幻影三六为弦乐四重奏与电子音乐而作陈强斌上海音乐学院出版社9787556601875 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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陈强斌 著

图书标签:

• 弦乐四重奏
• 电子音乐
• 当代音乐
• 作曲
• 陈强斌
• 上海音乐学院出版社
• 音乐作品
• 艺术
• 音乐理论
• 幻影三六

店铺： 佳期如梦图书专营店

出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787556601875

商品编码：29859851793

页数：20

图书基本信息
书名：	幻影三六：为弦乐四重奏与电子音乐而作
丛书名：
作者/主编：	陈强斌
出版社：	上海音乐学院出版社
ISBN号：	9787556601875
出版年份：	2017年5月

版次：	第 1版
总页数：	20页
开本：	16
图书定价：	15元
实际重量：	99.8g
新旧程度：	正版全新

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《幻影三六》由上海音乐学院出版社出版。

《幻影三六：为弦乐四重奏与电子音乐而作》作品构思来源于江南丝竹传统名曲《三六》，作者陈强斌借用该曲之曲体结构及音调轮廓，通过弦乐四重奏与电子音乐的多层次音色组合，以简约的音乐语言和音调空间的拓展手法，意图让声音在“空间”中幻象和折射出多维度的“幻影图画”。

弦音的交织与时代的脉搏：《幻影三六》之外的音乐世界 本书并非聚焦于陈强斌教授的《幻影三六——为弦乐四重奏与电子音乐而作》，而是将目光投向一个更为广阔的音乐领域，深入探讨在二十世纪中叶至当代，弦乐与电子媒介结合这一重要现象背后的美学思潮、技术革新以及文化语境。我们将探讨的，是那些在不同作曲家手中，以迥异面貌呈现出的、跨越传统与现代边界的声音图景。 第一部分：传统弦乐的现代转型——从德彪西到荀伯格的遗产 在电子音乐尚未大规模兴起之前，二十世纪初的作曲家们已在不遗余力地拓展弦乐四重奏的表现力边界。本部分将回顾德彪西、拉威尔等印象派大师如何通过音色、和声的微妙变化，使传统的四声部结构焕发出新的质感。特别是德彪西的弦乐四重奏，其对颤音、拨奏和泛音的处理，为后来的实验性写作奠定了基础。 随后，我们将分析第二维也纳乐派，尤其是阿诺德·勋伯格和阿尔班·贝尔格在弦乐写作上的革命性贡献。十二音体系不仅重塑了旋律和和声的逻辑，也对弦乐的演奏技术提出了前所未有的挑战，使得音响密度和张力达到了前所未有的高度。布里顿的弦乐四重奏则展现了英国作曲家如何在坚实的传统基础上，融入强烈的戏剧性和叙事性。这些对“纯粹”弦乐本体的挖掘，是理解后来电子乐介入的必要前提。 第二部分：电子音乐的兴起与声学空间的拓宽 电子音乐的出现，绝非偶然，而是科技进步与音乐家对“噪音”和“非传统音源”渴求的必然结果。本章将追溯早期磁带音乐和电子合成器技术的发展历程。 首先关注巴黎的具象音乐（Musique Concrète），皮埃尔·谢弗（Pierre Schaeffer）及其对录音技术的使用，如何将现实世界的声响——无论是机械的、自然的还是人声的——转化为具有结构性的音乐材料。这与传统记谱法的限制形成了鲜明对比，并直接启发了那些寻求将自然音响融入室内乐的作曲家。 接着，我们将深入探讨科隆的电子音乐工作室（WDR Studio für Elektronische Musik），卡尔海因茨·施托克豪森（Karlheinz Stockhausen）的工作。施托克豪森不仅是电子音乐的先驱，也是将序列主义思想扩展到音高、节奏、力度乃至音色的全序列主义的倡导者。他的《科隆电子音乐I》和后来的电子/原声融合作品，如《交响曲》中的部分篇章，展示了电子声场如何与现场演奏的实体乐器共存，并互相渗透。 第三部分：声场与实体的对话——电子乐与室内乐的早期融合尝试 当作曲家们开始将电子元素（预先制作的磁带声响或实时合成的信号）与传统的弦乐四重奏相结合时，一个核心的矛盾与机遇也随之诞生：如何调和电子音乐的无限可塑性与弦乐四重奏的物理局限性？ 本部分将分析一系列重要的早期融合作品。例如，探讨那些使用立体声或多声道环绕声的电子声轨，如何与四把小提琴、中提琴和大提琴的物理声场进行空间对话。这不仅仅是将背景音轨叠加到现场演奏之上，而是要求作曲家像设计一个微观声学建筑一样，精确计算不同声源在听者耳边的相对位置和时间差。 我们还会考察作曲家如何处理电子音色与弦乐音色的“类比性”。有些作曲家倾向于使用电子合成器模仿或增强弦乐的泛音结构（例如，通过滤波器对弓弦摩擦声进行处理），而另一些则完全利用电子乐的非自然音色来凸显现场乐器的有机质感，制造听觉上的“异化”效果。 第四部分：技术驱动的美学——数字时代与实时交互 随着数字技术和计算机性能的飞速发展，电子音乐与现场乐器的结合进入了新的阶段：实时交互。本章将侧重于1980年代以后，计算机算法、采样技术和MIDI协议如何改变了室内乐的实践。 实时处理技术允许现场演奏的乐器信号（如通过拾音器捕获的琴弦震动）立即被计算机接收、分析并施加效果（如延迟、失真、变调），再通过音箱返送回音乐厅。这使得乐手不仅是演奏者，也成了电子音响的“触发器”和“调制器”。探讨这一技术，需要理解其对演奏家即兴能力和对乐器物理特性的掌握提出了更高的要求。 此外，我们还将讨论软件定义乐器（Software Defined Instrument, SDI）在弦乐领域的影响。当电子部分不再是固定的磁带或预编程的序列，而是能够根据演奏者的细微力度变化做出动态响应时，作品的“开放性”和“不确定性”便大大增加，这与序列主义早期对精确控制的追求形成了有趣的张力。 第五部分：文化语境与未来展望 最后，我们将从更宏观的文化层面审视“弦乐与电子音乐结合”的意义。在后现代主义和全球化的背景下，这种结合是否是对传统欧洲室内乐传统的解构？它是否体现了对技术进步的肯定，还是对技术异化的隐晦批评？ 本部分将讨论不同文化背景下的作曲家如何处理这一议题，例如，东方作曲家如何将这些技术手段融入其自身的传统音乐元素中，而不是简单地模仿西方前卫音乐的模式。通过对不同地域、不同风格的作品的比较分析，我们可以勾勒出一条从20世纪初的实验性探索，到当代全球化音乐实践的演变轨迹。 本书旨在为读者提供一个坚实的知识框架，以便理解和欣赏那些在声音的物理边界上不断探索的作曲家的工作，即便《幻影三六》本身并不在讨论之列，其所处的广阔音乐生态和技术语境，正是我们深入探究的核心。

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阅读这份出版物的过程，更像是一场对听觉哲学的沉思之旅。我惊喜地发现，作品的结构并非线性叙事，而是更像一个不断自我折叠、自我否定的过程。弦乐四重奏在这里扮演了有机体的角色，它们的情感流动、呼吸起伏，被电子音景所打断、拉伸、甚至扭曲。这种处理方式体现了一种对“真实”声音的解构，仿佛作曲家在质疑我们对传统音乐语言的固有认知。它不迎合大众的聆听习惯，而是要求听者投入全部的注意力去捕捉那些瞬间闪现的微小变化——也许是泛音的诡异共振，也许是某个和弦在电子处理下产生的非人化音色。这种挑战性正是其魅力所在，它将听众带入一个需要主动参与建构意义的声场。这本书的出版，本身就是对这种高难度、高概念音乐实践的一种重要文献备份，对于研究音乐本体论在数字时代的走向，具有不可替代的参考价值。

评分☆☆☆☆☆

从出版角度来看，上海音乐学院出版社的这次发行，显示出对国内前沿创作的强力支持，这本身就值得赞许。拿到实体书时，那种厚重感和印刷的精致度，立刻传达出作品的重要性。我特别好奇，乐谱中是如何精确标注那些涉及电子处理的部分的？是采用统一的符号系统，还是融入了更具描述性的文字指导？这种对技法细节的呈现，直接决定了作品的“可操作性”。如果作曲家在电子声部的设计上融入了复杂的实时处理或特定的软件模块，那么乐谱就需要提供足够清晰的指引，以保证未来不同乐团在不同技术条件下，仍能最大程度还原创作者的初衷。这不仅是音乐的记录，更是一份关于声场构建和时间控制的“工程蓝图”。这种对严谨性的追求，无疑将作品推向了学术研究的前沿地带。

评分☆☆☆☆☆

这部作品的标题中的“三六”，如果带有某种数字暗示，那么它很可能在时间结构或音高组织上采用了某种特定的数学模型，这对我来说具有极大的吸引力。当代作曲家越来越多地利用数列、几何结构或甚至分形理论来指导宏大结构的构建。我推测，在《幻影三六》中，这种数字的“骨架”或许被隐藏在看似流动、飘忽的音乐表象之下。弦乐的滑音、揉弦，与电子模块的频率调制（FM）或波表合成的精细控制，可能在某个不为人察觉的层面遵循着相同的内在律动。这本书的价值在于，它提供了一个“解密”的机会，让专业的音乐分析者能够剥离出那层缥缈的“幻影”，直抵其坚实的结构核心。它代表了对传统欧洲音乐框架的一种有力继承与颠覆，是一部值得反复研读的当代声响文本。

评分☆☆☆☆☆

这部作品的标题本身就带着一种引人遐想的神秘感，如同在探寻光影交织的边界。它似乎并不试图描绘一个具体的故事，而是更专注于营造一种氛围，一种介于现实与虚幻之间的听觉体验。我猜想，作曲家在构建这件作品时，必然花费了大量心力去思考“幻影”如何通过弦乐的细腻质感与电子音乐的无限可能进行对话。那种对声响的精雕细琢，或许能让听者仿佛置身于一个不断变化、难以捉摸的空间之中。音乐的织体必然是复杂而多层次的，弦乐组的呼吸与电子音色的冷峻或温暖交织，形成了一种张力。对于那些钟情于当代音乐，特别是注重跨媒介探索的听众来说，这本书所收录的乐谱，无疑提供了一个近距离观察这种前沿创作手法的绝佳窗口。它不只是记录了一部作品的诞生，更像是一份关于声音实验的宣言。我非常期待能从这份乐谱中解读出作曲家如何将抽象的概念转化为具体的音符，那种将传统乐器推向极限，并与电子技术完美融合的匠心独白。

评分☆☆☆☆☆

我一直对作曲家在处理“电子音乐”与“原声乐器”这种经典对立统一关系中的新颖见解抱有浓厚兴趣。在这部作品中，我预感到这并非简单的“背景音轨”与“主旋律”的配合，而是一种深度的共生关系。电子部分不应是烘托，而应是与提琴的弓弦、指板产生物理层面的呼应与对抗。想象一下，当Cello的低音在温暖的木质共鸣中缓缓展开时，一个尖锐、精确计算过的合成器脉冲恰到只有毫厘之差地插入，打破了平衡，却又在下一刻被新的和声重新包容——这种精妙的互动，是只有通过详尽的乐谱才能被精确还原和分析的。它要求演奏者不仅是技艺的执行者，更是声音的炼金术士，必须理解电子音效背后的数学逻辑和时间切片。这本书提供的详细标注，想必会成为年轻一代演奏家理解当代演奏语汇的宝贵钥匙。