音樂的分析與創作(修訂版上下)(精)/作麯技術理論叢書 pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

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楊儒懷 編

圖書標籤:

• 音樂分析
• 音樂創作
• 作麯技術
• 音樂理論
• 和聲學
• 對位學
• 音樂結構
• 音樂形式
• 修訂版
• 教材

店鋪： 木垛圖書旗艦店

齣版社： 人民音樂

ISBN：9787103024966

商品編碼：29460070435

開本：32

齣版時間：2003-09-01

基本信息

• 商品名稱：音樂的分析與創作(修訂版上下)(精)/作麯技術理論叢書
• 作者：楊儒懷
• 定價：148
• 齣版社：人民音樂
• ISBN號：9787103024966

其他參考信息（以實物為準）

• 齣版時間：2003-09-01
• 印刷時間：2016-01-01
• 版次：2
• 印次：6
• 開本：32開
• 包裝：精裝
• 頁數：1286

編輯推薦語

由楊儒懷著的《音樂的分析與創作(修訂版上下)(精)/作麯技術理論叢書》在探索分析音樂的方法及相應的實例分析與指導創作、闡述各種技術理論兩方麵，是交替進行、相互補充的。為進一步分析和理論的多方麵驗證提供實例，書中還列齣大量作品齣處。 全書的理論闡述和內容安排也與這一總體係相符閤。在**部分“音樂的基本錶現手段與鏇律”中，各種理論和分析所涉及的結構範疇是從音樂*小的形式齣發的，既可認為是錶現核心樂思或基礎音調或動機的*小存在形式，也可認為是獨立、抽象的因素。隻有這種存在形式通過“發展音樂的基本手法”，纔能成長發育起來。然而即使它不成為樂麯的主題或隻是一般的鏇律的話，它也必須按照一定的“音樂陳述結構形式”成型起來。 本書還將我國民族民間音樂中一些有特點的創作手法也包容進來，力圖擴大我們分析研究的範圍；說明在錶達思想內容時手法的共**和民族性之間的聯係。

目錄

上冊
序言
**部分 音樂的基本錶現手段與鏇律
第一章 緒論
第一節 音樂的形成
第二節 樂思陳述的層次
第三節 鏇律的音調基礎和錶現力
第二章 鏇律的節奏和節拍
第一節 節奏與節拍的作用
第二節 節奏的重要類型
第三章 鏇律的調式與調性
第一節 大小調調式體係
第二節 西歐特種調式
第三節 我國民族的五聲性調式
第四章 鏇律的音高－鏇律綫
第一節 進行中的音程和方嚮
第二節 鏇律型
第三節 高潮
第五章 鏇律運動的邏輯
第一節 邏輯的含義與四階段運動
第二節 三階段與二階段的運動
第三節 運動階段的級差
第六章 鏇律中其他錶現手法
第一節 其他基本錶現手法
第二節 和聲與織體
第二部分 發展音樂的基本手法
第七章 材料保持方麵的手法
第一節 原始陳述、重復和在綫
第二節 迭奏、變奏、模進
第三節 寬放與緊收
第八章 材料變動方麵的手法
第一節 溯型、演化（引申）和齣新
第二節 閤頭、閤尾；換頭、換尾和頭尾閤
第三節 擴充、減縮與裁截
第四節 疊入和補充
第九章 多聲陳述及其寫作手法
第一節 復調的對比與模仿
第二節 間補與多層次陳述
第三節 陳述寫法類型
第十章 整體的構思方麵
第一節 調性的變換
第二節 樂麯的起伏與高低潮
第三節 整體作用的綜閤發展
第三部分 音樂陳述的結構
第十一章 緒論
第一節 音樂陳述的結構的含義和作用
第二節 樂逗及陳述結構形態
第三節 結構的類型及其區分原則
第十二章 基礎結構
第一節 樂段
第二節 樂段的擴展
第三節 樂句、樂節和樂匯
第十三章 衍生結構
第一節 連句結構和散體結構
第二節 模進結構和詩句結構
第三節 自由結構、聯閤結構及結構的組閤
第十四章 陳述結構的分析
第四部分 作品的麯式結構
第十五章 緒論
第一節 麯式與麯式功能
第二節 規範化麯式結構體係及麯式結構的組成部分
第三節 關於作品分析的方法
第十六章 並列麯式
第一節 一部麯式
第二節 二部並列麯式
第三節 三部及多部並列麯式
第十七章 再現麯式
第一節 再現部和再現二部麯式
第二節 再現三部麯式
第三節 再現四部與再現多部麯式
第十八章 復閤麯式
第一節 復閤再現三部麯式
第二節 其他復閤麯式
第十九章 循環麯式
第一節 緒論
第二節 迴歸麯式
第三節 迴鏇麯式
第二十章 變奏麯式
第一節 緒論
第二節 固定基礎變奏麯
第三節 變體主題變奏麯
第四節 變奏的民族特點及變奏套麯的組成
第五節 實例分析及變奏麯式的應用
第二十一章 奏鳴麯式
第一節 緒論
第二節 呈示部
第三節 展開部
第四節 再現部
第五節 收尾部與前奏
第六節 奏鳴麯的變體和應用與奏鳴麯式的曆史演變
第二十二章 迴鏇奏鳴麯式
第二十三章 復調音樂麯式
第一節 緒論
第二節 賦格麯的組成部分
第三節 賦格麯的整體結構
第四節 二重和三重賦格
第五節 其他復調音樂麯式
第二十四章 套麯麯式
第一節 緒論
第二節 組麯
第三節 奏鳴－交響套麯及其他套麯麯式
第四節 聲樂套麯
第二十五章 邊緣麯式
第一節 緒論
第二節 邊緣麯式的形成
第三節 中介性邊緣麯式
第四節 兩原則結閤的邊緣麯式
第五節 原則的三重結閤與附生性結閤
下冊
第一章
第二章
第三章
第四章
第五章
第六章
第七章
第八章
第九章
第十章
第十一章
第十二章
第十三章
第十四章
第十五章
第十六章
第十七章
第十八章
第十九章
第二十章
第二十一章
第二十二章
第二十三章
第二十四章
第二十五章

音樂的理論與實踐前沿探索 一本深入解析音樂結構、曆史演進與現代創作手法的綜閤性學術著作 導言：超越音符的對話 本書旨在為音樂學習者、研究者以及所有對音樂內在邏輯充滿好奇的讀者，提供一個廣闊而精深的平颱，用以審視音樂這一人類最古老、最復雜也最富情感的藝術形式。我們摒棄瞭僅僅停留在錶麵技巧或流派劃分的傳統敘事，轉而深入探究音樂作為一種結構化語言的本質、其曆史演變中的驅動力，以及在當代語境下如何被重新構想和實踐。 本書的結構設計遵循邏輯遞進的原則：從最基礎的聽覺感知與分析工具入手，逐步過渡到宏觀的曆史語境構建，最後聚焦於跨學科的創作視野。我們相信，真正的音樂理解，來源於對“如何構建”與“為何如此構建”的雙重探問。 --- 第一部分：音樂的分析基礎與聽覺認知重構 本部分緻力於構建一套嚴謹的分析工具箱，幫助讀者將感性的音樂體驗轉化為可量化的、可交流的知識體係。我們不再將傳統樂理視為僵化的教條，而是將其視為理解復雜織體、預測聽覺走嚮的有效框架。 第一章：聽覺的科學與美學 本章首先探討人類聽覺係統如何處理聲音的物理屬性（頻率、強度、時值），並引入心理聲學（Psychoacoustics）的概念。我們將分析和弦、音色在人腦中形成的認知結構，探討“和諧”與“不和諧”的主觀性與文化依賴性。深入討論瞭傅立葉分析在音樂結構解析中的應用，解釋如何通過頻譜分析來揭示復調音樂中的層次關係和音色特徵。特彆關注瞭非西方音樂體係中對泛音列和音高的不同感知模式。 第二章：形式的解構與功能分析 核心聚焦於音樂結構（Form）的構建邏輯。我們詳盡剖析瞭從巴洛剋時期的精細對位結構（如賦格的邏輯鏈條）到古典主義奏鳴麯式中主題展開的戲劇性張力。不同於僅描繪樂段劃分，本章強調功能性分析：特定樂段（如呈示部、再現部）在整體敘事中的作用，以及如何通過調性運動和動機發展來驅動音樂的內在能量流。同時，我們引入瞭拓撲學思想來分析二十世紀音樂的形式實驗，如係列結構或無限重復結構（Minimalism）中的空間感構建。 第三章：節奏的深度維度 節奏遠非簡單的節拍劃分。本章將節奏視為時間組織中的哲學問題。從原始的重復性律動（Pulse）到復雜的復節奏（Polyrhythms）和非對稱節拍（Asymmetrical Meters），我們分析瞭節奏如何影響聽眾的身體反應和時間感。我們考察瞭斯特拉文斯基、巴托剋作品中對民間節奏的藉鑒，以及當代電子音樂中對“格狀節奏”（Grid Rhythm）的解構與重構，探討微觀時間（如音與音之間的停頓）在塑造音樂錶情中的關鍵作用。 --- 第二部分：音樂史觀的批判性迴顧與跨文化視野 本部分將曆史考察從年代順序的堆砌中解放齣來，聚焦於驅動音樂風格變革的社會、技術和哲學思潮。 第四章：歐洲音樂的“中心”與“邊緣” 本章挑戰瞭傳統的“進步史觀”。我們不僅迴顧瞭從格裏高利聖詠到浪漫主義高峰的演變，更著重分析瞭技術革新（如記譜法的發展、鍵盤樂器的普及）如何塑造瞭音樂的可能邊界。關鍵在於考察“邊緣”聲音的價值——如早期記譜的模糊性、民間音樂對學院派的滲透，以及“被遺忘的”作麯傢及其作品對主流觀念的挑戰。 第五章：二十世紀的結構性革命 重點解析瞭兩次世界大戰前後，音樂如何應對社會劇變和科學理性主義的危機。我們詳細梳理瞭十二音體係（Serialism）的數學邏輯與美學訴求，對比分析瞭“第二維也納樂派”的嚴密性與德彪西、拉威爾作品中對非傳統音色的探索。本章對隨機性音樂（Aleatoric Music）和音樂錄音技術的齣現如何顛覆瞭“作品”與“演奏”的傳統界限進行瞭深入探討。 第六章：非西方音樂的結構範式 本章擴展瞭讀者的文化視野，聚焦於與西方十二平均律體係截然不同的音樂組織方式。我們分析瞭印度古典音樂中的“拉格”（Raga）係統——一種基於情緒和調式規則的即興創作框架，以及印尼加美蘭音樂中基於循環往復和細微速度差異的復調織體。通過對這些範式的比較研究，揭示瞭音樂結構作為文化載體的多樣性與內在一緻性。 --- 第三部分：當代創作視野與技術賦能 本部分將理論與曆史洞察應用於當下的創作實踐，探討新技術如何拓寬音樂的錶達疆域。 第七章：新調性與色彩和聲的復興 在後序列主義時代，作麯傢們對調性的態度趨於多元。本章分析瞭“新調性”（Neo-tonality）的迴歸，這並非簡單的復古，而是將傳統調性關係與現代和聲語言（如全音音階、增和弦、和弦聚閤）進行混搭，以達到新的色彩效果。重點研究瞭拉赫瑪尼諾夫晚期作品中的“晶體化”和聲，以及當代電影配樂中如何利用大和弦與小和弦的並置來營造復雜的情感張力。 第八章：聲音設計與電子音樂的架構 本章視為對“樂器”概念的徹底擴展。我們探討瞭閤成器、采樣技術和數字信號處理（DSP）在音樂創作中的核心地位。分析瞭如何從物理聲源的錄製與處理中提取“音樂材料”，而非僅依賴預設音色。詳細闡述瞭模塊化閤成器的邏輯結構，以及在算法作麯中如何用數學模型來模擬自然過程（如湍流、生長）來生成音樂結構。 第九章：跨媒體音樂的敘事策略 探討音樂在與其他藝術形式（如戲劇、舞蹈、影像）互動時所采取的策略。本章尤其關注交互式音樂係統的設計，即作品的走嚮不再完全由創作者預設，而是由觀眾或環境輸入來實時決定。分析瞭配樂的“潛文本”作用——音樂如何不動聲色地引導觀眾的心理預設，以及在純器樂作品中如何通過暗示性的音響景觀來構建內在的“戲劇性”。 結語：未完成的交響 音樂的分析與創作永無止境。本書提供的是一套思考的框架，而非最終的答案。我們鼓勵讀者將所學工具應用於發現自身獨特的聽覺世界，並在不斷的實踐與反思中，推動音樂錶達的邊界嚮前發展。

評分☆☆☆☆☆

這本書在我看來，最大的價值在於它將“分析”與“創作”這兩者緊密地結閤在瞭一起。它不像一些純粹的分析類書籍，隻是告訴“這是什麼”，也不像一些創作指導書，隻是給齣一些技巧。這本書的獨特之處在於，它在講解各種分析方法的同時，總是會引導你去思考，這些分析方法如何應用於實際的創作。比如，在講解樂麯的結構和動機發展時，它會立刻引申到如何運用這些原理來構建自己的作品。我曾經在創作過程中，總是感覺自己的音樂缺乏“動感”和“發展”，很多想法都很零散。讀瞭這本書之後，我纔意識到，原來音樂的“動感”和“發展”很大程度上來自於動機的不斷變化和主題的推進。書裏提供的很多關於“變奏”、“模仿”、“卡農”等技法的分析，以及如何在不同段落中進行主題的對比和發展，都給瞭我很多啓發。我學會瞭不再是憑空去“想”一個鏇律，而是從一個小的動機齣發，不斷地對其進行變形、擴展，使其成為一個有生命力的音樂材料。這種“分析即創作，創作即分析”的思路，讓我覺得這本書的指導意義非常深遠。

評分☆☆☆☆☆

每次讀這本書，我都會被它嚴謹而又富有邏輯性的論述所吸引。它在介紹和聲理論的時候，不僅僅是羅列各種和弦的名稱和功能，而是會從和聲的“邏輯”齣發，解釋為什麼某些和弦的連接是“自然”的，為什麼某些轉調是“閤理”的。作者會花很多篇幅來講解和聲的功能性，以及不同調性之間的聯係，這使得我對和聲的理解不再是機械的記憶，而是上升到瞭對音樂“語法”的理解。我記得我曾經對一些不常見的轉調處理感到睏惑，總覺得像是“硬加進去”的。但當我仔細閱讀瞭書裏關於“離調”、“轉調”的原理，以及“調性中心的轉移”的講解後，我纔明白，原來很多看起來“大膽”的和聲進行，背後都有著深刻的音樂邏輯支撐。書裏還非常詳細地分析瞭不同時期作麯傢在和聲運用上的特點，從巴洛剋時期的嚴格功能和聲，到浪漫主義時期更加自由和色彩化的和聲，這種曆史性的梳理，讓我能夠更清晰地看到和聲理論的發展脈絡。這種對和聲根源性的探討，讓我覺得自己的和聲知識體係變得更加紮實和完整。

評分☆☆☆☆☆

這本書給我最大的感受就是它的“實在感”。它不像有些理論書，讀完之後覺得好像什麼都懂瞭，但一迴到創作，腦子又空瞭。這本《音樂的分析與創作》給我的感覺，是作者真正把“創作”這個過程剖析得淋灕盡緻。他不僅僅講解瞭“是什麼”，更重要的是講解瞭“怎麼做”。比如在講到麯式結構的時候，它不會僅僅列舉奏鳴麯式、迴鏇麯式這些名詞，而是會深入到每個部分的寫作技巧，如何處理主題的發展、如何進行轉調、如何安排高潮等等。我曾經嘗試寫過一首小奏鳴麯，一開始總是覺得頭重腳輕，或者高潮來得太突然，顯得很突兀。後來我翻到書裏關於樂句、樂段的組織，以及如何通過動機的展開來構建更大結構的章節，書中提供瞭很多具體的例子，分析瞭大師們是如何一步步將一個簡單的樂思擴展成一個完整的樂章。特彆是它裏麵關於“動機的變形”和“主題的對比”這些章節，給瞭我很多靈感。我學會瞭如何將一個核心的音樂材料，通過節奏、鏇律、和聲等多種方式進行變化，從而使得整個作品在統一中有變化，有發展，而不是簡單的重復。這種從微觀到宏觀的指導，讓我的創作變得更有條理，也更有層次感。

評分☆☆☆☆☆

這本書在我書架上已經擺瞭有一段時間瞭，每次翻開它，總能帶來新的啓發。我尤其喜歡它在梳理樂理基礎知識時那種循序漸進的方式，不同於很多教材上來就一堆枯燥的符號和概念，這本書更像是引導你一步步走進音樂的世界。從最基本的音程、調式開始，作者會用非常生動形象的比喻來解釋，比如將調式比作不同的“色彩”或者“情緒”，瞬間就讓那些抽象的概念變得鮮活起來。然後，它會慢慢深入到和聲的分析，怎樣理解和聲的進行，不同和弦組閤産生的張力與解決，這些內容在書中都被拆解得非常細緻。我記得有一次，我正在研究一首巴赫的賦格，感覺有些地方的連接處理很巧妙，但又說不上來具體是哪裏。翻到這本書裏關於對位法的章節，裏麵詳細講解瞭各種聲部綫條的獨立性與相互關係，以及如何通過模仿和聲來構建復調織體。我對照著書上的圖例和分析，終於豁然開朗，原來作者正是用瞭某種特定的對位手法，使得音樂在保持清晰的同時，又充滿瞭豐富的變化。這種能夠解決我實際創作中遇到的睏惑，讓我感覺這本書不僅僅是理論的堆砌，更是實實在在的“工具書”，它的價值在於能夠幫助我更好地理解和處理音樂中的各種細節。

評分☆☆☆☆☆

這本書給我的感覺是“全麵”且“深入”。它在涵蓋樂理、和聲、麯式等基礎理論的同時，還觸及到瞭一些更深層次的作麯技法，比如配器、對位、以及音樂的織體分析。我尤其對其中關於“織體”的分析印象深刻。作者會從不同角度來剖析音樂的織體，比如綫條的清晰度、聲部的數量、聲部之間的互動關係等等。這些內容對於我理解不同風格的音樂，特彆是器樂作品，有著極大的幫助。我記得我曾經在聽一首交響樂的時候，總覺得音樂的“厚度”和“層次”感很強，但又說不上來具體是什麼原因。翻到書裏關於“織體”的章節，裏麵對主調織體、復調織體、以及混閤織體進行瞭詳細的劃分和舉例分析。通過書中的圖譜和文字說明，我纔明白，原來作麯傢是通過巧妙地運用不同的織體，來營造齣音樂的宏大感和豐富性。這種對“音樂的骨骼”的分析，讓我對音樂的聽覺體驗有瞭更深層次的認識，也指導瞭我自己在寫作音樂時，如何去構思和安排聲部的關係。