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喻旭初 编

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出版社： 江苏古籍

ISBN：9787805198569

商品编码：29783163185

开本：48

出版时间：2013-03-01

基本信息

• 商品名称：文学常识精讲(增订本)
• 作者：编者:喻旭初
• 定价：10
• 出版社：江苏古籍
• ISBN号：9787805198569

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2013-03-01
• 印刷时间：2018-03-01
• 版次：5
• 印次：40
• 开本：48开
• 包装：平装
• 页数：125
• 字数：98千字

内容提要

喻旭初主编的《文学常识精讲(增订本)》是继《 古代名句选讲》和《古代文化知识精讲》之后献给广 大高中生的又一本文化普及读物。全书包括中国作家 作品、外国作家作品、主要的文学体裁、跟重要作家 作品相关的文学团体和流派等方面的知识。
    

目录

一、中国文学
（一）古代文学
1.作家
2.作品
3.流派与并称
（二）现代文学
1.作家
2.作品
3.流派与社团
（三）中国文学之*
1.诗歌
2.戏剧
3.小说
4.散文
二、外国文学
1.作家
2.作品
3.并称、特称
4.外国文学之*
三、文学体裁、创作方法及流派

史海拾遗：探寻古典艺术的无尽宝藏 一部旨在重塑读者对中国古代艺术，特别是文学、绘画、音乐、戏曲等领域核心认知与审美取向的深度导读。 本书并非对现有知识点的简单罗列或修补，而是一次大胆的、跨学科的知识重构之旅。我们聚焦于那些在历史长河中被淹没、被误读，或是因信息碎片化而未能形成系统认知的关键节点，旨在为当代读者提供一套既坚实又富有生命力的古典艺术鉴赏框架。 第一部分：声韵流转中的诗性本体——超越文本的听觉记忆 本部分深入探讨中国古典诗歌的“音乐性”与“表演性”，这是传统文论中常被忽略的维度。我们不满足于对格律的机械分析，而是追溯声律形成的历史环境——从先秦雅乐的形制对《诗经》章法的制约，到汉魏乐府的口头传唱传统，直至唐宋词的燕乐配器实践。 重点解析： “吟诵”的复原与现代阐释： 传统文人如何通过特定的吟诵方式（如苏轼所言的“如人行高山大川”）来激活文本的潜能。我们考察了敦煌变文中的“曲子名”与“唱叹词”，力图还原中古汉语的实际发音特点如何塑造了诗歌的韵味，而非仅仅停留在现代普通话的音节对应上。 词牌的“情绪地图”： 词牌并非抽象的格式，而是承载了特定情感结构与叙事节奏的“模板”。本书详细梳理了如《蝶恋花》《水调歌头》等核心词牌的滥觞、流变及其在不同词人笔下的张力变化，揭示了词体如何在遵循固定韵脚与句式的前提下，实现情感表达的无限延展。 乐府在民间的影响： 探讨民间歌谣、酒令、茶俗中的即兴诗歌如何反哺文人创作，形成一种自下而上的艺术滋养机制。我们选取了大量未入正史的民间唱本片段进行比对分析，展现艺术生命力的勃发并非只存在于庙堂之上。 第二部分：笔墨乾坤：绘画与书法的空间哲学 本卷致力于打破“文人画”的神秘光环，将其置于中国古代哲学与技术史的交汇点上进行考察。我们关注的不是名家名作的鉴赏，而是其背后所依赖的物质基础、心法口诀以及文化权力结构。 重点解析： “用笔”的物质基础： 深入剖析不同时代笔毫的材质（兔毫、羊毫、兼毫）对书写和绘画线条的物理影响，以及水墨调性的化学原理。讨论了“墨分五色”的实践操作性，而非仅仅是哲学寓言。 山水画中的“留白”： “留白”被视为中国画的标志，但本书更关注其功能性。它不仅是虚无，更是“气”的通道，是视线在有限空间内进行时间运动的预设路径。通过对宋元间论画稿的重新解读，论证留白如何平衡了“取景”与“造境”的矛盾。 卷轴的“时间性”： 论述手卷、立轴和册页三种装帧形制如何分别引导观者体验绘画作品的节奏。手卷的“徐徐展开”与立轴的“瞬间定格”形成了对时间感知的不同调控，这直接影响了对画作的理解深度。 第三部分：舞台之外的“人生如戏”——戏曲的结构与即兴的张力 我们跳脱出对传统戏曲剧目的简单介绍，转而聚焦于戏曲艺术的“表演生态学”。戏曲并非一成不变的文本，而是在特定空间内，演员、乐工、观众三者互动的动态发生场域。 重点解析： “科范”的身体语汇库： 探讨戏曲中的行当划分（生旦净丑）如何对应于生活中的人际关系图谱。重点分析“亮相”“起势”“走圆场”等程式化动作的起源，它们如何从古代的祭祀舞蹈、武术套路中汲取营养，最终凝练为高度提炼的舞台符号。 板式与情绪的耦合： 探讨板式变化（如二六板、快板、散板）在剧情张力上的作用，它不仅仅是配乐的节奏变化，更是角色心理状态的直观投射。研究昆曲中的“水磨腔”如何通过极度舒缓的节奏，营造出一种超越世俗的、近乎冥想的审美体验。 鼓板的“指挥艺术”： 鼓师在戏曲中扮演的角色远超伴奏者。他们是现场的即兴导演和气氛控制者。本书选取了晚清民国时期几位著名鼓师的佚闻片段，论证其如何在关键时刻通过鼓点变化，引导演员乃至观众进入特定的情感高潮。 第四部分：器物有灵：生活美学与技术理性 本部分将视野投向日常用品、建筑空间和技术发明，揭示这些“无名之作”如何承载了深厚的文化内涵，以及中国古代工匠精神中的理性与浪漫。 重点解析： 器皿的“尺度”哲学： 分析古代家具、瓷器和园林中的黄金分割与不对称美学。探讨古人如何通过特定的比例体系（如“子母口”“曲率”）来平衡实用性与视觉的和谐感，避免西方古典主义的僵硬化。 造园中的“移步换景”的物理原理： 园林设计中的“框景”和“借景”并非仅仅是景观的选取，而是对光学、透视学在自然环境中的灵活应用。剖析苏州园林中如何利用水面反射、曲径引导等手法，在有限空间内创造出无限的纵深感和变化性。 印刷术的“审美介入”： 考察活字印刷和雕版印刷在技术成熟后，如何反过来影响了文本的呈现方式。研究明清时期刻本的“朱黑套印”和版框设计，揭示印刷技术如何成为一种新的艺术媒介，服务于特定阅读群体的审美需求。 结语：激活失落的感知力 本书的终极目的，是帮助读者重建一种“全感官”的古典艺术感知能力。它要求读者不仅仅用眼睛看画，用耳朵听诗，更要用身体去感受线条的张力，用呼吸去体会空间的变化。这是一次对被简化和标签化的传统文化的深层回溯，旨在展示中国古典艺术在其鼎盛时期所拥有的复杂性、技术精湛度及其深不可测的精神维度。它提供的是一套方法论，而非一套标准答案，鼓励读者在每一次面对古典艺术作品时，都能启动自己的探索与对话。

评分☆☆☆☆☆

我必须强调，这本书的价值远超出了“常识”二字所能概括的范畴。它更像是一部关于文学批评史的精炼导论。作者在介绍各种文学理论时，从不偏袒任何一方，而是客观地展示了每一种理论的优势和局限性。这对我这种喜欢独立思考的人来说太重要了。我不再是被动接受既定观点，而是学会了用批判性的眼光去审视那些经典理论的合理性。读完之后，我不再害怕面对那些看起来高深莫测的文学评论文章，因为我已经具备了基本的“工具箱”去拆解和理解它们。这本书不仅提升了我的文学素养，更重要的是，它培养了我一种审美的能力和独立判断的勇气。

评分☆☆☆☆☆

对于一个非专业出身的文学爱好者来说，这本书简直就是一座知识的灯塔。我经常在阅读经典名著时感到力不从心，总觉得缺少一个宏观的框架来串联起那些零散的知识点。这本书恰好填补了这个空白。它系统地梳理了从古代到近现代文学发展的脉络，每一个重要转折点都阐述得逻辑清晰，条分缕析。我尤其欣赏作者在处理不同文化背景下的文学现象时所展现出的那种跨越国界的包容性和深刻理解。读完关于西方现代派文学的那几章后，我感觉自己的视野一下子开阔了许多，明白了为什么不同时代的作家会发出不同的时代之声。它不是简单地罗列知识，而是构建了一张密实的知识网络，让你知道每一个节点是如何相互连接、相互影响的。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我一开始对这类“常识”类的书籍抱有很大疑虑，总觉得会枯燥乏味，充斥着生硬的定义和日期。然而，这本书彻底颠覆了我的看法。它的行文风格极其活泼，充满了洞察力，读起来根本没有压力。作者仿佛一位耐心又风趣的长者，在你耳边娓娓道来那些深奥的文学理论。比如，他讲解“意识流”写作手法时，没有堆砌晦涩的术语，而是通过几个极富画面感的例子，让你瞬间捕捉到那种意识在脑海中跳跃的感觉。我甚至忍不住停下来，拿起手边的一本小说，尝试用书里教的方法去分析，效果立竿见影。这本书不仅是知识的传递，更是一种思维方式的启蒙，它教会了我如何更深层次地去欣赏和解读文学作品，而不仅仅是记住名字和年代。

评分☆☆☆☆☆

这部书简直是文学爱好者的福音，我花了整整一个下午才啃完第一部分，收获之大，让我都有点手足无措。作者的笔触细腻入微，对各种文学流派的阐释简直是庖丁解牛，清晰明了。比如，他讲到浪漫主义和现实主义的碰撞，那种深入骨髓的对比和分析，让我对两者的核心差异有了全新的认识。我之前总是模模糊糊地知道一些概念，但这本书像是提供了一把万能钥匙，一下子打开了尘封的知识库。更让我惊喜的是，书中还穿插了不少鲜为人知的文学轶事，那些作家们在创作背后的挣扎与灵感迸发，读起来比小说还精彩。感觉自己像是一个历史的见证者，亲眼目睹了那些伟大作品是如何诞生的。这种沉浸式的阅读体验，真的非常难得。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计和排版也值得一提，看得出出版方是下了功夫的。纸张的质感很好，长时间阅读也不会觉得眼睛疲劳。但更吸引我的是其内容的深度与广度达到了一个绝妙的平衡。它既有对基础概念的扎实讲解，确保了初学者能够顺利入门，同时又提供了足够多的进阶内容，让有一定基础的读者也能找到新的思考角度。举例来说，书中对某位“晦涩难懂”的诗人作品的解读，简直是拨云见日，那种深入文本肌理的分析，让我这个“老读者”都感到震惊。它不是在“教”你答案，而是在“引导”你如何去提问，如何去探索文本背后的深层含义。这种互动式的学习体验，是很多教材望尘莫及的。