西方音乐史导学沈旋上海音乐学院出版社正版教材9787806922224 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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沈旋 著

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• 西方音乐史
• 音乐史
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• 沈旋
• 上海音乐学院出版社
• 高等教育
• 音乐学
• 艺术类
• 音乐导论
• 9787806922224

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出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787806922224

商品编码：29859857187

页数：406

图书基本信息
书名：	西方音乐史导学
出版社：	上海音乐学院出版社
ISBN号：	9787806922224
出版年份：	2006年8月1日

版次：	第1版
总页数：	406页
开本：	1/32
图书定价：	32元
实际重量：	408g
新旧程度：	正版全新

《西方音乐史导学》由上海音乐学院出版社出版

部分 古希腊古罗马音乐章 社会文化背景和音乐语言特征第二章 古希腊音乐音乐生活／音乐的发展／音乐理论第三章 古罗马音乐 第二部分 中世纪音乐章 社会文化背景和音乐语言特征”第二章 单声部宗教音乐——格利高里圣咏形成／音乐特征／种类／后期发展第三章 单声部世俗音乐——世俗诗歌云游诗人和流浪艺人／游吟诗人／恋诗歌手／意大利和西班牙诗歌第四章 复调音乐的产生及发展奥尔加农／迪斯康特／孔杜克图斯／巴黎圣母院乐派／从克劳苏拉到经文歌第五章 中世纪音乐理论及乐器教会调式／波埃修和圭多／乐器第六章 新艺术时期音乐法国新艺术音乐／意大利新艺术音乐 第三部分 文艺复兴时期音乐章 社会文化背景和音乐语言特征社会文化背景／音乐发展概况／音乐风格特征第二章 文艺复兴早期音乐英国音乐／勃艮第乐派第三章 佛兰德乐派创作概况／奥克冈／若斯坎·德·普雷／奥布雷赫特／伊萨克／拉索第四章 世俗声乐意大利牧歌／英国牧歌／法国尚松／德国利德／西班牙比良西科第五章 宗教改革和反宗教改革音乐德国路德宗音乐／法国加尔文宗和英国圣公宗音乐／罗马乐派／威尼斯乐派第六章 文艺复兴时期器乐音乐乐器／器永 第四部分 巴罗克时期音乐章 社会文化背景和音乐语言特征社会背景／音乐语言特征第二章 巴罗克时期主要音乐家简介意大利／法国／其他第三章 巴罗克时期歌剧意大利歌剧／法、德、英歌剧第四章 巴罗克时期教堂声乐音乐康塔塔／清唱剧／受难曲第五章 巴罗克时期器乐音乐键盘音乐／重奏音乐／合奏音乐第六章 巴赫亨德尔 第五部分 古典时期音乐章 社会文化背景和音乐语言特征社会背景／音乐特征第二章 古典时期主要音乐家简介德奥／意大利第三章 古典时期歌剧和宗教音乐歌剧改革／喜歌剧诞生／宗教音乐第四章 古典时期器乐音乐键盘奏鸣曲／室内乐／器乐合奏音乐第五章 海顿莫扎特贝多芬 第六部分 19世纪浪漫主义音乐章 社会文化背景和音乐语言特征社会政治／艺术与音乐／音乐情况／音乐语言特征第二章 19世纪主要音乐家简介德奥／法国／意大利／中一东一北欧第三章 19世纪乐队音乐交响曲／标题交响音乐／协奏曲第四章 19世纪艺术歌曲与宗教声乐艺术歌曲／宗教声乐第五章 19世纪独奏与室内乐钢琴／弦乐、管乐与管风琴／室内乐第六章 19世纪歌剧意大利歌剧／法剧／德剧／民族乐派及非主流歌剧 第七部分 20世纪现代音乐章 社会文化背景和音乐语言特征社会文化背景／音乐语言特征／演奏实践第二章 20世纪主要音乐家简介法国／德奥／英国／意大利与西班牙／美国／东欧／苏俄第三章 印象主义音乐印象主义与德彪西／印象主义群体／印象主义之后的法国音乐第四章 从表现主义到12音序列表现主义与无调性／12音序列技法与音乐／12音技术的普遍运用第五章 原始主义、新民族主义与新古典主义原始主义音乐／新民族主义音乐／新古典主义音乐第六章 1945年后的分流整体序列音乐／偶然音乐／电子音乐／音色音乐／微分音乐／观念音乐／简约音乐／拼贴音乐／后一调性音乐／数理音乐／视觉音乐／空间音乐第七章 其他社会政治与现代音乐／现代宗教音乐／ART中的POP／西方与世界附录：相关中文文献指南后记

 本书为音乐院校非理论及普通大学学生用教材，并适合音乐史多方位、多层面考试的学生使用，同时提供参考书目、音响曲目及思考题。书中尽可能给出重要作品、人物、事件的准确信息，以便查找，对各个时期音乐事件情况进行强调。试图生动再现历史风貌，注重重要作品介绍，强调20世纪与早期的音乐。 本书以西方音乐风格时期划分，上起古希腊古罗马下至20世纪，共分七大部分，叙述尽可能简明扼要，注重历史的纵向线索与横向问题关系的交代。体例上，每一部分章均为“社会文化背景和音乐语言特征”，是对该部分背景及音乐情况的概述，简要统领，贯穿始终；还有，面对西方音乐史中众多音乐家们，本书从巴洛克时期开始均没有“各国主要音乐家简介”一章，按照国别分别列出重要作曲家并简单介绍，编织出一张各期音乐家群体的关系网，便于初学者识别查找。另外，根据每个时期的特征，突出重点。

音乐的殿堂：一部跨越时空的交响 导读： 本书旨在带领读者进入一个波澜壮阔的音乐世界，探索西方音乐自古至今的演变轨迹、风格特征、重要人物及其时代背景。我们不聚焦于某一本特定的教材或某一位特定的作者，而是致力于构建一个宏大而精微的音乐图景，让读者得以领略西方古典音乐的魅力与深度。 第一部分：源起与曙光——中世纪的圣歌与世俗的回响 第一章：古希腊的奠基 西方音乐的源头，可以追溯到古希腊的哲学与文化土壤。音乐（Mousikē）在当时被视为数学、天文、伦理的综合体现，与宇宙和谐的概念紧密相连。本章将深入探讨毕达哥拉斯对音程的数学发现，以及柏拉图、亚里士多克塞斯等人对音乐伦理（Ethos）的思考。我们将解析古希腊的乐器——如里拉琴（Lyre）和阿夫洛斯（Aulos）——以及早期记谱法的萌芽，为后世的西方记谱法奠定理论基础。 第二章：早期基督教音乐的形成 罗马帝国晚期，基督教的兴起深刻地改变了音乐的形态。作为宗教仪式的核心要素，赞美诗成为这一时期最主要的音乐形式。本章重点考察早期教会礼仪音乐的特征，包括其口头传承的性质、单音音乐（Monophony）的纯粹性，以及“圣咏”（Gregorian Chant）的规范化过程。我们将分析格里高利圣咏的调式系统，理解其简洁、肃穆的美学追求，以及其在巩固天主教会权威中的作用。 第三章：中世纪的复调曙光 公元九世纪后，音乐史上最重大的变革之一——复调（Polyphony）——开始出现。本章将详述从记号（Neumes）向精确记谱发展的关键步骤，特别是九线谱和四线谱的出现，使得多声部音乐得以精确记录和传播。我们将深入研究巴黎圣母院乐派（Notre Dame School）的先驱人物，如列奥宁（Léonin）和佩罗坦（Pérotin），他们如何将奥尔加农（Organum）发展到复杂的双声部乃至三、四声部写作，标志着西方音乐进入了声部独立发展的时代。 第二部分：文艺复兴的辉煌——人文主义与音乐的平衡 第四章：人文主义的洗礼与音乐的新视野 文艺复兴时期，人类中心主义的思潮取代了神权至上，这对音乐的创作和功能产生了深远影响。本章探讨世俗音乐（如香颂Chanson和牧歌Madrigal）的蓬勃发展，以及作曲家们如何开始关注文本表达的清晰度和情感的细腻刻画。我们将分析印刷术对音乐传播的革命性影响，使得音乐作品能够以前所未有的速度和广度流传。 第五章：宗教音乐的鼎盛 在宗教领域，弥撒曲和经文歌（Motet）达到了新的高度。本章聚焦于法兰德斯乐派的巨匠，如若斯坎·德普雷（Josquin des Prez）。他的作品展现了对模仿对位技巧的炉火纯青的运用，以及如何通过音乐结构来体现文本的逻辑和情感层次。我们将对比不同地区（如意大利、西班牙）的复调风格差异，理解这一时期音乐创作中的“平衡”艺术——既要保持宗教的庄重，又要体现人文的灵动。 第六章：器乐的独立与发展 虽然声乐依然占据主导地位，但器乐开始挣脱依附于声乐的地位，形成了独立的体裁。本章将介绍鲁特琴音乐的繁荣、维也纳和威尼斯乐派在键盘音乐和协奏曲雏形上的探索，以及维也纳古板乐派（Viennese School）在舞曲改编和里切卡尔（Ricercar）等器乐形式上的贡献。 第三部分：巴洛克的激情与规范——对位法与炫技的时代 第七章：巴洛克风格的形成与确立 十七世纪初，意大利歌剧的诞生标志着巴洛克时期的开始。本章分析“新音乐”（Seconda Prattica）的理念，即如何通过音乐来戏剧性地表达强烈情感。我们将详细剖析“情绪理论”（Doctrine of Affections），理解巴洛克作曲家如何利用特定的节奏、和声和音型来描绘单一而强烈的激情。 第八章：巴洛克的三大支柱 本章深入探讨巴洛克时期三大核心音乐体裁： 1. 歌剧（Opera）： 从蒙特威尔第的早期作品到亨德尔宏大的清唱剧（Oratorio），研究宣叙调（Recitative）与咏叹调（Aria）的结构演变。 2. 协奏曲（Concerto）： 分析维瓦尔第等人在大协奏曲（Concerto Grosso）和独奏协奏曲中对“竞奏”手法的成熟运用。 3. 键盘音乐与赋格： 聚焦于巴赫的对位艺术，特别是《平均律钢琴曲集》和《赋格的艺术》，解析赋格作为巴洛克音乐理性与情感的集大成者的地位。 第九章：演奏技艺的飞跃 巴洛克时期对演奏技巧提出了前所未有的要求。本章关注小提琴制作的革新（如斯特拉迪瓦里），以及键盘乐器从羽管键琴到大键琴的发展。我们将探讨早期的演奏实践，包括即兴装饰的必要性，以及不同演奏学派（如法国、意大利、德奥）的技巧差异。 第四部分：古典主义的清晰与理性——形式的完美追求 第十章：从洛可可到海顿的结构革命 十八世纪中叶，音乐审美转向追求清晰、平衡和典雅，这便是古典主义的开端。本章考察洛可可风格（Galant Style）的轻快特点，并重点分析海顿在“交响乐之父”的地位上所做的贡献，尤其是在确立奏鸣曲式（Sonata Form）作为核心结构模板方面。 第十一章：莫扎特与旋律的极致 莫扎特将古典主义的平衡感提升到了新的高度。本章分析莫扎特在歌剧创作中的天才——如何将人物内心世界的复杂性融入到结构严谨的咏叹调中，以及他在协奏曲中如何处理独奏乐器与乐队的对话关系。我们将审视其奏鸣曲、四重奏等室内乐作品，体会其旋律的自然流畅与和声的精妙运用。 第十二章：贝多芬的英雄主义与浪漫的先声 贝多芬是古典主义的集大成者，同时也是开启浪漫主义的桥梁。本章侧重于分析他如何突破既有形式的束缚（如拓展奏鸣曲式的篇幅、引入更多个人情感的表达），尤其是在他的晚期作品中，对传统清晰性的挑战和对宏大叙事的追求。他的九部交响曲构成了理解这一过渡期的核心文本。 第五部分：浪漫主义的抒情与探索——自我表达的无限疆域 第十三章：浪漫主义的精神内核 十九世纪，个人情感、自然崇拜、民族主义和对超自然现象的迷恋成为音乐的主题。本章探讨舒曼、肖邦等作曲家如何将目光聚焦于内心世界，并通过“艺术歌曲”（Lied）和钢琴独奏曲来表达瞬间的情绪波动和哲思。 第十四章：大型体裁的革新与民族主义的兴起 本章关注交响诗（Symphonic Poem）的诞生，即柏辽兹、李斯特等人如何用器乐叙事，打破了传统交响曲的结构限制。同时，我们将考察俄国五人组、捷克作曲家斯美塔那等人在音乐中融入民族民间元素，构建独特的民族音乐语言的努力。 第十五章：晚期浪漫主义的宏大与冲突 十九世纪后期，瓦格纳对歌剧的改革——“总体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）的追求，以及他引入的半音化和声——极大地扩展了音乐的表达范围，挑战了既有的调性体系。本章还将分析布鲁克纳、马勒等人在交响曲中对哲学、生命终极问题的探讨，以及他们如何以空前的规模和配器，将浪漫主义推向了其逻辑的终点。 第六部分：二十世纪的破碎与重生——走向多元的未来 第十六章：印象主义与二十世纪的序曲 德彪西和拉威尔等法国作曲家对瓦格纳式的沉重进行了反拨，转而追求色彩的微妙变化、音色的朦胧感和节奏的自由流动，开创了印象主义的音乐美学。本章分析他们如何借鉴东方音乐和新的音阶（如全音阶）来营造“瞬间的印象”。 第十七章：从表现主义到新古典主义的转向 奥地利“第二维也纳乐派”的勋伯格，在面对晚期浪漫主义的极限后，走向了无调性（Atonality）的探索，并最终建立了十二音体系（Dodecaphony）。本章对比分析斯特拉文斯基在《春之祭》中引发的节奏革命，以及他随后转向的新古典主义，后者试图在现代语境下重拾古典的形式感。 第十八章：实验与多元化的格局 二战后，音乐发展进入了前所未有的多元阶段。我们将介绍电子音乐的兴起、序列音乐（Serialism）的精细化发展（如布列兹），以及约翰·凯奇对“偶然性”（Chance Operations）的探索，这彻底颠覆了作曲家与作品之间的传统关系。最后，本章将展望当代音乐流派，如极简主义（Minimalism）和后现代思潮，如何继续拓展“什么是音乐”的边界。 结语：历史的回响与未来的对话 西方音乐史并非一条笔直的河流，而是无数支流交汇、时而湍急、时而平静的复杂水系。通过回顾从单音圣歌到复杂电子音景的漫长旅程，我们不仅能欣赏到那些不朽的杰作，更能理解音乐作为人类精神表达载体所蕴含的永恒力量和持续的创新精神。

评分☆☆☆☆☆

我是在参加一个音乐鉴赏沙龙时，偶然接触到这本著作的，当时大家都在讨论古典主义时期的曲式结构，而这本书恰好提供了我急需的宏观视角。它最吸引我的一点是，它不仅仅局限于欧洲古典音乐的传统范畴，而是巧妙地将历史脉络梳理得井井有条，让你能清晰地看到不同风格流派是如何相互影响、螺旋上升的。书中对于巴洛克时期复调音乐的分析，细致到了每一个声部的独立线条如何交织成整体的张力，那段论述让我对赋格的理解提升了一个层次。而且，作者在论述过程中，总能引出一些非常具有启发性的“为什么”，比如为什么某个和声在特定时期会成为主流，这背后蕴含的社会文化背景也得到了合理的解释，使得学习过程不再是机械的记忆，而是一场充满探索欲的旅程。对于想要超越“听歌”层面，真正理解音乐是如何被建构起来的爱好者来说，这本书提供了深度和广度兼备的视角。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我之前也买过几本号称“速成”的音乐史读物，结果往往是读完一头雾水，内容跳跃性太大。但翻开这本教材，我立刻感受到了作者的严谨和用心。它采用了非常科学的编排逻辑，从古希腊的萌芽讲起，一步步过渡到中世纪的宗教音乐，再到文艺复兴的世俗化进程，过渡得自然而流畅，几乎没有阅读上的滞涩感。尤其赞赏的是它对“学术态度”的坚持，每一个重要的概念和时期划分，都有清晰的史料支撑，让读者可以信服地接受这些知识点。我特别喜欢它在介绍不同作曲家作品时，并非简单地罗列代表作，而是选取了最具代表性的片段进行深入剖析，比如对莫扎特晚期交响曲中配器手法的解读，真是入木三分，让人有一种“原来如此”的豁然开朗之感。这本书的价值在于它提供的是一种可靠、经得起推敲的知识体系。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和细节处理，体现了出版社对学术书籍质量的执着追求。我拿到手时，就能感受到它沉甸甸的分量，这通常意味着内容的充实和纸张的厚道。内页的字体选择非常考究，既有衬线体的古典韵味，又保证了在需要识别复杂五线谱标记时的清晰度。更让我惊喜的是，书中的插图和乐谱示例的质量极高，线条清晰，没有模糊不清的印刷瑕疵，这在很多同类教材中是很难得的。我尤其留意了那些关于音乐发展史关键节点的图表，它们被设计得非常直观，像一幅张力十足的音乐时间轴，帮助我快速定位和记忆不同时期的关键转折点。这本书显然是为长期学习者准备的，它散发着一种经得起时间考验的质感，每一次翻阅都像是在与一位博学的长者对话，让人感到踏实且受益匪浅。

评分☆☆☆☆☆

作为一名业余的键盘演奏者，我最看重教材的实用性和可操作性。这本书在这方面做得非常出色，它并没有把历史和理论的讲解变成高高在上的学术探讨，而是紧密结合了实际演奏的需求。比如，当讲到浪漫主义时期的配器法时，书中立刻会穿插讲解特定乐器音域和音色在当时音乐织体中的作用，这对我在解读肖邦或李斯特作品时，如何处理踏板和声部平衡大有裨益。而且，书中对一些特定演奏技法的历史演变也有提及，这让我在练习曲目时，能更贴近作曲家本来的意图。这本书的语言风格带着一种成熟的沉稳，不煽情，但字里行间透露出对音乐艺术深沉的热爱和尊重。读完一章，我总感觉自己的双手和大脑都被重新校准了一遍，对如何将书本上的知识转化为指尖上的音乐有了更清晰的蓝图。

评分☆☆☆☆☆

这本乐理入门教材的排版真是让人眼前一亮，那种干净、清晰的布局，即便是初次接触西方音乐理论的读者，也能很快找到重点。作者的叙述方式非常平易近人，没有那些晦涩难懂的术语堆砌，更像是请了一位经验丰富的老师在身旁细心讲解。我记得最开始学习调式和和声进行时，常常感到困惑，但这本书里通过大量精心挑选的范例和图示，把复杂的概念拆解得丝丝入扣。尤其是关于“功能和声”的解析，不再是枯燥的规则罗列，而是融入了音乐情感表达的层面，让人在掌握技巧的同时，也能体会到音乐的灵魂所在。装帧质量也相当不错，纸张厚实，印刷清晰，即便是经常翻阅，也不会出现字迹模糊或者脱页的情况，这对于需要反复对照学习的教材来说，是一个巨大的加分项。总的来说，它为我构建了一个坚实的音乐理解框架，让我对后续深入学习打下了非常扎实的基础，绝对是值得反复研读的珍品。