正版 潮炫流行钢琴曲集1 畅销书籍 音乐教材 长江文艺出版社 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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编者王敬赞 编

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出版社： 长江文艺出版社

ISBN：9787535489548

商品编码：28069263687

丛书名： 潮炫流行钢琴曲集(1)

开本：16开

出版时间：2016-11-01

基本信息
书名:潮炫流行钢琴曲集1
作者:王敬赞
出版社：长江文艺出版社
出版日期：2016年10月
ISBN：9787535489548
字数：
页码：
版次：1
装帧：平装
开本：16开

内容提要

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暂无

目录

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暂无

作者介绍

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王敬赞
吉林通化市人，常年从事流行钢琴的演奏和教学工作，擅长现场伴奏和乐曲编配，现就职于通化某学院，任钢琴教师。

《经典名曲赏析与演奏指南》 内容简介 本书旨在为广大钢琴爱好者、音乐学子及专业演奏者提供一份详尽而深入的经典钢琴曲目赏析与演奏实践指南。我们聚焦于那些跨越时代、影响深远的西方古典音乐作品，从巴洛克时期宏伟的复调艺术，到浪漫主义时期细腻入微的情感表达，再到印象主义色彩斑斓的和声探索，力求构建一座连接历史、理论与演奏实践的坚实桥梁。 本书结构严谨，内容涵盖了从基础的乐理知识回顾到复杂曲目的深度剖析，旨在提升读者的音乐素养和演奏技巧。我们不仅关注“如何弹奏”，更深挖“为何如此弹奏”，引导读者理解作曲家的时代背景、创作意图以及作品在音乐史上的地位。 第一部分：巴洛克时期的辉煌与逻辑 本部分主要围绕巴洛克音乐的核心特征展开，特别是对赋格（Fugue）结构的深入解析。 1. 约翰·塞巴斯蒂安·巴赫：逻辑与灵性的交汇 《平均律钢琴曲集》（The Well-Tempered Clavier）的结构与演奏： 详细分析平均律对键盘乐器演奏的革命性意义。着重解析C大调前奏曲与赋格（BWV 846）的线性流动性、声部独立性及其在触键、力度控制上的要求。对于赋格，我们将剖析呈示部、展开部和再现部的结构布局，并提供清晰的声部标记练习方法，确保每一条旋律线都能清晰独立地“歌唱”。 英国组曲与法国组曲的风格差异： 对比分析巴赫在不同组曲中对传统舞曲（如前奏曲、阿列曼德、萨拉班德、吉格）的处理。重点阐述英国组曲的简洁明快与法国组曲的精致装饰之间的区别。探讨巴洛克装饰音（如颤音、回音）的准确演奏规范，强调其节奏性和功能性，而非单纯的炫技。 《哥德堡变奏曲》（Goldberg Variations, BWV 988）： 这部作品被视为键盘音乐的百科全书。本书将从变奏曲式的角度，解构其内在的对称性与数学美感。深入分析每一对变奏之间的技术挑战和情感基调，特别是对卡农变奏中严格对位法的处理，以及对古钢琴与现代钢琴音色差异的适应性探讨。 2. 其他重要巴洛克作曲家作品概述： 简要介绍亨德尔的大协奏曲（Grosso Concerto）中键盘声部的角色，以及多梅尼科·斯卡拉蒂（Domenico Scarlatti）的五百余首单乐章奏鸣曲的鲜明风格。斯卡拉蒂奏鸣曲中对西班牙民间音乐节奏的运用，以及其对音域跨越和快速跑动的要求，提供了极佳的手指独立性训练。 第二部分：古典主义的平衡与清晰 古典主义时期强调清晰的结构、工整的乐句划分和明确的主题发展。本部分以奏鸣曲（Sonata Form）为核心进行讲解。 1. 海顿：幽默与形式的大师 奏鸣曲的结构解构： 以海顿的C大调奏鸣曲（Hob. XVI:50）为例，详细讲解呈示部、发展部和再现部的功能，以及如何通过不同的力度和速度处理来突出主题的对比。 触键与音色控制： 海顿的作品对触键的精确性要求极高，需要清晰、颗粒感强的音色。我们提供针对性练习，以培养手指的快速反应能力和清晰的断奏（Staccato）。 2. 莫扎特：歌唱性旋律与精致的对位 钢琴协奏曲中的对话艺术： 选取几首著名的钢琴协奏曲（如K. 466, K. 503），分析独奏乐器与管弦乐队之间微妙的对话关系。探讨如何在不压制乐队的前提下，保持钢琴旋律的歌唱性和情感深度。 奏鸣曲的咏叹调特质： 莫扎特的作品充满了歌剧元素。本书强调在演奏其慢板乐章时，必须模仿美声唱法（Bel Canto），注重旋律线的连贯性和气息的流动感，避免机械重复。 3. 贝多芬：结构的力量与情感的爆发 早期、中期与晚期奏鸣曲的风格演变： 通过对比“悲怆”（Pathétique）、“热情”（Appassionata）和“槌子键琴”（Hammerklavier）奏鸣曲，展示贝多芬如何不断拓宽钢琴的表现力。 “结构即情感”的实践： 对于《降E大调第四号钢琴协奏曲》（Op. 73）的宏大结构，重点指导如何保持乐章间的逻辑一致性。在处理晚期奏鸣曲中出现的复杂变奏和自由结构时，如何运用力度对比（如ff与pp的突然转换）来表达内心的挣扎与超脱。 第三部分：浪漫主义的激情与个性 浪漫主义音乐是对古典主义规范的一种解放，强调个体情感、幻想和对自然的崇拜。 1. 肖邦：诗意的键盘独白 夜曲（Nocturne）的氛围营造： 深入探讨肖邦夜曲中对“鲁巴托”（Rubato，即速度的灵活处理）的运用。鲁巴托不应是随意的，而是要服务于旋律线的呼吸感和情感的起伏。提供具体的节奏细分练习，以确保双手在自由速度下的协调。 练习曲的演奏与技术提升： 以《革命练习曲》（Op. 10, No. 12）和“黑键练习曲”（Op. 10, No. 5）为例，分析其背后的技术原理。这不是单纯的速度练习，而是对特定技术难点（如快速琶音、高难度和弦转换）的艺术化呈现。 叙事曲（Ballade）的情感张力： 叙事曲要求演奏者具备强大的叙事能力。我们将分析如何通过对主题的变奏和发展，引导听众进入作曲家构建的文学或历史场景中。 2. 舒曼与李斯特的幻想与技巧高峰 舒曼的“诗性语言”： 分析《童年情景》（Kinderszenen）中的细腻笔触，特别是《梦幻曲》（Träumerei）中对模糊音色和柔和踏板的精妙控制。强调舒曼作品中内在的文学典故和隐喻。 李斯特的炫技美学： 探讨李斯特如何将钢琴技巧推向极致，但同时又不失音乐性。以《钟》（La Campanella）为例，讲解如何将极端的跨度、快速的八度与清晰的音头处理相结合，使炫技成为美学表达的一部分。 第四部分：印象主义与二十世纪的色彩探索 本部分面向进阶学习者，引导他们探索德彪西和拉威尔作品中对传统和声的颠覆。 1. 德彪西：音色的绘画 模糊与暗示： 德彪西的作品放弃了明确的调性中心，转而追求“音色印象”。本书详细指导如何使用延音踏板（Pedal）来混合和模糊和声，创造出水波、光影等听觉效果。 节奏的自由化： 探讨对节拍清晰度的处理，如何通过自由的节奏处理来模仿自然界的流动性，而非机械地遵循五线谱上的节拍线。 2. 拉威尔：精准与新古典主义 技巧的精确控制： 与德彪西的松散感不同，拉威尔的作品，如《镜子》（Miroirs）系列，要求极高的技巧精度和清晰度。特别是对复调织体中快速的分解和弦和极广的音域要求。 结语：演奏的超越 本书最后强调，技术是表达音乐的工具，而非目的本身。通过对这些经典作品的系统学习和深入理解，演奏者能够培养出独特的音乐观点，真正实现“再创造”，使每一次演奏都成为与作曲家跨越时空的深刻对话。本书不仅是技术手册，更是音乐审美与历史素养的综合培养教材。

评分☆☆☆☆☆

从出版质量的角度来看，这本书的纸张和印刷工艺也值得称赞。很多教材用着用着，翻页一多，书页就容易散或者磨损得很快，尤其是需要经常对折或平摊在琴盖上的书籍。但这本书的装订非常牢固，而且纸张的质感很好，光线反射适中，长时间阅读和练习下来，眼睛也不会感到特别疲劳。更细致的一点是，很多流行乐谱为了节省篇幅或者为了迎合某种特定的编排风格，会把一些关键的指法提示或者和弦标记做得非常小甚至模糊不清，但这本教材在这方面的处理非常清晰和规范。它保持了专业教材的严谨性，同时又融入了流行乐谱的直观性。这不仅仅是一本学习用的书，它本身更像是一件精美的出版品，体现了出版社对音乐教育市场的尊重和对读者的负责。这种对细节的关注，往往是区分一本“普通教材”和一本“优秀教材”的关键所在。

评分☆☆☆☆☆

我女儿是个典型的“数字原住民”，对传统的东西提不起兴趣，但她对音乐的感知力又很强。我一直在为找不到一本能让她主动拿起琴谱的书而苦恼。后来朋友推荐的这本，我抱着试试看的心态让她看了看。哇，她简直像发现了新大陆一样！首先，封面设计就非常抓人眼球，很有现代感，一看就不是那种“老学究”出版的。她一眼就挑出了几首她平时在手机里单曲循环的歌。最关键的是，这本书的难度分级处理得非常人性化。它不像有些教材，从第一页开始就要求你达到某种程度，而是循序渐进，让你在自己擅长的领域先建立自信，再慢慢挑战更难的部分。我发现她现在练习的热情空前高涨，不再是那种“为了应付家长”而弹琴的状态，而是真的沉浸在“自己能把这首歌弹出来”的成就感中。这套书成功地充当了连接孩子兴趣与专业学习之间的一座桥梁，对于我们这种希望孩子能在快乐中打下坚实音乐基础的家长来说，简直是救星一般的存在。

评分☆☆☆☆☆

天呐，最近终于下定决心要好好学点钢琴，结果被市面上五花八门的教材看得眼花缭乱。我之前断断续续学过一点，但总觉得那些教材要么太枯燥，要么就是曲目选得太老旧，完全提不起兴趣。后来朋友推荐了一本，说是现在特别流行、学起来很带感的那种。我本来半信半疑地买了回来，结果一上手就被惊艳到了！里面的曲子简直是我的心头好，好多都是最近抖音上或者热播剧里听到的那种旋律，简直是为我这种“流行乐至上”的初学者量身定制的。弹起来完全没有“在学教材”的感觉，更像是直接在演奏我喜欢的音乐。而且，这套书的排版设计也特别用心，看得出来出版社在细节上是下了大功夫的。不像有些教材，密密麻麻的五线谱看着就头疼，这本书的视觉引导做得很好，即便是刚接触钢琴不久的人，也能很快找到感觉。更重要的是，它不是那种把流行歌曲扒得支离破碎的简化版，而是真正地在保证音乐性的基础上，做到了对初学者友好，这一点太难得了。我甚至觉得，光是看着这些曲谱，都能激发出我每天都要摸琴的动力，这比任何口头上的督促都管用。这种学习体验，简直是太“值”了！

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我作为一个已经工作很多年，偶尔想拾起爱好的人来说，时间成本和学习效率是我最看重的两个因素。很多古典教材的曲目对我来说，可能需要花费大量时间去理解其时代背景和演奏风格，这对于业余学习者来说负担太重了。而这本教材的切入点非常“务实”。它聚焦于当前大众最容易接受和喜欢的音乐风格，这极大地缩短了学习与实际应用之间的距离。我不需要花一个星期去研究一个复杂的巴洛克对位，而是能在一个下午就掌握一首当下热门歌曲的精髓片段。这种即时反馈带来的满足感是巨大的，它让你感觉自己的投入是马上能看到回报的。而且，里面的选曲跨度也比较大，从轻快的节奏布鲁斯到略带伤感的抒情曲目都有涵盖，这让我的练习过程非常丰富，不会因为长时间重复同一种情绪或节奏而感到厌倦。如果你的目标是能很快上手弹唱，或者在朋友聚会时露一手，选这本绝对不会错，它把“学以致用”做到了极致。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我对音乐教材的挑剔程度可能有点“古板”，我总觉得，无论曲目多么新潮，如果基本功的讲解不到位，那都是白搭。我之前用过一些所谓的“速成”教材，学完后发现音阶跑调、和弦按得生硬，全是虚的。所以当我翻开这本教材时，我首先关注的是它对基础知识的梳理。让我意外的是，它并没有因为追求“流行”而丢掉严谨性。它用一种非常巧妙的方式，把那些枯燥的指法练习、节奏型变化，融入到那些大家耳熟能详的流行片段里。举个例子，比如练习跨度和弦转换时，它选的那个流行金曲的副歌部分，既需要技巧，又因为旋律熟悉，让人很有代入感。这让我想起我小时候学钢琴，老师总说“音乐是活的，技巧是为人服务的”，这本书完美地诠释了这一点。它没有用那种说教式的语言去解释理论，而是通过实际演奏的“成功体验”来教会你技巧，学起来自然事半功倍，而且感觉自己真的在“进步”，而不是在机械地重复。这种教学理念，非常符合当代人追求高效和乐趣的学习方式。