实”与“影像”关系的探讨，就让我对以往观看电影时的许多直觉性判断产生了动摇。他不是在描述电影的技法，而是在解构我们如何“看见”世界，以及电影这种艺术形式如何重塑了我们的感知结构。读起来需要全神贯注，每读完一章，我都会放下书本，盯着窗外的行人或街景愣神好久，试图用他提出的那些复杂视角重新审视眼前的“现实”。这绝对不是一本可以“速读”的书，它需要你耐心地与作者一同构建一个全新的理论框架。

评分☆☆☆☆☆

阅读过程中，我常常需要借助外部资料来理解某些背景和术语，这说明作者在假设读者已经具备了一定的美学和哲学基础。然而，正是这种略带“精英主义”的态度，保护了其思想的纯净性。它不屑于用通俗易懂的方式来迎合大众，而是坚持用最精确、最富张力的语言来表达其深刻的洞察。这本书最让我印象深刻的是它对“心理现实主义”的阐释，它探讨的不是屏幕上发生了什么，而是角色内心世界的复杂褶皱是如何被镜头语言精确捕捉和呈现的。这种关注点从“事件”转向了“体验”，极大地拓宽了我对叙事可能性的理解。它不是在教你如何拍电影，而是在教你如何“思考”电影，如何让电影成为一种严肃的哲学表达工具。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，这本书的阅读体验是有些“艰难”的，但这种“艰难”恰恰是其价值所在。它的行文逻辑非常严密，充满了巴赞标志性的那种绵密的长句和层层递进的论证结构，对于习惯了快餐式阅读的现代读者来说，无疑是一个挑战。它不提供简单的结论，而是抛出深刻的问题，引导读者进行无休止的思辨。我尤其欣赏其中对于蒙太奇手法的批判性分析，那段论述简直是如同一把锋利的手术刀，剖开了过度依赖剪辑技巧来操控观众情感的陈词滥调。作者似乎在捍卫一种更接近于“时间的完整性”的电影观，强调长镜头和景深所蕴含的伦理重量。读完这部分，我立刻重温了几部经典作品，那些原本只是觉得“很美”的镜头，此刻都拥有了沉甸甸的意义，它们不再是片段的堆砌，而成为了对存在本身的记录。这本书迫使你慢下来，用一种近乎冥想的状态去重新体验影像的力量。

评分☆☆☆☆☆

这是一本需要反复研读的案头书，它的价值在于你每次重读都会有新的领悟。初读时，你可能只抓住了表面的论点；但随着自身阅历和观影量的增加，你会发现作者在多年前就精准地预言或分析了后来诸多电影运动的核心困境与发展方向。它像一个智慧的指南针，指引着人们探索影像艺术的深层疆域。它的语言风格是如此的古典和沉稳，仿佛每一句话都经过了时间的打磨，掷地有声。它对“时间感”的论述，尤其是如何通过银幕上的持续性来抵抗现代社会对时间的碎片化侵蚀，是全书最令人振聋发聩的部分。读完后，你无法再以一种轻松娱乐的心态去看待电影，你会被迫带着一种近乎审视的敬畏之心去面对每一个光影的交错。

评分☆☆☆☆☆

这本书的魅力在于它提供了一种超越技术范畴的“信仰”。它不是一本教科书，而更像是一本关于电影本体论的宣言。作者的文字中流淌着一种对媒介纯粹性的执着追求，那种对“原始影像”的向往，让人不禁感慨在如今这个特效满天飞、剪辑节奏快到令人窒息的时代，这种对“真实在场感”的坚守显得尤为可贵。我个人特别喜欢其中关于“神话”与“宗教”在电影中的隐喻的探讨。他将电影提升到了一个几乎是形而上学的层面，探讨光影如何构筑新的信仰空间。这种宏大叙事让人在阅读时感到一种精神上的被提升。每当我感觉自己对艺术的理解陷入僵局时，翻开这本书的某一页，总能被其中那些看似晦涩实则蕴含巨大能量的思考所点燃，仿佛找到了一个久违的精神导师。