電影是什麼 書籍 安德烈 巴贊 著 商務印書 pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

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[法] 安德烈·巴贊著 著，商務印書館 編

圖書標籤:

• 電影理論
• 電影史
• 安德烈·巴贊
• 電影哲學
• 電影美學
• 法國電影
• 電影批評
• 視覺文化
• 藝術理論
• 文化研究

店鋪： 吉林齣版集團圖書專營店

齣版社： 商務印書館

ISBN：9787100125147

商品編碼：18606847312

齣版時間：2017-08-01

商品參數

Y電影是什麼？
	定價	68.00
	齣版社	商務印書館
	版次
	齣版時間	2017年08月
	開本
	作者	[法]安德烈·巴贊 著
	裝幀
	頁數
	字數
	ISBN編碼	9787100125147

內容介紹

本書為法國新浪潮電影之父巴贊發錶的一係列高質量影評和電影評論的結集，涉及電影本體論、電影社會學、電影心理學和電影美學等諸多話題，是研究巴贊和當代電影美學的bibei讀物。在電影理論shishang，巴贊的電影理論是一座zhuoyue的裏程碑，他的現實主義美學深刻影響瞭世界電影的發展，他宣揚的攝影影像本體論和真實美學也形成瞭與濛太奇理論不同的電影美學體係，開拓瞭電影研究的領域。正是由於巴贊的努力，電影纔成為嚴肅的研究課題。作為巴贊電影理論的經典代錶，《電影是什麼？》從問世之初就受到電影從業者和廣大影迷的好評，

作者介紹

安德烈·巴贊，法國《電影手冊》創辦人之一，著名電影批評傢、理論傢，提倡現實主義美學，提齣瞭長鏡頭理論，闡述瞭新現實主義導演的重要價值，以及濛太奇與景深鏡頭在電影語言中的重要性和辯證關係。因為對電影事業的重大貢獻，自上世紀40年代至今，巴贊在西方電影備受推崇，被譽為“法國影迷的精神之父”“新浪潮電影之父”“電影的亞裏士多德”，主要著作有《電影是什麼？》《查理·卓彆林》《殘酷電影》《讓·雷諾阿》

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電影的本質與嬗變：對光影藝術的深度剖析 （一本關於電影理論、曆史與美學的深度研究之作，旨在探討電影作為一種獨特的藝術形式，其起源、發展脈絡、核心美學原則以及在當代社會中的地位與未來走嚮。） 第一部分：電影的誕生與本體論追問 本書從電影藝術的起源開始，深入考察瞭19世紀末技術革新如何為“動態的影像”提供瞭物質基礎。我們不滿足於簡單的技術迴顧，而是將焦點放在瞭電影如何從一種奇觀和娛樂的産物，逐步被理論傢和創作者視為一種嚴肅的藝術媒介。 一、機械復製時代的藝術焦慮： 在探討早期電影時，我們將分析梅裏愛（Georges Méliès）的魔術敘事與盧米埃爾兄弟（Auguste and Louis Lumière）的紀實美學之間的張力。這種早期對“真實再現”與“虛構創造”的辯證，構成瞭電影本體論的第一個命題：電影究竟是記錄世界的鏡子，還是構建新世界的工具？ 我們將引用早期評論傢的論述，分析他們如何試圖將電影置於繪畫、戲劇和文學的譜係之中，以及電影最終如何掙脫這些藩籬，確立其自身的獨特性。 二、濛太奇的語法構建： 蘇聯學派，尤其是愛森斯坦（Sergei Eisenstein）和普多夫金（Vsevolod Pudovkin）的濛太奇理論，被視為電影語言的奠基石。本書將詳細解構“吸引濛太奇”（Intellectual Montage）和“對比濛太奇”（Conflict Montage）的結構邏輯。我們不僅分析其形式操作，更重要的是探討其背後的哲學意圖——即通過影像的並置，在觀眾的意識中産生新的、超越單個鏡頭的概念。在此部分，我們將討論如何通過對濛太奇的機械化理解，可能導緻對敘事連貫性的過度犧牲，從而引發後續對“鏡頭連貫性”的重新審視。 三、景深鏡頭與空間真實性： 與強調序列剪輯的濛太奇學派相對立的，是以讓·雷諾阿（Jean Renoir）和威廉·Wyler為代錶的“景深鏡頭”（Deep Focus）美學。本書將深入分析如何通過景深鏡頭，試圖在單個畫麵內重建自然空間與時間流動的復雜性。這種美學選擇背後蘊含著一種對觀眾主體性的信任：相信觀眾有能力自主地在同一畫麵內選擇關注點，從而體驗到一種更為“自然”或“社會學意義上豐富”的現實感。景深的使用，不僅是技術上的進步，更是對電影“時間性”與“空間性”處理方式的一次深刻迴歸。 第二部分：類型電影的演變與社會語境 電影藝術的發展始終與社會思潮和商業模式緊密相連。本部分將考察幾種關鍵的電影類型，分析它們如何反映特定曆史時期的集體潛意識，並探討這些類型在藝術化和商業化之間的微妙平衡。 一、黑色電影（Film Noir）的美學與焦慮： 我們將黑色電影視為二戰後美國文化焦慮的視覺化錶現。從其光影運用（低調照明，強烈的明暗對比）、敘事結構（非綫性、循環往復）到標誌性的人物原型（蛇蠍美人與迷失的男性主角），黑色電影提供瞭一個研究道德模糊性的絕佳案例。本書將探討黑色電影如何超越簡單的犯罪片範疇，成為對現代社會異化和個體無力感的深刻隱喻。 二、新浪潮的“作者論”與電影的個人化轉嚮： 法國新浪潮（Nouvelle Vague）的興起，標誌著電影從“製片廠體係”嚮“個人錶達”的重大轉型。我們著重分析特呂弗（François Truffaut）和戈達爾（Jean-Luc Godard）如何通過手持攝影、即興對白和打破第四堵牆等手法，公開宣示電影的“作者身份”。這種對傳統敘事規則的顛覆，旨在強調電影製作人作為藝術傢的主體性，將電影製作視為一種私人的、近乎日記式的創作行為。 三、意大利新現實主義：廢墟上的道德重構： 聚焦於戰後的意大利，新現實主義的實踐（如德·西卡的作品）代錶瞭一種對電影媒介的道德呼喚。本書分析其使用非職業演員、自然光和實景拍攝的策略，並非僅僅是經濟條件所迫，更是一種主動選擇——拒絕好萊塢式的虛假光鮮，直麵社會底層人民的生存睏境。這種對“當下”和“普通人命運”的關注，極大地拓展瞭電影題材的深度與廣度。 第三部分：聲音、色彩與電影的未來視野 隨著技術的發展，聲音和色彩不再是輔助元素，而是構建電影世界的關鍵維度。 一、聲音景觀的層次構建： 本章將詳細分析聲音設計如何超越簡單的“音效”範疇，成為敘事和心理刻畫的重要工具。我們區分畫外音（Off-screen Sound）、同期聲（Sync Sound）與非同步音樂（Mickey-Mousing），探討它們如何共同作用於觀眾的感官體驗。例如，特定的環境聲景（Soundscape）如何能在無對白的情況下，瞬間建立起地域感和曆史感。 二、色彩的心理學與符號學： 從早期黑白片的明暗對比到特藝彩色（Technicolor）的飽和度革命，色彩的運用經曆瞭復雜的演變。本書將探討特定色彩是如何在不同的文化和電影傳統中被賦予固定的心理學意義（如藍色代錶憂鬱，紅色代錶激情或危險）。分析如庫布裏剋（Stanley Kubrick）或維斯康蒂（Luchino Visconti）如何精心調校每一幀的色調，使其成為比對白更直接的情感傳達媒介。 三、數字時代的媒介融閤與挑戰： 最後，本書展望數字技術對電影本體的影響。虛擬現實（VR）和高幀率（HFR）等新技術的齣現，對傳統的“凝視”（Gaze）理論提齣瞭挑戰。電影是否會徹底淪為一種沉浸式的“體驗”，而失去其作為間離（Distancing）和反思媒介的功能？本書旨在提供一個審慎的觀點，探討在技術不斷模糊界限的今天，我們應如何堅守電影藝術的核心價值——即通過光影的組織，揭示人類經驗的復雜性與深刻性。 總結而言，本書提供瞭一套係統性的工具，用以解析電影作為一種復雜藝術形式的內在邏輯、曆史軌跡和文化意義，它是一場對光影、時間與觀看行為的持續對話。

評分☆☆☆☆☆

這本書的封麵設計著實吸引人，那種復古的印刷風格，搭配上略微泛黃的書頁質感，讓人仿佛穿越迴瞭那個電影媒介剛剛開始大放異彩的年代。我第一次翻開它時，就被那種撲麵而來的思想深度所震撼。它不像市麵上那些流行的“電影入門”指南，直接給你羅列各種類型片和導演的名字，而是從更根本的哲學層麵去探討“電影”這個概念本身。作者的筆觸細膩而富有穿透力，他似乎總能捕捉到那些我們習以為常的影像背後的隱秘邏輯。比如，他對於“真實”與“影像”關係的探討，就讓我對以往觀看電影時的許多直覺性判斷産生瞭動搖。他不是在描述電影的技法，而是在解構我們如何“看見”世界，以及電影這種藝術形式如何重塑瞭我們的感知結構。讀起來需要全神貫注，每讀完一章，我都會放下書本，盯著窗外的行人或街景愣神好久，試圖用他提齣的那些復雜視角重新審視眼前的“現實”。這絕對不是一本可以“速讀”的書，它需要你耐心地與作者一同構建一個全新的理論框架。

評分☆☆☆☆☆

閱讀過程中，我常常需要藉助外部資料來理解某些背景和術語，這說明作者在假設讀者已經具備瞭一定的美學和哲學基礎。然而，正是這種略帶“精英主義”的態度，保護瞭其思想的純淨性。它不屑於用通俗易懂的方式來迎閤大眾，而是堅持用最精確、最富張力的語言來錶達其深刻的洞察。這本書最讓我印象深刻的是它對“心理現實主義”的闡釋，它探討的不是屏幕上發生瞭什麼，而是角色內心世界的復雜褶皺是如何被鏡頭語言精確捕捉和呈現的。這種關注點從“事件”轉嚮瞭“體驗”，極大地拓寬瞭我對敘事可能性的理解。它不是在教你如何拍電影，而是在教你如何“思考”電影，如何讓電影成為一種嚴肅的哲學錶達工具。

評分☆☆☆☆☆

這本書的魅力在於它提供瞭一種超越技術範疇的“信仰”。它不是一本教科書，而更像是一本關於電影本體論的宣言。作者的文字中流淌著一種對媒介純粹性的執著追求，那種對“原始影像”的嚮往，讓人不禁感慨在如今這個特效滿天飛、剪輯節奏快到令人窒息的時代，這種對“真實在場感”的堅守顯得尤為可貴。我個人特彆喜歡其中關於“神話”與“宗教”在電影中的隱喻的探討。他將電影提升到瞭一個幾乎是形而上學的層麵，探討光影如何構築新的信仰空間。這種宏大敘事讓人在閱讀時感到一種精神上的被提升。每當我感覺自己對藝術的理解陷入僵局時，翻開這本書的某一頁，總能被其中那些看似晦澀實則蘊含巨大能量的思考所點燃，仿佛找到瞭一個久違的精神導師。

評分☆☆☆☆☆

我必須承認，這本書的閱讀體驗是有些“艱難”的，但這種“艱難”恰恰是其價值所在。它的行文邏輯非常嚴密，充滿瞭巴贊標誌性的那種綿密的長句和層層遞進的論證結構，對於習慣瞭快餐式閱讀的現代讀者來說，無疑是一個挑戰。它不提供簡單的結論，而是拋齣深刻的問題，引導讀者進行無休止的思辨。我尤其欣賞其中對於濛太奇手法的批判性分析，那段論述簡直是如同一把鋒利的手術刀，剖開瞭過度依賴剪輯技巧來操控觀眾情感的陳詞濫調。作者似乎在捍衛一種更接近於“時間的完整性”的電影觀，強調長鏡頭和景深所蘊含的倫理重量。讀完這部分，我立刻重溫瞭幾部經典作品，那些原本隻是覺得“很美”的鏡頭，此刻都擁有瞭沉甸甸的意義，它們不再是片段的堆砌，而成為瞭對存在本身的記錄。這本書迫使你慢下來，用一種近乎冥想的狀態去重新體驗影像的力量。

評分☆☆☆☆☆

這是一本需要反復研讀的案頭書，它的價值在於你每次重讀都會有新的領悟。初讀時，你可能隻抓住瞭錶麵的論點；但隨著自身閱曆和觀影量的增加，你會發現作者在多年前就精準地預言或分析瞭後來諸多電影運動的核心睏境與發展方嚮。它像一個智慧的指南針，指引著人們探索影像藝術的深層疆域。它的語言風格是如此的古典和沉穩，仿佛每一句話都經過瞭時間的打磨，擲地有聲。它對“時間感”的論述，尤其是如何通過銀幕上的持續性來抵抗現代社會對時間的碎片化侵蝕，是全書最令人振聾發聵的部分。讀完後，你無法再以一種輕鬆娛樂的心態去看待電影，你會被迫帶著一種近乎審視的敬畏之心去麵對每一個光影的交錯。