具体描述
●上篇 平面设计原理
● 研究和理念
● 研究基本要求
●第二节 线性推理和横向思维
●第三节 探索性绘画
●第四节 构思视觉化
●第五节 图像和文本理论
●第六节 受众、市场和理念
●第七节 时间表、组织与终稿
● 练习题
●第二章 构图原理
● 构图基础
●第二节 图形和空间
●第三节 对称和非对称
●第四节 版面设计的基本原理
●第五节 版面样式
●第六节 节 奏和对比
●第七节 大小和版式
●第八节 标志和扩展系统
●部分目录
内容简介
本书是印刷和数字媒体等平面设计相关从业者的基础课程。为平面设计各方面提供实际可行的建议，包括理解基础知识到形成新颖的理念，以及创作出成功的设计作品。书中所用例子是从媒体杂志、书籍、报纸、数字媒体、网站和公司品牌标识中选取的。书中为读者穿插大量练习题和学习指南，以及现实生活中的平面设计理念。修订后的第五版包含了如何使设计适应数字成像技术、动态影像以及网站和小屏幕应用等项目。 (英)戴维·达布纳,(英)桑德拉·斯图尔 编著；祝远德,关熔珍 译 戴维·达布纳任教于有名的伦敦印刷学院。桑德拉·斯图尔特担任德雷塞尔大学媒体艺术与设计学院的副院长。
艾瑞克·赞波尔是美国费城的平面设计师，也是德雷塞尔大学的讲师。
用户评价
这本书的出现，完全超出我最初的设想，我原本以为这是一本能够手把手教我如何运用商业设计软件进行创作的“工具书”，比如关于如何高效地处理图片，或者如何进行3D建模。我甚至期待里面能有大量的案例拆解，让我能够直接模仿学习。然而，它却以一种更加哲学和历史性的方式，带领我认识了“英国艺术与设计”这个概念。作者并没有直接给出“操作指南”，而是通过对英国艺术与设计发展历程的深度梳理，让我看到了其背后的文化基因和时代精神。我被书中对“装饰艺术运动”（Art Deco）的详尽分析所吸引，了解到那个时代对几何图形、金属材质和工业美学的热情，以及这种风格如何在建筑、家具、服装等各个领域得到体现。书中对一些重要设计学院的办学理念和历史贡献的介绍，也让我对“学院”在推动设计创新和教育方面所起到的作用有了更深的认识。虽然我原本期待的是具体的“技巧分享”，但这本书通过“宏观视角”和“历史纵深”的呈现，让我看到了艺术与设计是如何与社会进步、科技发展以及人们的生活方式息息相关的。我开始明白，优秀的设计作品，不仅仅是个人才能的体现，更是其所处时代和社会的共同产物。这本书，没有直接给我“画笔”，而是让我理解了“画笔”是如何被发明和演变的，以及在不同的时代，艺术家们是如何运用“画笔”来表达自己的思想和情感。这种对“根源”的探索，让我对艺术与设计的理解，从“表面”走向了“内心”，其价值远超我最初的预期。
评分这本书对我来说，更像是一份“英国艺术与设计思想史”的导览图。我最初的设想，是希望它能为我提供一份具体的“设计流程指南”，比如关于如何从零开始构思一个产品，或者如何进行有效的市场调研。我甚至期待里面会有一些关于特定软件操作的“傻瓜式”教程。但当我翻开书页，我看到的却是对英国艺术与设计领域核心理念的梳理和探讨。作者以一种非常学术化的方式，将英国艺术与设计的不同流派、不同时期及其代表人物进行了详尽的介绍，让我对这个领域有了更全面的认识。我被书中关于“英国设计”如何从模仿到创新，再到引领世界潮流的历程所深深吸引。我尤其对书中对“功能主义”在英国设计发展中的演变和影响的分析印象深刻，了解到设计不仅仅是追求形式的美感，更是要解决实际问题，满足用户需求。虽然我渴望的是具体的“实践技巧”，但这本书通过对“理论框架”和“思想源流”的梳理，让我对“为什么这样做”有了更清晰的认识。我开始明白，很多看似简单的设计，其背后都蕴含着复杂的思考和深厚的理论基础。这本书，没有直接给我“工具”，而是让我理解了“工具”的原理，以及如何根据不同的需求选择和运用“工具”。这种对“底层逻辑”的探索，让我受益匪浅，也为我未来的学习指明了方向。
评分这本书简直就像打开了一扇通往英国艺术与设计殿堂的大门，虽然我原本的设想是它能提供一份详尽的“如何入门”的指南，但读下来却发现，它的价值远不止于此。开篇几章，我本来期待着能看到一些关于基础素描、色彩理论、甚至是设计软件操作的干货，然而，它却选择了更加宏观的视角，带领读者穿越历史的长河，去追溯英国艺术与设计发展的脉络。从哥特式的教堂雕塑，到维多利亚时代的工艺美术运动，再到20世纪的包豪斯影响以及后现代主义的解构，作者以一种近乎史诗般的笔触，勾勒出了艺术与设计在英国社会变迁中的角色与演变。我尤其被那些关于工艺美术运动的论述所吸引，那种对工业化生产的反思，对手工价值的重塑，以及对设计融入日常生活的追求，时至今日依然振聋发聩。书中穿插的许多案例研究，更是让我对当时的艺术家和设计师们有了更深的理解，他们是如何在时代洪流中寻找灵感，又如何用自己的作品表达对社会、对生活、对美的独特见解。虽然我渴望的是直接的技能指导，但这种沉浸式的历史体验，无疑让我对“英国艺术与设计”这个概念有了更深层次的认知，它不再是孤立的风格或技法，而是根植于文化、历史和哲学土壤的有机体。读到后面，当作者开始探讨当代英国设计时，我更是惊喜地发现，那些历史的积淀是如何巧妙地融入到现代设计理念之中，例如在可持续设计、用户体验设计等领域，我都能隐约看到过去辉 मार्गों辉煌的影子。这本书，用一种意想不到的方式，满足了我对“学院派”的期许，它不是简单的教科书，而更像是一次深度的人文探索，让我对艺术与设计的理解，从“做什么”上升到了“为什么这样做”的层面，这无疑是更高级的学习体验，虽然和最初的预期有所偏差，但这种偏差却带来了意想不到的收获，让我对未来学习方向有了更清晰的认知。
评分这本书给我的感觉，就像是收到了一份来自英国艺术与设计界的“家谱”。我原本设想的，是一本能够快速提升我绘画或设计技能的书籍，比如关于油画的技法解析，或是排版设计的原则指南。然而，它却以一种更加舒缓而深刻的方式，带领我认识了“英国艺术与设计”这个大家族。作者并没有直接列举“必学的知识点”，而是通过讲述这个家族的“起源”、“发展”、“重要成员”以及“家族传承”的故事，让我逐渐认识到它的全貌。我被书中关于英国皇家艺术学会（RSA）在推动设计教育和创新方面所扮演角色的介绍所吸引，了解到它不仅仅是一个学术机构，更是英国设计界一股重要的驱动力。书中对“唯美主义”（Aestheticism）运动的详细阐述，让我看到了艺术如何从最初的模仿自然，走向对形式、色彩和情感的自由探索，以及这种探索如何深刻影响了后来的艺术与设计。虽然我最初期待的是具体的“操作步骤”，但这本书通过“故事”和“背景”的叙述，让我理解了艺术与设计的“DNA”，理解了它们是如何在历史的土壤中生根发芽，并逐渐演变成今天的模样。我开始明白，每一个设计作品，都像是这个家族谱系中的一个分支，它继承了过去的基因，也可能开创了新的分支。这种宏观的视角，让我对学习艺术与设计有了更强的方向感和目标感，我不再是无头苍蝇般地去寻找“技巧”，而是能够有意识地去理解“传承”和“创新”的关系。这本书，就像一位博学的长者，给我讲述了一个家族的百年传奇，虽然没有直接教我“如何成为其中的一员”，但它让我看到了这个家族的辉煌，也为我指明了未来可以努力的方向，这种启蒙远比直接的技法传授来得更加珍贵。
评分我拿到《英国艺术与设计学院用书》时，内心是既兴奋又带着一丝好奇的，我期待着它能像一本“魔法手册”，里面充满了各种奇思妙想的设计灵感，或者是一些能让我立刻提升作品“颜值”的视觉元素。我甚至想象过里面会有关于色彩心理学的详尽解读，或是不同风格字体排版的案例分析。但当我在书页间徜徉时，我发现它带给我的，是一种完全不同的体验。这本书更像是一面镜子，它没有直接告诉我“该画什么”，而是让我通过审视英国艺术与设计发展的历史，来反思“为什么会这样画”。作者以一种非常“学院派”的方式，将英国艺术与设计的“成长史”娓娓道来，从早期的哥特式建筑，到维多利亚时期的工艺美术运动，再到20世纪的包豪斯影响，以及当代的波普艺术与后现代主义，这些章节都让我仿佛置身于一个巨大的艺术博物馆。我尤其被书中对“工艺美术运动”的深入分析所吸引，了解到威廉·莫里斯及其追随者们是如何在工业化时代，重新审视手工艺的价值，并试图将美学理念融入到人们的日常生活中。这让我意识到，艺术与设计从来都不是孤立存在的，它们与社会、经济、文化紧密相连。虽然我期待的是具体的“创作秘诀”，但这本书通过揭示“创作背景”和“创作理念”，让我看到了艺术与设计的“灵魂”所在。我开始明白，很多成功的艺术与设计作品，其背后都有着深刻的思想内涵和时代印记。这本书，没有直接给我“颜料盒”，而是让我理解了“颜色”的意义，以及它们是如何在不同的画布上被运用，并产生不同的效果。这种对“根本”的探索，比我预想的要深刻得多，也更有价值。
评分这本《英国艺术与设计学院用书》对我而言，与其说是一本“用书”，不如说是一扇开启我对英国艺术与设计深层理解的“窗口”。我最初的期待，是一本能够直接告诉我“如何才能成为一名出色的艺术家或设计师”的书籍，我设想着里面会有大量的名家案例分析，以及他们独特的创作技巧。然而，这本书却采取了一种更加宏观和历史性的视角。作者并没有直接给出“成功秘诀”，而是通过梳理英国艺术与设计的发展脉络，来展示其独特的演进过程。我被书中对“维多利亚时代设计”的详细阐述所吸引，了解到那个时代对细节的极致追求，以及对工业化生产的反思。书中对一些重要艺术机构的历史沿革和教育理念的介绍，也让我对“学院”在培养艺术人才方面的作用有了更深的认识。虽然我原本期待的是具体的“操作指南”，但这本书通过“故事”和“背景”的铺陈，让我看到了艺术与设计是如何与时代、社会、文化相互影响、相互塑造的。我开始明白，每一个时代的艺术与设计，都是其所处社会环境的真实写照，是艺术家或设计师对世界的回应。这本书，没有直接给我“画笔”，而是让我理解了“画笔”的进化和“画笔”背后的哲学。这种对“根源”的探索，让我对艺术与设计的理解更加深刻，也更有启发性。
评分我拿到这本《英国艺术与设计学院用书》时，内心是充满期待的，我脑海中勾勒出的画面，是一本可以手把手教我如何运用Photoshop进行数字插画创作，或者如何掌握3D建模的基础知识的实用手册。我甚至设想了里面会有大量的步骤图解和详细的参数设置。然而，当我深入阅读后，我意识到这本书的“学院用书”的定位，并非指向具体的技法教学，而是指向一种更深层次的、更具学术性的理解。作者以一种非常宏观的视角，将英国的艺术与设计置于一个更广阔的历史和文化语境中进行审视。我被书中关于英国皇家艺术学院（RCA）早期发展的论述深深吸引，了解到它不仅仅是一所传授技艺的学校，更是作为推动国家工业革新和艺术发展的重要机构。书中对“功能主义”在英国设计史上的演变和影响的探讨，让我对“设计”的定义有了更广阔的理解，它不再仅仅是“美观”，更包含了“实用”、“高效”以及“社会责任”等多重维度。我尤其对书中分析的20世纪中期英国工业设计的发展，那些为日常生活而生的优秀设计，如经典的家具、交通工具等，让我看到了设计如何真正地改善人们的生活品质。虽然我原本期待的是具体的“操作指南”，但这种对设计理念、发展趋势以及其背后社会动因的深入剖析，让我对“英国艺术与设计”有了更系统的认知。我开始明白，很多看似简单的设计背后，都蕴含着复杂的历史演变和深厚的文化积淀。这本书，没有直接给我“食谱”，而是让我理解了“食材”的来源、烹饪的“哲学”，以及不同“菜系”的特色，这是一种更加高级的学习方式，让我能够触类旁通，举一反三。
评分读完这本书，我最大的感受是，它彻底颠覆了我对“学院用书”的刻板印象。我原本以为，这会是一本充斥着专业术语、操作流程和标准范例的指导性读物，我期待着能从中找到关于水彩颜料的运用技巧，或者雕塑的塑形方法。但事实是，作者为我呈现了一幅更为宏大和深刻的画面。这本书更像是一次对英国艺术与设计发展历程的深度访谈，它追溯了从早期手工匠人到现代设计大师的时代变迁，以及不同艺术思潮在英国土地上激荡碰撞的故事。我尤其被书中对“激浪派”（YBA）等当代艺术运动的解读所吸引，那种挑战传统、打破边界的艺术精神，以及艺术家们如何运用各种媒介来表达对社会现象的思考，让我耳目一新。书中对一些标志性建筑和公共艺术项目的案例分析，更是让我看到了设计如何在城市空间中发挥作用，以及如何影响人们的生活。虽然我原本渴望的是关于“如何做”的直接答案，但这本书通过“为什么会这样”的探索，让我对艺术与设计的理解上升到了一个全新的维度。我开始意识到，每一个伟大的设计作品，都不仅仅是技术和审美的结合，更是其所处时代精神的折射，是艺术家或设计师对其所处社会环境的回应。这种宏观的视角，让我能够将零散的艺术与设计知识点串联起来，形成一个完整的知识体系。我明白了，学习艺术与设计，不仅仅是学习技巧，更是学习一种思维方式，一种观察世界、改造世界的方法。这本书，无疑为我打开了一扇通往更深层次理解的大门，虽然它没有直接给我“工具箱”，但它让我理解了“工具”的演变和“工具”背后的智慧。
评分我拿到这本《英国艺术与设计学院用书》时，带着一种“速成”的心态，我希望它能像一本宝典，迅速教会我一些能够让我的作品脱颖而出的“绝技”，比如如何巧妙地运用光影，或者如何设计出令人印象深刻的海报。我甚至设想了里面会有很多“干货”式的技巧分享。但当我翻开书页，我发现这本书的“学院”定位，指向的是一种更加系统和深入的学习路径。作者以一种近乎“考古”的方式，为我展示了英国艺术与设计的发展演变史，从古老的凯尔特艺术，到中世纪的宗教艺术，再到文艺复兴时期对古典主义的借鉴，以及现代主义对形式的简化和对功能的强调，每一个时期都像一块珍贵的拼图，共同构成了英国艺术与设计的完整图景。我尤其被书中对“激浪派”（YBA）的介绍所吸引，了解到这些年轻艺术家是如何挑战传统，以一种全新的方式来看待艺术和设计，并对社会提出质疑。虽然我最初的期待是具体的“操作方法”，但这本书通过“历史脉络”和“思想演变”的梳理，让我看到了艺术与设计的“生命力”所在。我开始明白，真正的创新，往往源于对历史的深刻理解和对未来的大胆想象。这本书，没有直接给我“调色盘”，而是让我理解了“色彩”的含义，以及它们是如何在不同的时代和文化背景下被赋予不同的意义。这种对“本质”的探索，让我受益匪浅，也为我今后的学习提供了更广阔的视野。
评分这本《英国艺术与设计学院用书》所呈现的内容，远远超出了我原先对“学院用书”的简单定义。我原本以为会是一本聚焦于具体专业技能的书籍，比如关于版画制作的技巧，或者服装设计中的剪裁要点，甚至可能是平面设计中色彩搭配的详尽指南。然而，当我翻开书页，迎面而来的是对英国艺术与设计史的宏大叙事，这让我感到一丝意外，但也迅速被其吸引。作者并没有直接点明“你应该怎么做”，而是选择了一条更加深入的路径，通过梳理各个时代、各个流派的艺术与设计发展，来揭示其背后蕴含的文化基因和时代精神。我惊叹于书中对装饰艺术运动的精彩阐述，那些流线型的造型、大胆的色彩运用，以及对新材料的探索，让我看到了工业革命带来的机遇与挑战，以及艺术家们如何拥抱变革，创造出属于那个时代的辉煌。书中对一些知名艺术学院的办学理念和历史沿革的介绍，也让我对“学院”这个概念有了更立体的认识，了解到这些机构是如何在历史长河中不断演变，又如何培养出代代相杰出的艺术与设计人才。虽然我渴望的是实操性的指导，但这种对“根源”的追溯，让我对理解英国艺术与设计的本质有了更深刻的洞察。例如，书中对19世纪末工艺美术运动的深入剖析，让我理解了为何在工业化浪潮中，仍有艺术家坚持手工艺的价值，并试图将其重新融入到日常生活中。这种对历史背景的充分挖掘，让我对书中提及的每一个艺术流派、每一位设计师的创作动机和作品风格有了更清晰的理解，也为我后续的学习打下了坚实的基础。我发现，很多现代设计理念，其渊源都可以追溯到这些历史的变革之中，这种“温故知新”的感觉，让我觉得这本书的价值不可估量，虽然它没有直接告诉我“如何画好一笔”，但它让我理解了“为何要画这一笔”，这种提升是循序渐进且意义深远的。
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