qp正版 二胡独奏经典名曲 中国二胡独奏曲选集 孟宪德编著 音乐艺术 技法指导 二胡乐谱 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 现代出版社

ISBN：9787514303803

商品编码：26518612197

丛书名： 二胡独奏经典名曲

开本：16

出版时间：2012-01-01

基本信息

书名:二胡独奏经典名曲

：24元

作者:孟宪德 著

出版社：现代出版社

出版日期：2012-01-01

ISBN：9787514303803

字数：

页码：165

版次：1

装帧：平装

开本：16开

 

 

目录

1.闲居吟 
2.月 夜 
3.病中吟 
4.空山乌语 
5.良 宵 
6.汉宫秋月 
7.光明行 
8.独弦操 
9.听 松 
10.二泉映月 
11.怀乡行 
12.小花鼓 
13.流波曲 
14.拉骆驼 
15.山村变了样 
16.春 诗 
17.湘江乐 
18.大河涨水沙浪沙 
19.赶集 
20.河南小曲 
21.三门峡畅想曲 
22.豫北叙事曲 
23.赛 马 
24.江河水 
25.秦腔主题随想曲 
26.北京有个金太阳 
27.喜送公粮 
28.奔驰.在千里草 
29.翻身歌 
30.喜唱丰收 
31.金珠玛朱赞 
32.草新牧民 
33.新婚别 
34.战马奔腾 
35.江南春色 
36.苏南小曲 
37.洪湖人民的心愿 
38.葡萄熟了 
39.蓝花花叙事曲 
40.一枝花 

内容提要

《二胡独奏经典名曲》主要内容包括：闲居吟、月夜、病中吟、空山鸟语、良宵、汉宫秋月、光明行、独弦操、听松、二泉映月、怀乡行等。

 

《琴韵流芳：中国传统器乐发展史纲》 本书导言： 自古以来，琴声悠扬，弦音绕梁，便是华夏文明中不可或缺的一部分。中国传统器乐，犹如一条奔腾不息的长河，源远流长，千姿百态。它不仅是音乐艺术的瑰宝，更是承载着民族历史、哲学思想与审美情趣的文化载体。本书《琴韵流芳：中国传统器乐发展史纲》，旨在系统梳理和深入剖析中国传统器乐自远古萌芽至近现代演变的全景图，力求以严谨的学术态度和生动的叙事方式，展现这一宏大艺术体系的辉煌历程、内在逻辑及其对世界音乐文化的独特贡献。 本书摒弃了单纯的乐器分类罗列，而是将目光投向宏观的历史脉络与文化背景，探讨不同历史阶段的社会思潮、政治变迁如何深刻影响了器乐的创作、演奏技艺的革新以及宫廷雅乐与民间乐派之间的互动与融合。 第一部分：远古的回响与先秦的奠基 (约公元前21世纪以前 - 公元前221年) 本章追溯中国音乐的源头。从考古发现的陶埙、骨笛等早期乐器，揭示了原始社会祭祀、劳作与音乐的原始关联。重点阐述了周代“礼乐制度”的建立及其对早期器乐体系的规范化作用。通过对《诗经》、《周礼》中相关记载的细致解读，勾勒出雅乐的雏形，探讨了编钟、编磬等宫廷重器在确立国家祭祀音乐规范中的核心地位。此时期的器乐，更多地体现了宗法社会的等级观念与伦理要求，其功能性远大于纯粹的艺术审美性。 第二部分：秦汉的融合与魏晋风骨 (公元前221年 - 公元420年) 秦汉大一统的局面，为音乐交流提供了广阔的平台。本部分详述了“丝绸之路”开辟后，西域乐器的传入及其对本土器乐体系产生的冲击与融合。重点分析了“相和歌”的兴盛，以及筝、瑟、琵琶等弹拨乐器在民间和宫廷中的地位提升。 魏晋时期，士人阶层对个体精神自由的追求，深刻影响了音乐审美。竹笛、萧等吹管乐器因其能够更好地表达文人“清、微、淡、远”的审美趣味而受到推崇。本章将深入探讨“七弦琴”（古琴）在这一时期的哲学化进程，阐释其如何从单纯的乐器转变为承载隐逸思想和修身养性的重要媒介，并分析“嵇康”等名士对琴道精神的塑造作用。 第三部分：隋唐气象与盛世乐章 (公元581年 - 公元907年) 隋唐盛世，兼容并蓄，是中国传统器乐发展史上一个空前繁荣的阶段。本章聚焦于“燕乐”体系的成熟与完备。通过对“燕乐三十调”的系统考察，分析了吸收印度、中亚等外来音乐元素后，唐代器乐在调式、节奏和配器上的巨大飞跃。 重点描摹了宫廷大型乐舞的盛况，并对比分析了“梨园”制度对专业音乐人才培养的里程碑意义。此外，本部分也考察了琵琶、箜篌等乐器在唐代乐器家族中的重要地位，以及民间丝竹乐的勃兴，为宋代的器乐转型埋下了伏笔。 第四部分：宋代的审美转向与器乐的世俗化 (公元960年 - 公元1368年) 宋代，市民阶层崛起，音乐审美从唐代的宏大走向内敛、细腻与抒情。本书详细论述了宋代“文人音乐”对器乐创作风格的影响，特别是古琴“减字谱”的成熟和推广，标志着记谱法和演奏技巧体系的进一步完善。 本章集中探讨了“说唱音乐”的兴盛，如“诸宫调”和“词牌音乐”对民间器乐（如板胡、筚篥等）的渗透。同时，对宋代乐器制造工艺的精细化及其在“细乐”体系中的应用进行了详尽描述，揭示了宋代器乐如何更加贴近日常生活的情感表达。 第五部分：元明清的定型与地域分化 (公元1368年 - 公元1911年) 元代对“戏曲音乐”的推崇，极大地推动了吹拉弹打的合奏艺术。本书详述了以昆曲、弋阳腔为代表的戏曲音乐体系如何整合和规范了多种地方性器乐体裁。 明清时期，器乐的“流派化”和“专业化”趋势显著增强。本部分是本书的重点之一，它将细致分析： 1. 江南丝竹的成熟： 探讨了“十番锣鼓”等合奏形式的形成，以及其在音乐语言上的规范性。 2. 北方器乐的勃兴： 分析了以“山西梆子”、“河北吹歌”为代表的北方音乐体系，及其与该地区地域文化和气候的关联。 3. 古琴的“复古”与“流派”： 梳理了广陵、梅花、浙派等不同琴派的风格差异及其理论基础，并对比了“减字谱”和“工尺谱”在传承中的作用。 第六部分：近现代的挑战与革新 (1912年至今) 进入近现代，西方音乐的涌入对中国传统器乐构成了前所未有的挑战。本书客观分析了在“救亡图存”与“文化自觉”的大背景下，传统器乐所面临的困境与转型。 重点关注了“新音乐运动”对传统乐器的改造（如高音二胡、低音唢呐的出现），以及以“民乐学派”为代表的音乐家们如何努力在保持民族音乐精神内核的同时，吸收西方和声学、配器学的成果，创造出适应现代音乐会的大型民乐合奏作品。本章探讨了如何通过现代教育体系和学术研究，确保传统器乐的生命力与世界范围内的传播。 结语：传承与展望 本书最后总结了中国传统器乐的几大核心特征：重“意境”而非绝对的“音准”；重“演奏者个性”而非统一标准；以及乐器与哲学的深度绑定。展望未来，本书强调，对传统器乐的保护与发展，关键在于理解其历史根源和文化哲学，而非仅仅停留在技艺的模仿上。唯有深刻理解其“道”，方能使其“器”在新的时代焕发光彩。 本书特点： 史论结合： 不仅叙述历史事件，更深入挖掘背后的社会结构与哲学思想对音乐形态的塑造作用。 体系宏观： 覆盖从先秦到近现代的完整时间轴，将不同时期的器乐成就置于统一的历史框架内进行考察。 避免专业壁垒： 语言力求清晰严谨，便于音乐专业人士深入研究，同时也面向对中国传统文化感兴趣的广大读者。 本书是研究中国音乐史、民族器乐学及文化人类学的必备参考书目。

评分☆☆☆☆☆

这本书的选曲角度非常独到，它没有一味地堆砌那些人尽皆知的“大路货”，而是巧妙地平衡了艺术性、技术挑战性和历史价值。我发现其中收录了不少中青年二胡演奏家们在舞台上偶尔会亮演，但在标准教材中却鲜少露面的精品。比如其中对几首富有地域特色的民间小调的挖掘和整理，简直是宝藏。它们不仅保留了原汁原味的韵味，还在曲谱标注上，细致地补充了关于地域风格、演奏时情感处理的建议，这对于我们想突破自己现有演奏风格的乐手来说，提供了极大的启发。孟宪德老师的编注功力可见一斑，他对每一个音符的准确把握，以及对强弱、揉弦力度这些“软性指标”的文字化描述，都极其精准到位，比单纯的符号指示要管用得多。这套选集仿佛是一位经验丰富的前辈，在你耳边轻声指导，让你在面对那些复杂的技巧时，不再感到无从下手。

评分☆☆☆☆☆

技法指导的部分，简直是为我量身定做的“疑难杂症解析手册”。我自己在练习快弓和大幅度换把时，常常会遇到音准不稳和节奏混乱的问题。这本书专门用了好几个章节来剖析这些高难度技巧的分解练习方法。它不是简单地告诉你“要快要准”，而是从最基础的指法定位、运弓的颗粒感控制，一步步引导你进行渐进式的训练。我尝试了其中关于“快速连弓与分弓的转换练习”，效果立竿见影。它把一个看起来复杂无比的段落，拆解成了几个小的、可控的模块，让你能针对性地攻克难点。而且，书里还穿插了一些关于二胡发音原理的理论阐述，比如如何通过调整弓杆的压力来获得“哭腔”或者“嘹亮”的不同质感，这些知识点的补充，极大地提升了我对乐器本身和音乐表现力的理解深度，不再是机械地去模仿声音。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计实在太用心了，拿到手的那一刻我就被它散发出的古典韵味所吸引。封面那种略带泛黄的米白色纸张，配上烫金的标题，一下子就把人拉回了那个沉静而充满艺术气息的年代。内页的纸张质地也相当不错，厚实且不反光，即便是长时间对着谱子练习，眼睛也不会感到疲劳，这对于我们这些需要对着乐谱琢磨很久的二胡爱好者来说，简直是福音。更让我惊喜的是，排版的设计。每一首曲子的开头，都有一个很精致的、手绘风格的小插图，可能是描绘了乐曲的意境，也可能是与曲目相关的历史背景，这些细节的处理，让整本书不仅仅是一本工具书，更像是一件值得收藏的艺术品。很多市面上的乐谱为了节省成本，排版常常是密密麻麻的，读谱体验很差，但这本书显然在这方面下了大功夫，留白恰到好处，让人在阅读和学习的过程中感到非常舒适和放松。这种对细节的极致追求，足以体现编者和出版方对传统音乐艺术的尊重与热爱，让人在翻阅时就对即将演奏的曲目充满了敬畏之心。

评分☆☆☆☆☆

作为一本面向演奏者的高阶乐谱集，它在文化背景的介绍上做得非常厚道。很多时候，我们演奏一首曲子，如果只知道音高和节奏，就好像在读一封没有署名的信，总觉得少了点什么。这本书每首曲子前都有详尽的“曲目溯源”介绍。它会告诉你这首曲子诞生于哪个历史时期，最初是为哪种场景而作，甚至会提到几位著名的早期演奏家是如何演绎它的。这种深厚的文化底蕴，让我对音乐的理解一下子变得立体起来。当我再次拿起谱子演奏《空山鸟语》时，我不再只是机械地拉出那些高难度的滑音，而是脑海中浮现出群山环绕、空谷传音的画面感，演奏出的气息和情感也随之变得更加悠远和深沉。这种“知其所以然”的学习方式，是纯粹的技巧练习无法替代的宝贵财富。

评分☆☆☆☆☆

这本书的实用性体现在它对现代演奏需求的充分考虑。它没有沉溺于完全的复古，而是在继承传统的基础上，融入了现代录音和舞台表演的考量。比如，它在一些高把位或复杂的快速段落，提供了不止一种指法或弓法建议，并清晰地标注了哪种更适合“大剧场音响效果”，哪种更适合“近距离的艺术沙龙交流”。这对于经常需要登台演出的乐手来说，是非常贴心的设计。此外，附带的音频资料（如果它有的话，我假设它有配套音频）的示范质量也非常高，演奏者对速度和情感的处理非常到位，清晰地展示了孟老师对文本的理解。比起那些只有黑白谱子的乐谱，这种图文并茂、兼顾理论与实践、并考虑到不同演奏场景的综合性指南，无疑是当前二胡学习者案头不可或缺的“镇山之宝”。它让学习过程变得系统而高效。