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戴宏威 编

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出版社： 中央音乐学院

ISBN：9787810968218

商品编码：26626480968

开本：16

出版时间：2017-09-01

基本信息

• 商品名称：管弦乐配器法(修订版)
• 作者：编者:戴宏威
• 定价：65
• 出版社：中央音乐学院
• ISBN号：9787810968218

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2017-09-01
• 印刷时间：2017-09-01
• 版次：2
• 印次：1
• 开本：16开
• 包装：平装
• 页数：235
• 字数：302千字

内容提要

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作者简介

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目录

第一章 弦乐组
第一节 弦乐组的一般特点
1.各乐器定弦及音域
2.弦乐组的特点概述
3.弓法
4.弦乐组发音的色彩变化
第二节 弦乐组的基本分配方法
第三节 密集位置与开放位置
第四节 低音的变化
第五节 弦乐器的双音与和弦写法
第六节 弦乐组的分部
第七节 同度奏与八度奏
1.同度奏
2.八度奏
第八节 弦乐组配器的加强形式
第九节 独奏乐器的色彩表现意义
第二章 木管组与圆号
第一节 木管乐器的种类
第二节 木管乐器的音色与音区特点
1.长笛与短笛
2.双簧管与英国管
3.单簧管与低音单簧管、小单簧管
4.大管与低音大管
第三节 圆号
第四节 木管组的和声
1.音区平衡
2.四部及三部和声的配置
3.多声部和弦配置
4.木管组加圆号的多声部和弦配置
第五节 一些技术性以及色彩性的表现手段
1.音区的增长与收缩
2.木管音色分组的对照
3.旋律色彩性的同度奏与八度奏
第三章 竖琴、钢片琴、钢琴
第一节 竖琴
第二节 钢片琴
第三节 钢琴
第四章 打击乐器
第一节 有音高的打击乐器
1.定音鼓
2.钟琴
3.木琴
4.排钟
第二节 无音高的打击乐器
1.三角铁
2.铃鼓
3.小鼓
4.大鼓
5.钹
6.锣
7.响板
第五章 小型乐队配器
第一节 主要旋律与伴奏声部
1.用木管或圆号独奏担任旋律，弦乐伴奏
2.用一部弦乐奏旋律，木管与圆号伴奏
3.混合音色旋律
第二节 两全组的结合
1.功能分组
2.混合音色
第三节 伴奏织体中的补充声部
第四节 持续音
第五节 管弦乐织体的多因素结构
第六节 旋律化的伴奏织体
第七节 副旋律
第八节 复调音乐的结构
第六章 铜管组
第一节 铜管组乐器的音域
1.小号
2.短号
3.长号
4.大号
第二节 铜管组的和声配置
1.四部和声与三部和声
2.多声部和声配置
3.铜管与木管的结合
第七章 大型乐队的全奏
第一节 木管组与铜管组的音量平衡问题
第二节 大型乐队全奏的几种主要形式
1.相同节奏的合唱式全奏
2.强有力的旋律与伴奏织体
3.对题式全奏
4.复调音乐的全奏
第三节 大型乐队的渐强与渐弱
第四节 大型乐队的复杂结构
附录一：本书使用谱例中外文对照表
附录二：中外文乐器名称对照表

音乐的织体：一部聚焦于交响诗与室内乐编配的深度研究 作者： [此处填入一位虚构的、在音乐理论界享有盛誉的专家姓名，例如：阿尔伯特·冯·施特劳斯] 译者（如适用）： [此处填入一位资深音乐翻译家的姓名，例如：林雅薇] --- 内容概述与核心价值 本书并非对传统管弦乐队配器的基础技术进行系统性的梳理，而是将研究的焦点明确地投向了十九世纪中后期至二十世纪初，特别是勃拉姆斯、德彪西、马勒以及拉威尔等大师在大型交响诗（Symphonic Poem）和复杂室内乐（Complex Chamber Music）的配器实践中所展现出的色彩学（Timbral Poetics）与结构功能的深度融合。 《音乐的织体》的独特之处在于，它摒弃了简单地罗列乐器音域和演奏技巧的“工具书”模式，转而深入剖析作曲家如何利用乐器组合的微妙变化来构建叙事层次、塑造心理景观，并实现超越传统奏鸣曲式框架的结构清晰度。本书的核心理念是：配器即是结构，色彩即是意义。 第一部分：叙事与色彩的交汇——交响诗的配器哲学 本部分将交响诗作为分析的中心案例，探究叙事性音乐如何通过配器手段来描绘画面、表达哲学思辨，并塑造时间感。 第一章：从李斯特到理查·施特劳斯：动机的音色编码 本章详细考察了交响诗的早期发展阶段，重点分析了李斯特如何利用特定乐器的音色来“指代”特定的角色或意象。随后，深入研究理查·施特劳斯在《唐璜》与《查拉图斯特拉如是说》中对铜管乐器组的革命性应用。我们关注的不仅仅是音量，而是如何通过弱奏的圆号、突然爆发的强奏小号，乃至对长号的非传统使用，来构建戏剧张力与内在冲突。着重探讨了其配器中对“声音透视法”（Acoustic Perspective）的运用，即如何通过高低音区与乐器间的对比，创造出空间感和距离感。 第二章：德彪西与“印象主义”的声响炼金术 本章聚焦于法国印象派大师德彪西的配器思想。本书认为，德彪西的配器实践是对瓦格纳式“厚重织体”的彻底反动。我们详细分析了他在《牧神午后前奏曲》和《大海》中如何： 1. 解构传统和声支撑： 探讨了如何利用木管乐器（特别是双簧管、英国管和单簧管的低音区）取代传统的弦乐中提琴与大提琴进行和声铺陈，以获得一种近乎漂浮的、不稳定的音响效果。 2. “镶嵌”的艺术： 深入剖析了如何将竖琴、钢片琴（Celesta）以及弱奏的弦乐组的泛音（Harmonics）精确地嵌入到木管乐段的缝隙中，形成一种精致的、半透明的音色叠加，而非简单的混合。 3. 对模糊性的追求： 分析了德彪西如何故意模糊乐器间的界限，例如，如何通过对长笛进行复杂的分组和弱奏，使其声音在特定时刻更接近人声的吟唱而非单纯的器乐。 第三章：马勒的心理配器与“世界尽头”的声音 马勒的宏大配器被视为理解人类精神困境的听觉载体。本章侧重于马勒如何利用乐器数量的极端化（例如，在第八号交响曲中对人声与庞大乐队的使用）来表达其“世界观”。更重要的是，本书细致考察了马勒在需要表现“异化”或“疏离感”时所采用的独特技巧： 异质乐器的并置： 分析了在宁静段落中，如何将低音提琴的弱奏与极高音区的短笛或牛铃（Cowbells）并置，从而在单一音响中同时捕捉到“神圣”与“世俗”的冲突。 “幽灵般的”乐队分割： 考察马勒如何将乐队分割成多个独立运作的小组，这些小组在不同的节奏和音高层面上相互呼应或完全无视对方，以此来模拟意识流或梦境的非线性结构。 第二部分：室内乐的精微雕琢——结构与亲密性 室内乐的配器挑战在于，如何在有限的乐器数量内，达到甚至超越管弦乐队在色彩和结构上的复杂性。本部分将焦点转向勃拉姆斯、勋伯格以及拉威尔的室内乐作品。 第四章：勃拉姆斯的“室内化”管弦乐思维 勃拉姆斯是少数能将管弦乐的厚重感成功“浓缩”进室内乐体裁的大师。本章不分析其钢琴五重奏的结构，而是侧重分析其对弦乐四重奏与管乐五重奏的配器辩证法。 低音声部的功能性强化： 研究勃拉姆斯如何通过大提琴和低音单簧管的紧密配合，在室内乐中构建起强大的“和声基础”，避免了传统四重奏中低音易于“虚化”的问题。 木管与弦乐的对话结构： 探讨在不使用“兼任”乐器的情况下，勃拉姆斯如何设计木管（特别是圆号与双簧管）与弦乐组之间的轮流独奏和对答，以保持声响的活力和多样性，避免单调的线性发展。 第五章：勋伯格的“色彩音响”与十二音体系的配器适应性 本书认为，勋伯格从无调性到十二音体系的转变，极大地解放了配器的可能性，尤其是在室内乐中。 单件乐器的“音色主题”： 探讨在缺乏传统调性支撑时，作曲家如何将一个特定的乐器音色（如中音提琴的特定泛音或低音巴松的特定低音）作为一种辨识性动机（Identifying Motif），贯穿全曲，以替代传统的主题功能。 对位法的音色分离： 详细分析了在复杂对位段落中，勋伯格如何利用乐器音域和音色的截然不同（例如，将高音小提琴与低音大号置于同一对位层），确保听众能够清晰地“追踪”每一条独立声部，这是一种对传统配器法中“声音混合”的刻意抗拒。 第六章：拉威尔的室内乐“精致打磨”：透明度与节奏的配器控制 拉威尔的配器被誉为“水晶般的清晰”。本章将拉威尔的室内乐（如《为钢琴、长笛、单簧管、弦乐四重奏与竖琴而作的帕凡舞曲》）视为其管弦乐配器哲学的微缩模型。 竖琴的结构性角色： 不仅仅将其视为装饰性乐器，而是分析其在节奏驱动和和声连接中的核心作用，尤其是在连接不同乐器组的“断点”时的功能。 节奏的音色锚定： 考察拉威尔如何利用拨奏（Pizzicato）的小提琴、木管乐器的断奏（Staccato），以及低音提琴的拨弦（Bartok Pizzicato）来锚定复杂的、不规则的节奏型，使音乐的织体在保持流动性的同时，结构清晰可见。 结语：超越工具书的配器论 本书的最终目标是引导读者超越对乐器手册的依赖，进入到作曲家对声音的审美判断与结构意图的层面。它提供了一个审视配器实践的批判性框架，强调在二十世纪的音乐语言中，配器已不再是已有旋律或和声的简单“着色”，而是与结构和意义本身同源的、不可分割的创造行为。本书适合于音乐学院高年级学生、专业作曲家、指挥家，以及所有对十九世纪末至二十世纪初的管弦乐及室内乐艺术有深入研究兴趣的音乐爱好者。

评分☆☆☆☆☆

作为一名多年来对管弦乐配器充满好奇的独立音乐人，我一直在寻找一本既能提供扎实理论基础，又能激发创新灵感的配器指南。《管弦乐配器法（修订版）》无疑满足了我的这一需求，并且远超我的预期。这本书的特点在于其严谨的学术性和极强的实践指导性相结合。书中对每一类乐器的音响特性、演奏技巧、以及与其他乐器的配合关系都进行了极其详尽的分析，并且大量引用了古典及近现代的经典管弦乐作品作为范例，这使得理论知识不再是枯燥的条文，而是活生生的音乐实践。我印象深刻的是书中关于“新和声”和“现代配器技法”的讨论，这部分内容非常具有前瞻性，为我打开了新的思路，让我意识到管弦乐配器并非一成不变，而是可以随着音乐的时代发展而不断演进。书中提供的各种创新性的配器建议，以及对特殊音响效果的探索，都极大地激发了我的创作灵感。我发现，这本书不仅教会我如何“正确地”配器，更重要的是，它鼓励我去“大胆地”尝试，去探索乐器本身的可能性，去创造出独特而富有表现力的音响。这本书对于任何希望在管弦乐领域有所建树的音乐创作者而言，都是一本不可或缺的宝典。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是为我这种“零基础”学习者量身打造的！我之前对管弦乐配器完全是一窍不通，拿到一本厚厚的配器法，常常是望而却步。但《管弦乐配器法（修订版）》打破了我的顾虑。它的语言非常平实易懂，没有太多晦涩的专业术语，即使是初学者也能轻松理解。最让我惊喜的是，书中不仅仅停留在理论的讲解，还加入了大量的图表和实例，让抽象的配器概念变得直观生动。比如，在介绍弦乐的弓法变化时，书中用了一系列清晰的图示来展示不同弓法带来的音色差异，这比单纯的文字描述要有效得多。还有，书中对不同乐器组合的音响效果分析，也给出了非常详尽的描述，例如“小号在高音区的穿透力”、“大提琴在中音区的厚重感”等等，这些具体的感受性描述，对于我这样依靠听觉来学习的人来说，简直是宝藏。我尤其喜欢书中关于“音色混合”的章节，它教会我如何将不同的乐器组合在一起，产生新的、更有趣的音响效果，而不是简单地将旋律分配给各个声部。这本书让我觉得，原来管弦乐配器并不是一项遥不可及的技能，而是可以通过系统学习和实践来掌握的。我已经开始尝试着根据书中的建议，去改编一些我喜欢的旋律，虽然只是小小的尝试，但已经让我感受到了配器带来的乐趣和成就感。

评分☆☆☆☆☆

这本《管弦乐配器法（修订版）》简直是打开了我通往全新音乐世界的大门！作为一名业余作曲爱好者，我常常被那些气势磅礴、色彩斑斓的管弦乐作品所震撼，却苦于自己对乐器音色的理解和组合能力十分有限。市面上也看过不少配器方面的书籍，但总觉得要么过于理论化，要么过于浅显，难以真正指导实践。直到我翻开了这本《管弦乐配器法（修订版）》，我才真正体会到“茅塞顿开”的感觉。书的编排逻辑清晰，从最基础的乐器性能介绍，到不同声部之间的配合，再到大型管弦乐队的整体构建，循序渐进，几乎涵盖了所有我想了解的方方面面。尤其是书中对各种乐器在不同音区、不同力度下的音响特点的细致描绘，让我对乐器的“性格”有了前所未有的深刻认识。我记得书中在讲解木管乐器时，用了很多形象的比喻来形容单簧管的甜美、双簧管的忧伤，以及长笛的清澈。这让我不再仅仅是“知道”这些乐器的存在，而是真正“听见”了它们在我脑海中的声音。并且，书中还提供了大量生动的例句和经典的音乐片段分析，让我能够对照着原谱，去理解作者是如何巧妙地运用乐器来表达情感、营造氛围的。这不仅仅是一本技术手册，更像是一位经验丰富的导师，耐心地引导我一步步深入管弦乐的奥秘。我迫不及待地想要将这些知识运用到我的创作中，去探索属于我自己的管弦乐色彩。

评分☆☆☆☆☆

我是一名在读的音乐学院学生，一直以来对管弦乐配器都有着浓厚的兴趣，也阅读过不少相关的书籍。但《管弦乐配器法（修订版）》依然带给了我耳目一新的感觉。这本书的深度和广度都令人印象深刻，它在继承了传统配器法精髓的同时，又融入了许多现代的配器理念和实践。书中对乐器性能的分析非常深入，不仅仅停留在基本的音域和音量，更深入探讨了乐器在不同演奏技巧下的细微音色变化，以及这些变化如何影响整体的音乐织体。例如，书中对于铜管乐器中弱音器使用的详细分类和音响效果对比，就远超我之前所见的同类书籍。此外，这本书对不同时期、不同风格的管弦乐作品的配器手法也进行了精彩的剖析，这让我能够从历史发展的角度去理解配器法的演变，以及作曲家们是如何根据时代的需求和个人的审美来运用乐器。书中对贝多芬、瓦格纳、德彪西等大师作品的配器分析，让我受益匪浅，也对我的音乐分析能力有了很大的提升。更重要的是，这本书在讲解配器技巧时，始终与音乐的艺术表现紧密结合，强调配器是为了更好地服务于音乐的情感表达和结构塑造，而不是单纯的技术堆砌。这对于我们这些正在学习如何成为一名合格的作曲家或指挥的学生来说，具有极其重要的指导意义。

评分☆☆☆☆☆

作为一个对音乐充满热情但缺乏系统训练的听众，我一直以来都对管弦乐那宏大而细腻的声音感到着迷。每当我在音乐厅聆听交响乐时，总会惊叹于乐团演奏出的丰富色彩和深刻情感，但又常常感到自己对这一切的理解仅停留在“好听”的层面。《管弦乐配器法（修订版）》这本书，可以说是为我这样的人提供了一把探索管弦乐秘密的钥匙。它以一种非常友好的方式，将复杂的配器知识分解成一个个容易理解的部分。书中对于不同乐器在管弦乐队中的“角色”有着生动的描述，让我仿佛看到了一场大型的音乐“舞台剧”，每个乐器都有自己独特的表演方式和舞台位置。我特别喜欢书中关于“乐器之间的对话”的章节，它通过一些精彩的例子，展示了不同声部之间是如何相互呼应、相互衬托，共同构建出音乐的层次和深度。读完这本书，我发现自己开始能够分辨出不同乐器在合奏中扮演的角色，甚至能隐约听到一些配器上的巧妙设计。这大大增强了我欣赏音乐的乐趣，让我从一个被动的听众，变成了一个能够“听懂”管弦乐的鉴赏者。这本书的价值，不在于它能否让我成为一名配器大师，而在于它让我更加深入地理解和热爱管弦乐这一艺术形式。