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店铺： 学语者图书专营店

出版社： 中央音乐学院出版社

ISBN：9787810965866X

商品编码：27906900938

商品参数

书名：电子琴入门教程

作者：刁勇，陈欣

ISBN ：9787810965866

出版社：音乐学院出版社

出版时间：2014-08-01

印刷时间：2014-08-01

字数：289000字

页数：138页

开本：16开

包装：平装

重量：kg

定价：32元

内容简介

为了满足广大电子琴爱好者学习弹奏电子琴的需求，我们通过总结20多年来的教学经验，吸取其中的精华，精心策划，倾力编写了这本电子琴教材。本书的大特点是言简意赅，深入浅出，循序渐进。书中应用直观的教学方法，帮助读者学习电子琴的知识和弹奏技能。例如：将自己手的五指比喻成五线谱；把五线谱音符形状、时值长短及划拍长度的关系编成歌谣。因此，本书既可作为青少年学习电子琴的教材，也可作为成年人及老年人学电子琴的课本。

另外，书中还选编了50首耳熟能详的歌曲和乐曲，供电子琴爱好者学习弹奏。为了配合广泛开展群众性娱乐健身活动，书中还收录了20首大家熟悉和喜爱的舞曲，供交际舞钟爱者学习弹奏。

作者简介

刁勇，中国电子键盘协会理事。1994年考入音乐学院音乐教育学习；1997年获北京市辅导教师证书；1998年获日本雅马哈立式双排键电予琴5级教师指导证书；1999年获西城区普教“五四青年教师”称号；1999年9月考入音乐学院音乐学，学习后取得大学本科毕业证书；2000年被评为青年教师并被授予“希望杯”奖；2001年在音乐学院硕士研究生课程班学习，并取得结业证书；2003年取得由中华人民共和困文化部统一颁发的全国社会艺术水平考级考官资格证书；2005年8月担任第二届“星星火炬”中国青少年艺术英才推选活动电子琴比赛评委，同时被授予“中国少年先锋队艺术团艺术顾问”聘书；2006年4月任全国校园组合创意音乐大赛评委，并成为大赛能够进行现场讲评的评委；2006年8月参加全国第三届“星星火炬”中国青少年英才推选活动全国总决赛电子琴评委；2007年2月担任首届海峡两岸四地青少年艺术节乐器评委；2007年8月参加全国第四届“星星火炬”中国青少年英才推选活动全国总决赛电子琴评委；2008年1月带领北京35中民乐乐坊在的《奥运情》演出实况在电视台音乐频道一周四次播放；2008年4月被聘为中国电子键盘协会理事；2009年5月获得全国电子琴指导教师奖；2010年2月参加了中国音协电子键盘学会编辑的世界风电子琴电子钢琴曲集的部分编曲，该书已由人民音乐出版社出版发行。

目录

章电子琴基本常识

节电子琴发展史简介

第二节电子琴演奏的基本方法

第三节简谱、五线谱及乐理知识

第二章电子琴演奏技巧

节初步演奏方法

第二节键盘技术的练习

第三节电子琴的和弦演奏

一、单指和弦的介绍及演奏

二、多指和弦的介绍及演奏

第三章练习曲

第五章影视歌曲与流行歌曲

第六章舞曲音乐曲目

附录一电子琴的音色与伴奏

附录二电子琴单指和弦一览表

附录三常用音乐术语

好的，以下是针对您提供的书名信息，撰写的一份不包含该书内容的图书简介。这份简介聚焦于其他音乐学习主题，内容力求详实、自然，避免任何AI痕迹。 --- 音乐的无限可能：深度探索与实践指南 第一部：西方古典音乐的宏伟殿堂——从巴赫到德彪西的聆赏与解析 本卷聚焦于西方古典音乐的发展脉络，旨在为初学者和有一定基础的音乐爱好者提供一套系统而深入的聆赏框架。我们不拘泥于枯燥的年代划分，而是深入挖掘不同时期音乐风格的核心精神与技术特征。 一、巴洛克时期的结构之美：对位法的精妙布局 本章详细拆解了巴赫的赋格曲与众赞歌。我们将从最基础的“模仿”概念入手，逐步过渡到复杂的“逆行”、“倒影”等对位技巧。重点分析《平均律钢琴曲集》中A大调第一号前奏曲的声部进行规律，并结合维瓦尔第的协奏曲，讲解“播撒动机”如何在宏大的结构中保持音乐的统一性。我们不只是介绍曲目，而是教导读者如何“听懂”巴洛克音乐的逻辑，理解其建筑般的严谨结构如何服务于情感表达。此外，对于大键琴（Harpsichord）的音色特点及其在巴洛克音乐中的地位，也有详尽的对比论述。 二、古典主义的清晰与平衡：奏鸣曲式的核心驱动力 本部分着重探讨海顿、莫扎特和贝多芬的作品。奏鸣曲式（Sonata Form）被视为古典主义音乐的基石，本章将其拆解为呈示部（Exposition）、发展部（Development）和再现部（Recapitulation）三个关键环节。我们通过莫扎特《第十六钢琴奏鸣曲K.545》的乐章结构，直观展示主题的冲突与和解。特别地，贝多芬晚期作品中对传统结构的突破与重构，例如《“锤子键”奏鸣曲》的第三乐章，将作为深入研究的案例，分析革命性的情感表达是如何在既有规范内孕育而生的。 三、浪漫主义的激情与叙事：标题音乐的崛起 浪漫主义是音乐从“纯抽象”转向“强烈个人化叙事”的关键时期。本章探讨了舒伯特、肖邦和李斯特的作品。我们深入分析了“艺术歌曲”（Lied）中诗歌与旋律的完美结合，如何通过和声的色彩变化来描绘文本意境。对于钢琴独奏曲，如肖邦的夜曲（Nocturne），我们着重剖析了其装饰音（Ornamentation）的使用，这些装饰音如何不再仅仅是炫技，而是成为抒发内心情感的“呼吸”。李斯特的交响诗，则被视为音乐叙事学的典范，探讨标题如何引导听众进入一个完整的文学或哲学场景。 四、印象主义的声色探索：色彩与模糊的边界 德彪西和拉威尔将音乐带入了一个充满光影变幻的领域。本章重点介绍全音阶（Whole-tone Scale）、五声音阶（Pentatonic Scale）以及和弦色彩的运用。我们将解析德彪西《亚麻色头发的少女》中，和声如何营造出一种“朦胧的氛围”，而非明确的调性指向。这不仅是技术的革新，更是对听觉感知的拓展，引导读者体验音乐中“暗示”的力量。 --- 第二部：现代音乐的节奏实验与电子声波的未来 古典音乐是基石，但音乐的演进永无止境。本卷将目光投向20世纪至今的音乐创作前沿，尤其关注节奏的解构与电子媒介的应用。 一、20世纪的调性瓦解与序列主义 本章探讨勋伯格的十二音体系（Dodecaphony）。我们将详细解释“音列”的构建原则，即如何通过“原始列”、“第一转位”、“第二转位”和“第三转位”来确保所有十二个半音在听觉上获得同等的重要性，从而打破传统大小调的中心感。这不是晦涩的理论，而是对听觉结构进行革命性重组的尝试。 二、斯塔文斯基的原始冲动与多节奏的碰撞 我们深入分析了斯特拉文斯基《春之祭》中的节奏革命。作品中频繁出现的“复节奏”（Polyrhythm）和突然的节拍重音变化，构成了其标志性的原始力量。本章将通过节拍图示，展示不同节奏层如何在同一时间轴上相互冲突、交织，最终爆发出一种原始而不可抗拒的律动感。 三、电子音乐的合成与采样艺术 本部分是对当代音乐制作技术的一次全面梳理。 1. 合成器的核心原理：从振荡到滤波 我们不局限于操作界面，而是追溯声音的物理本源。振荡器（Oscillator）如何产生基础波形（正弦波、方波、锯齿波），以及包络（Envelope, ADSR）如何塑形声音的起伏，滤波器（Filter）如何决定音色的明暗。我们将详细对比模拟合成器与数字合成器在音色上的细微差别与哲学差异。 2. 采样的哲学与伦理：声音的再语境化 采样（Sampling）不再是简单的录制，而是一种声音的挪用与再创造。本章讨论了如何通过变速、反放、切片等手法，将日常环境音或既有音乐片段转化为全新的音乐语汇。我们探讨了这种声音的“去脉络化”过程，及其在后现代音乐建构中的重要性。 3. 模块化合成的无限可能 模块化合成器（Modular Synthesis）代表了声音设计的高度自由。本章通过对VCO、VCF、VCA以及LFO、Envelope Generator等基本模块的连接图解，展示了如何通过“补丁线”（Patch Cables）创造出传统乐器无法企及的复杂动态音景。这是一种电路层面的作曲，挑战着传统的旋律与和声概念。 --- 第三部：音乐理论的跨界应用——从和声到配器的实用技巧 本卷致力于将枯燥的理论知识转化为实际的创作工具，特别是针对需要进行简单编曲和配器的学习者。 一、色彩和声的现代扩展 我们将超越传统的三和弦与七和弦，深入探讨九和弦（Ninth Chords）、十一和弦（Eleventh Chords）以及挂留和弦（Suspended Chords）在现代爵士与流行乐中的应用。重点解析“和声替代”（Chord Substitution）技巧，教你如何在不破坏既有旋律情感的前提下，用更丰富的和声色彩来“升级”一段简单的四小节进行。例如，如何用属九和弦替换主三和弦，增加进行中的张力。 二、配器法：认识乐团的“声学地理” 本章提供了一套实用的管弦乐配器指南。我们不只是罗列乐器音域，而是从音色特性和功能作用出发进行分类：弦乐组的“基础织体”、木管组的“色彩点缀”、铜管组的“力量核心”以及打击乐组的“节奏驱动”。我们将分析交响配器大师是如何实现“音色混合”（Blending）与“音色分离”（Separation），例如，如何用大提琴和巴松管的低音区来创造一种温暖而厚重的织体，或如何用短笛的尖锐高音来穿透整个乐队的音响。 三、节奏的精细化处理：律动感与Groove的塑造 对于任何希望创作有“律动感”音乐的人来说，精确的节奏处理至关重要。本章探讨了推（Push）与拖（Drag）在不同音乐风格中的细微差别。我们将分析摇滚乐中鼓组（Drum Kit）的“咬合点”（Attack Point），以及放克音乐（Funk）中贝斯线与鼓组之间如何通过密集的切分音来建立起坚实的Groove。这涉及对节拍器使用的反思，即如何有意识地将演奏略微提前或推后，以获得更具生命力的听感。 --- 结语：构建属于你自己的音乐语言 本书的目的不是提供一套固定的“演奏说明书”，而是提供一把多功能的“钥匙”，让学习者能够解锁不同音乐时代的密码，并最终发展出属于自己的创作体系。无论你对哪个时期的音乐感兴趣，本书都致力于提供深入的技术分析与广阔的视野，激发你对声音和结构无尽的探索欲。

评分☆☆☆☆☆

我是一个琴龄快十年的业余钢琴爱好者，一直想涉猎一些更专业的乐理知识，特别是和声学这块，总觉得自己的即兴伴奏能力停留在非常基础的阶段。《和声学原理与实践精解》这本书，彻底颠覆了我对枯燥理论的刻板印象。作者的叙述方式非常具有逻辑性和画面感，他不是简单地罗列和弦连接规则，而是把每一个和弦的色彩变化和功能性讲得透彻。书中大量的实例分析，直接引用了巴赫、莫扎特以及肖邦的作品片段，将理论与真实的音乐作品紧密结合起来。最让我受益的是关于“转调”那一章，它用非常直观的方式解释了如何选择合适的连接和弦来平滑地过渡到新的调性，这对于我以往生硬的转调体验来说，简直是醍醐灌顶。而且，这本书的排版设计极其精良，五线谱的清晰度和字体大小都非常适合长时间阅读和练习，纸张的质感也很好，写笔记不会洇墨。如果你希望从一个“会弹琴的人”蜕变为一个“理解音乐的人”，这本书绝对是必备的理论基石。

评分☆☆☆☆☆

我退休后开始学习小提琴，主要是想找点乐子，对演奏技巧的要求不高，更偏爱能演奏一些优美旋律的曲集。《小提琴初学者精选名曲集（附伴奏谱）》的选曲品味实在太棒了！很多市面上常见的初级曲集，曲子都比较“幼稚”或过于技术导向，听起来乏味。但这本曲集精选的都是一些耳熟能详但又适合初学者技巧范围内的改编曲目，从简单的巴洛克小品到一些耳熟能详的民谣都有。最让我赞赏的是，所有的曲目都配有非常专业的钢琴伴奏谱，而且伴奏的编排完全没有敷衍了事，听起来非常饱满和悦耳。我太太非常喜欢听我拉奏这些曲子，因为伴奏听起来就像是真正的音乐会现场。练习的时候，我只需要跟着伴奏碟（或CD）拉，感觉自己像是在和一位优秀的钢琴家合奏，极大地增强了我的练习积极性。这套书让我觉得，即使是初学者，也能拉出“像模像样”的、能感动人的音乐。

评分☆☆☆☆☆

作为一名音乐教育专业的学生，我对市面上形形色色的教材都有所涉猎，但真正能称得上“经典”的并不多。《西方音乐史纲（从文艺复兴到浪漫主义）》这本书的宏大视野和严谨考据令人印象深刻。它最大的优点在于，没有将音乐史写成一连串作曲家和作品的简单堆砌，而是将音乐发展与当时的社会思潮、哲学流派、乃至政治环境紧密地联系在一起。例如，作者在论述古典主义时，如何将启蒙运动对“理性”与“平衡”的追求，映射到海顿和莫扎特音乐结构的清晰和匀称上，分析得丝丝入扣。书中对特定历史时期音乐风格的标志性特征的提炼也非常到位，让我能够快速锁定不同时期作品的“身份”。此外，书中附带的二维码扫描链接到在线资源库，里面有大量可供试听的、与文本内容高度匹配的范例录音，这对于我们学习辨识不同风格的音乐语言，简直是如虎添翼。这本书的深度和广度，足以支撑我完成毕业论文的理论框架构建。

评分☆☆☆☆☆

这本《声乐艺术的奥秘》真是让我这个半路出家的歌唱爱好者找到了宝藏！我之前跟着网上零散的视频摸索，总是抓不住要领，高音上不去，气息总是不稳。这本书从最基础的发声原理讲起，深入浅出地剖析了歌唱中的共鸣腔体的运用，图文并茂地展示了正确的口型和舌位。尤其让我惊喜的是，它没有陷入那种晦涩难懂的理论泥潭，而是大量穿插了名家的示范和具体的练习曲目。比如，它对“腹式呼吸”的讲解，不是简单地让你“用肚子呼吸”，而是通过一系列递进的、富有情景感的练习（比如想象自己拿着一个沉重的气球向上推），让我瞬间理解了气息支撑的感觉。配套的光盘里，大师们的示范音准极其稳定，每一个练习步骤都清晰可辨，我跟着模仿，进步速度肉眼可见。这本书不仅是教科书，更像是一位循循善诱的私人声乐教练，它教会我的不只是“怎么唱”，更是“为什么这样唱”。对于想要系统提升自己演唱技巧，尤其是对古典美声有初步向往的初学者来说，这本书的价值无可估量。

评分☆☆☆☆☆

我是一个对打击乐特别是架子鼓充满好奇的年轻人，但苦于找不到系统讲解节奏理论的书籍。《现代鼓点解析与即兴创作指南》这本书完全是为我们这类“想玩酷但先得懂规矩”的学员准备的。它从最基本的四分音符、八分音符开始，逐步深入到复杂的切分节奏、复节奏（Polyrhythm）的视觉化表示。这本书的创新之处在于，它大量使用了图形和色彩编码来解释复杂的节奏型，而不是仅仅依赖传统的五线谱，这对于我们习惯了视觉化学习的现代人来说，理解速度快了很多。书中关于Groove（律动）的分析尤其精彩，它拆解了放克（Funk）、拉丁（Latin）和摇滚（Rock）中那些看似随性却极度精确的“感觉点”，告诉我鼓手在什么时间点上击打军鼓和底鼓才能产生特定的律动张力。更重要的是，它提供了大量“空白模板”和创作练习，鼓励读者将所学知识立即应用到自己的即兴创作中，而不是停留在模仿阶段。这本书真正让我明白，鼓手是乐队的“节奏建筑师”。