流行节奏训练教程尤静波潘永峰李罡上海音乐出版社考研大专9787552310351 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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尤静波，潘永峰，李罡 著

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• 流行节奏
• 节奏训练
• 音乐教材
• 尤静波
• 潘永峰
• 李罡
• 上海音乐出版社
• 考研
• 大专
• 音乐教学

店铺： 佳期如梦图书专营店

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787552310351

商品编码：29859851836

页数：140

图书基本信息
书名：	流行节奏训练教程（附MP3光盘）
丛书名：
作者/主编：	尤静波，潘永峰，李罡
出版社：	上海音乐出版社
ISBN号：	9787552310351
出版年份：	2016年5月

版次：	第1版
总页数：	140页
开本：	16
图书定价：	38元
实际重量：	272g
新旧程度：	正版全新

《流行音乐教育系列丛书:流行节奏训练教程》编辑：节奏，是音乐的主要构成因素，流行音乐的节奏以丰富、多样而著称，我们暂且将其称为“流行节奏”。流行节奏作为流行音乐的重要语言，它决定着音乐的各种风格，爵士乐、摇滚乐、拉丁乐……各自拥有代表其音乐形象的节奏特征。从流行音乐的节奏规律来看，以平稳性节奏为基础，突出非平稳性是其非常重要的特点，由休止、切分和连音构成的节奏形态在流行音乐中广泛运用。

总序 

前言 
章拍与节奏的基本音值 
节拍、拍子、击拍 
第二节节奏的基本音值 
第二章二分基本节奏训练 
节基本节奏型组合练习 
第二节基本节奏型连音组合练习 
第三节基本节奏曲例练习 
第三章四分基本节奏训练 
节基本节奏型组合练习 
第二节基本节奏型连音组合练习 
第三节基本节奏曲例练习 
第四章休止节奏训练 
节基本节奏型首位休止练习 
第二节休止节奏曲例练习 
第五章基本节奏型多次连音结合训练 
节二分基本节奏型二次连音结合练习 
第二节二分基本节奏型三次连音结合练习 
第三节四分基本节奏型二次连音结合练习 
第四节四分基本节奏型三次连音结合练习 
第五节基本节奏型多次连音结合曲例练习 
第六章三连音节奏训练 
节八分三连音节奏练习 
第二节四分三连音及二分三连音节奏练习 
第三节三连音节奏曲例练习 
第七章重音移位节奏训练 
节十六分节奏重音移位练习 
第二节三连音节奏重音移位练习 
第三节重音移位节奏曲例练习 
第八章其他较复杂节奏训练 
节三十二分节奏练习 
第二节六连音、十六分三连音节奏练习 
第三节其他较复杂节奏曲例练习 
第九章Shuffle节奏训练 
节shuffle节奏组合及连音组合练习 
第二节shuffle节奏曲例练习 
第十章以八分节奏为单位的（三分性）节奏训练 
节三分性基本节奏练习 
第二节三分性附点节奏练习 
第三节三分性切分节奏练习 
第四节三分性休止节奏练习 
第五节三分性连音节奏练习 
第六节三分性节奏曲例练习

节奏是音乐的主要构成因素，流行音乐的节奏以丰富多样而著称，我们暂且将其称为“流行节奏”

现代音乐理论与实践：从基础到高级的全面探索 作者团队： 音乐教育与研究领域资深专家，致力于推动前沿音乐理论在教学实践中的应用。 出版社： 权威音乐学术出版机构，以严谨的学术态度和高质量的装帧出版各类音乐专业书籍。 ISBN： 978-7-80583-9XXX-X（此为示例，与原书ISBN无关） 目标读者： 音乐学院本科生、研究生（含考研预备阶段学生）、音乐教师、专业演奏人员，以及对系统学习现代音乐理论有浓厚兴趣的自学者。 --- 内容概述：构建现代音乐思维的基石 本书旨在为学习者提供一套全面、系统且深入的现代音乐理论与实践教程。它超越了传统音乐教育中对单一风格或历史时期的侧重，而是将目光投向20世纪至今，音乐语言的演变、结构逻辑的重塑以及演奏技巧的革新。全书结构严谨，内容覆盖了从基础的音高组织到复杂的十二音体系、序列主义、机遇音乐等当代作曲技法，并辅以大量的分析实例与实践练习。 第一部分：二十世纪音乐语言的重构 本部分是理解现代音乐的钥匙，重点解析了调性瓦解后，音乐家们如何重新构建音高组织系统。 第一章：非功能性和声的探索 深入探讨了后浪漫主义时期和印象主义音乐中和声的色彩化倾向。分析了德彪西、拉威尔等作曲家如何运用全音阶、五声音阶以及非传统的和弦连接来拓宽和声的语汇。详细讲解了“和弦即色彩”的理念，并通过具体乐段分析，展示如何识别和运用这些新的和声元素。 第二章：无调性与十二音技法的诞生 这是现代音乐理论的核心章节。首先，追溯了勋伯格创作背景和动机，阐述了“无调性”的逻辑起点。随后，对十二音列技术（Dodecaphony）进行了详尽的解析，包括基本音列的构造（Prime, Inversion, Retrograde, Retrograde Inversion）、各种变换形式的运用规则，以及如何处理音列的结构组织（如使用音列组或交叉音列）。通过韦伯恩和贝尔格的作品实例，演示十二音技法在音乐结构构建中的严谨性与美学价值。 第三章：序列主义的深化与扩展 将学习者的视野从纯粹的音高序列扩展到更广阔的“序列化”概念。本章详细剖析了序列音乐（Serialism）如何将节奏、力度、音色乃至演奏法纳入序列控制。重点分析了早期布列尼斯的系统性序列手法，以及后来的“总体序列主义”在结构上的复杂性与实现方式。本章配有大量的图表和计算示例，帮助读者掌握序列参数的精确设定。 第二部分：节奏、节拍与时值的新维度 本部分聚焦于音乐时间的处理，这是区分现代音乐与传统音乐的关键领域之一。 第四章：复杂节拍与复合节拍的分析 系统梳理了20世纪以来，作曲家如何运用交替重音、非常规的小节划分（如5/8, 7/8等）来打破传统对称节拍的束缚。讲解了复合节拍（Compound Meter）的内部结构分析，并探讨了如何通过节奏的“错位”产生张力。本章提供大量练习，要求学习者不仅要“识别”这些节拍，更要能准确地“演奏”和“书写”它们。 第五章：自由节奏与节奏织体 探讨了打破固定节拍框架的实践，包括无明确节拍记号的记谱法、自由速度的指示（如自由流动地、时间单位标记）。深入分析了复节奏（Polyrhythm）和均分节奏（Isorhythm）在现代作品中的运用，以及这些技术如何营造出一种“动态平衡”的节奏织体。 第三部分：前卫思潮与跨界实践 本部分引领学习者进入更具探索性和实验性的音乐领域，了解当代音乐创作的边界拓展。 第六章：偶然音乐与开放性作品 系统介绍约翰·凯奇的哲学思想及其对音乐创作的颠覆性影响。详细解析机遇音乐（Aleatoric Music）的记谱方式（如图形谱、文字指示谱）及其演奏弹性。讨论了“开放性作品”（Open Form）的概念，即作品结构在每次演奏中都可能有所不同，以及这对演奏者和听众体验的意义。本章强调理解其背后的哲学意图远比掌握单一技巧重要。 第七章：电子音乐与音色合成基础 虽然本书主要侧重于声学音乐理论，但本章提供了现代音乐中电子音色和声音处理的基本概念。涵盖了磁带音乐的早期技术、声音的频谱分析基础，以及合成器（如振荡器、滤波器、包络）的基本原理。旨在帮助非电子专业学生理解声音材料的“构成性”思维。 第八章：当代演奏技法与扩展技巧（Extended Techniques） 这是实践性极强的一章。针对管乐、弦乐、键盘乐器，系统整理了20世纪至今发展出的各种扩展演奏技巧，例如： 弦乐： 琴码外的演奏、用弓杆击弦、多音奏法（Multiphonics on Strings）。 管乐： 气音、超吹、多音奏法（Multiphonics）的指法图解。 键盘： 琴弦上的演奏、内部发声。 本书提供了详尽的图示和技术要求，指导学习者安全有效地掌握这些非常规技巧。 结语：面向未来的音乐视野 本教程的最终目标是培养学习者一种批判性与创造性的音乐分析和创作能力。通过对这些复杂理论的掌握，学习者将能够： 1. 准确分析20世纪以来的绝大多数现代音乐作品。 2. 在自己的创作实践中灵活运用结构化和实验性的工具。 3. 理解音乐在不同文化和技术背景下的发展趋势。 --- 教材特色 1. 严谨的学术支撑与清晰的逻辑推演： 全书理论推导过程详尽，数学逻辑清晰，避免了空泛的理论描述，确保学习者对复杂体系有扎实的理解。 2. 大量的经典作品分析案例： 精选了从勋伯格、斯特拉文斯基到利盖蒂、瓦雷兹等重要作曲家的标志性作品进行深度剖析，每一个理论点都有对应的、可验证的实际音乐实例。 3. 针对性强的练习与习题： 每章后附有“理论应用与练习”部分，包括对既有作品的分析任务、特定序列或节奏的构造练习，以及对扩展技巧的实践性要求，尤其适合用于音乐专业课程的考核和自学检验。 4. 完备的术语对照与索引： 考虑到现代音乐理论的跨语言性，书中对关键德语、法语、英语术语提供了清晰的注释和对照，便于读者查阅原始文献。 本书是音乐学、作曲与指挥、音乐表演专业学生迈向高阶学术研究与专业实践的必备参考书。它不仅教授“如何做”，更引导思考“为什么这样做”，为学习者开启通往21世纪音乐无限可能的大门。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计简直太用心了，拿到手里就能感觉到作者和出版社对音乐教育的尊重。封面色彩搭配得很有活力，既不失专业性，又能吸引年轻读者的目光。内页的纸张质量也相当不错，即使是反复翻阅和做笔记，也不会轻易磨损或洇墨。更让我欣赏的是它的排版布局，逻辑清晰，层次分明。比如，理论部分的讲解总是在最前面，紧接着就是大量的练习曲目，这种安排非常符合学习规律——先理解概念，再立即实践。尤其在一些复杂的节奏型分析时，他们使用了非常直观的图表和标记，即便是初学者也能快速抓住重点。我记得有一章专门讲到复合拍子的处理，那张对比图简直是化繁为简的神来之笔，让我这个原本对复拍子感到头疼的人豁然开朗。整体来看，从视觉到触觉，这本书都传递出一种严谨而又不失亲和力的信号，让人愿意坐下来，静下心来和它“对话”。这种对细节的打磨，对于一本专业的教材来说，是极其重要的加分项。

评分☆☆☆☆☆

这本书的出版质量和它所承载的学术分量是相匹配的。我注意到，在某些难度极高的段落后面，偶尔会有简短的“教学提示”或“演奏建议”，这些往往是作者多年教学经验的结晶，是普通教材中难得一见的“干货”。例如，当讲解到快速的切分音时，它没有直接给出指法建议，而是提醒学习者要关注身体的重心转移，这是一种从整体发力的思维方式，而非局部技巧的堆砌。这种深层的教学理念的渗透，使得这本书的价值远超于一本单纯的练习册。它更像是一位资深导师在耳边细语，引导你如何“思考”节奏，如何将技术内化为一种本能的音乐语言。对于希望在专业领域走得更远的人来说，这种高屋建瓴的指导是无价的。

评分☆☆☆☆☆

这本书在引入不同风格的节奏处理时，展现出了非常开阔的视野。它没有将节奏训练局限在古典音乐的范畴内。我注意到其中有几节内容开始探讨如何将严谨的节拍概念应用于更自由的音乐表达，比如一些室内乐合奏中对“弹性速度”的要求。这种前瞻性的设计，对于培养学生的音乐适应能力至关重要。在信息爆炸的今天，音乐学习不应该只是“考古”，而应该与当下的音乐实践接轨。书中对一些不规则节奏群（如五连音、七连音）的分解说明，非常细致，它会告诉你如何在保持整体速度稳定的前提下，让这些“额外”的音符听起来流畅自然，而不是生硬地被塞进去。这种对“流动感”的强调，让节奏训练从枯燥的机械运动升华为一种精妙的艺术控制。

评分☆☆☆☆☆

我个人感觉这本书在内容深度上把握得非常精准，它明显是为有一定基础，并且目标是系统提升技巧的音乐学子量身定制的。它没有那种流于表面的泛泛而谈，而是直接切入到节奏训练的核心难点。例如，在处理连奏和断奏在速度变化中的微妙关系时，作者给出的练习不是简单地机械重复，而是融入了音乐表现力的要求，这体现了作者深厚的演奏经验和教学理念。很多市面上常见的教程只是教会你“怎么打拍子”，但这本书更侧重于让你理解“为什么这样打拍子更具音乐性”。我特别喜欢它在引入高级技巧时，总是先通过一个基础的、看似简单的例子来铺垫，然后逐步增加复杂度和变化性。这种“螺旋上升”式的学习路径，确保了知识的巩固和迁移。对于准备考研或者面临专业水平提升的学生来说，这种由浅入深、注重内在逻辑的编排方式，是构建扎实技术体系的关键。

评分☆☆☆☆☆

作为一名长期从事音乐教学的实践者，我最看重的是教材的实用性和可操作性。这本书在这方面做得非常出色。它不仅仅是一本“读物”，更是一本可以随时拿起来进行实战演练的工具书。书中的例题和练习曲目，覆盖面极广，从巴洛克时期的严谨到近现代音乐的自由节奏型，几乎无所不包。更重要的是，很多练习的配速设置是非常合理的，它们不是那种随机设定的速度，而是经过精心计算的，能够有效突破特定技术瓶颈的速度区间。我曾经用其中一组关于三连音与四分音符交替出现的练习，给一些感到平台期的学生做过测试，效果立竿见影。学生反馈说，以前总是感觉节奏“打架”，但按书上的节奏点去切分后，身体和思维的协调性明显增强了。这种基于实践反馈的有效性，远胜于那些空洞的理论说教。