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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐

ISBN：9787807514787

商品编码：29867171987

丛书名： 口琴进课堂(供中小学生选用)

开本：16开

出版时间：2010-03-01

 

 

 

 

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目录 序
前言
第I章 我与口琴做朋友
一、新朋友——口琴
二、爱护我的小口琴
三、口琴音阶排排坐

第二章 拿琴的方法与吹奏姿势
一、正确的拿琴方法
二、吹奏姿势
1．站奏
2．坐奏

第三章 单音吹奏练习(一)
一、嘴形与“1”音的位置
1．嘴形
2．“1”音的位置
3．“1”音的练习——吹响我的小口琴
4．我能得几颗星?
二、“1”与“2”两音练习
1．“2”音的位置
2．“2”音的练习
3．“1”与“2”两音练习
4．我能得几颗星?
三、“1”-“3”三音练习
1．“3”音的位置
2．“1”-“3”三音练习
3．我能得几颗星?
四、“1”-“4”四音练习
1．“3”的右边是“4”音
2．“1”-“4”四音练习
3．我能得几颗星?
五、“1”-“5”五音练习
1．“1”-“5”五个音按音阶顺序排列
2．“1”-“5”五音练习
3．点音游戏
4．我能得几颗星?

第四章 认识节奏乐器
一、常用的儿童节奏乐器
1．碰铃
2．串铃
3．双响筒
二、节奏乐器的使用练习

第五章 综合练习(一)
一、两个声部的练习
二、口琴与节奏乐器的练习
三、考级
1．考级曲目
2．考级规则与要求

第六章 单音吹奏练习(二)
一、“1”一“6”六音练习
1．“6”音的位置
2．“6”音的练习
3．乐曲练习
4．亚太口琴节
二、“5”-“1”四音练习
1．“7”和“1”交换位置
2．“5”-“1”的练习
3．乐曲练习
4．中国台湾口琴艺术促进会理事长——廖训祯
三、“1”-“1”八度内的练习
1．中音区“1”-“1”的位置_
2．点音找位置
3．中音区的综合练习
4．马来西亚口琴世界主席——张雅诰

第七章 单音吹奏练习(三)
一、低音区的音位
1．如何掌握低音吹奏
2．低音练习
3．乐曲练习
4．韩国口琴联盟会长——李惠奉
二、高音区的音位
1．两组音位颠倒的高音区
2．高音练习
3．乐曲练习
4．全日本口琴联盟会长——真野泰治

第八章 重音口琴和重奏
一、重音口琴_
二、口琴的重奏形式
1．乐曲练习
2．香港口琴协会会长——何百昌

第九章 综合练习(二)
一、综合练习
二、考级
1．考级曲目
2．考级规则与要求
3．中华口琴会会长——刘曾源

第十章 新式单音吹奏法
一、新式单音吹奏法
二、舌尖的运用
三、如何控制．气息
四、练习曲

第十一章 琶音和手震音奏法
一、琶音奏法
1．基本练习
2．乐曲练习
二、手震音奏法
1．基本练习
2．乐曲练习 第十二章 半音奏法
一、半音奏法
1．基本练习
2．乐曲练习
二、乐曲三首
三、考级
1．考级曲目
2．考级规则与要求
3．新加坡口琴爱好者协会会长——莫德锦

 

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乐器学习的无限可能：一本关于古典钢琴演奏与音乐理论的深度探索 本册教材，《指尖上的巴赫：古典钢琴演奏技法与和声学基础精讲》，旨在为致力于精深学习古典钢琴演奏艺术，并希望系统掌握西方音乐理论核心概念的演奏者、教师及音乐爱好者提供一本全面而深入的指南。本书内容聚焦于十八世纪至二十世纪初期的欧洲古典与浪漫主义钢琴文献，辅以坚实的音乐分析与和声学理论作为支撑，致力于提升学习者的演奏技巧、音乐理解力与表现深度。 全书结构严谨，共分为五个主要部分，每一部分都层层递进，确保学习者能够从基础概念逐步迈向复杂的演奏实践与理论剖析。 第一部分：键盘演奏的基石——触键、力度与发音的精微控制 本部分专注于奠定扎实的钢琴演奏基础，着重于身体力学在键盘上的应用，这是所有高难度技巧得以实现的前提。我们摒弃了机械化的指法训练，转而强调“听觉导向”的触键哲学。 1. 身体的自然运用与重量转移： 详细解析了如何利用手臂、手腕与身体的自然重量来产生饱满、圆润且富于歌唱性的音色。讨论了“重量触键”与“指尖独立性”之间的辩证关系。特别关注了手腕在不同音型（如琶音、跨度较大的和弦）中的灵活调节，避免僵硬与过度紧张。 2. 力度的层次感与音色的描绘： 本章深入探讨了从 pppp 到 ffff 之间微妙的力度变化如何服务于音乐表情。我们引入了“声部线条”的概念，教授如何精确控制多声部织体中不同声部的相对音量，确保旋律声部清晰突出，伴奏声部成为有力的支撑，而非喧宾夺主。讨论了不同钢琴特性（如古钢琴、现代三角钢琴）对力度控制需求的差异。 3. 音阶与琶音的“歌唱性”： 传统练习常将音阶视为技术训练的工具，本书则强调音阶练习必须具备音乐性。我们分析了巴赫、莫扎特等作曲家在不同调性中对音阶的处理方式，并提供了针对性的练习，旨在使演奏者在极速的音群流动中依然能保持清晰的轮廓和连贯的呼吸感。 第二部分：复调思维的构建——巴赫的“结构之美” 本部分的核心在于对巴赫键盘作品（尤其是《平均律键盘曲集》与赋格曲）的深度解析，旨在培养学习者对复调音乐的结构感知能力。 1. 对位法的入门解析： 详细解释了模仿、卡农、赋格等基本对位技巧的原理，并将其与钢琴演奏实践相结合。学习者将学会如何在脑海中“听见”各个独立声部的进行，并在演奏时清晰地区分它们。 2. 巴赫的织体与触键的适应性： 分析了《哥德堡变奏曲》等作品中复杂织体的构建方式，探讨在不同声部密度下，应采取何种触键模式（如更深的下键以强调低音，或更轻快的触键以突出装饰音）。强调了在演奏巴赫时，对音符“重量”而非“力度”的控制至关重要。 3. 装饰音的演奏规范与自由： 针对巴洛克时期特有的装饰音（如颤音、回音、琶音装饰）的演奏方法进行了细致的探讨，区分了不同谱例中的演奏惯例，并提供了基于历史语境的审美判断标准。 第三部分：古典主义的清晰度与平衡——海顿、莫扎特、贝多芬的语汇 本部分将焦点转向了古典主义时期钢琴音乐的审美核心：清晰的结构、精炼的乐思与精确的力度标记。 1. 奏鸣曲式结构分析： 提供了一套分析古典奏鸣曲（主部、呈示部、发展部、再现部）的实用工具，帮助演奏者理解乐思的逻辑发展脉络，从而指导演奏中的“戏剧性”处理，例如在呈示部结尾处预示的紧张感，以及发展部的冲突与解决。 2. 踏板的审慎使用： 与浪漫主义音乐中对踏板的广阔运用不同，古典音乐强调清晰的音响。本章详细指导如何使用“半踏”与“切分踏板”技术，以保持和声的透明度，尤其在莫扎特与贝多芬早期作品中，确保低音区的低沉不影响高音区的纯净。 3. 节奏的精准性与弹性： 讨论了古典音乐中“乐句的呼吸”与“节奏的精确性”之间的平衡。强调在不破坏整体结构的前提下，适度的节奏弹性（Rubato的雏形）如何服务于旋律的表达。 第四部分：浪漫主义的激情与色彩——肖邦、李斯特的叙事性 本部分着眼于钢琴文献中最具个人色彩与情感深度的浪漫主义时期作品，重点探讨情感的深度表达与大型技巧的整合。 1. 歌唱性旋律的塑造（Cantabile）： 深入分析肖邦夜曲中“歌唱性”的实现，如何让钢琴“像人声一样歌唱”。这不仅依赖于正确的指法，更依赖于对旋律前后的和声铺垫和对最高音的精准突出。 2. 织体中的“色彩转换”： 李斯特、舒曼的作品常包含快速的织体变化。本章教授如何在快速的段落中，通过细微的重量调整，在“辉煌的颗粒感”与“朦胧的雾状音响”之间进行流畅切换。 3. 情感的结构化处理： 浪漫主义音乐的情感往往是强烈的，但优秀的演奏需要避免“情绪的失控”。本部分提供方法论，指导学习者如何将瞬间的情感爆发嵌入到作品的宏大结构中，使之成为结构高潮的一部分，而非孤立的炫技。 第五部分：音乐理论与和声学的实战应用 本部分为前述演奏技巧提供了坚实的理论后盾。它不再是抽象的理论讲解，而是直接与演奏实践挂钩。 1. 功能和声的深度解析： 回顾并深化了Tonic（主和弦）、Subdominant（下属和弦）与Dominant（属和弦）的功能性，重点解析了副属和弦、导和弦在制造色彩变化和推动乐句发展中的作用。 2. 调性外和声的识别与演奏： 针对变化音、半音进行、离调和弦等，讲解其在乐谱中出现的目的。当演奏到这些“不和谐”音响时，演奏者应如何通过触键的“解决感”或“悬置感”来准确传达作曲家的意图。 3. 钢琴作品的分析性视奏训练： 提供了针对古典与浪漫主义作品的视奏训练方法，强调视奏时应优先捕捉到和声骨架、结构划分和乐句走向，而非纠缠于每一个音符。 通过对以上五个维度的细致阐述与练习指导，本书旨在培养出不仅“会弹”乐器，更能“理解并阐释”音乐作品的全面型古典钢琴学习者。本书的价值在于其对古典音乐美学与演奏哲学的深刻洞察，而非仅仅提供一套固定的练习曲集。它要求学习者带着思考去弹奏，将技术融于对作曲家时代精神与内心世界的探寻之中。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和设计简直是教科书级别的典范，每一页的留白都恰到好处，既不会让人觉得拥挤，又能保证内容的完整呈现。装帧精美，封面设计简洁大气，很有专业感，让人一拿到手就觉得物有所值。书中的插图和图表都非常清晰，色彩搭配和谐，即使是复杂的乐理知识，也能通过这些直观的视觉元素迅速理解。特别是对于初学者来说，那些分解步骤的图示简直是救星，比看文字描述直观多了，能让人少走很多弯路。翻阅起来手感也很好，纸张厚实，不易损坏，可以经受住反复翻阅的考验。作者对细节的关注度可见一斑，从字体的选择到段落的间距，都透露出一种匠心精神。这本书不仅仅是一本教材，更像是一件精心打磨的艺术品，让人爱不释手，愿意花时间去钻研里面的每一个细节。这种对整体阅读体验的重视，是很多普通教材所不具备的，也正是这本书脱颖而出的关键所在。

评分☆☆☆☆☆

我之前试过好几本入门级的乐器书籍，总觉得它们要么内容过于学术化，要么就是流于表面，抓不住重点。但这本书给我的感觉完全不同，它像一个经验丰富的老前辈，耐心地牵着你的手，一步一步带你入门。作者的叙述风格非常亲切自然，完全没有那种高高在上的说教感，读起来就像是和一位懂音乐的朋友聊天一样轻松愉快。那些初学者最容易感到困惑的地方，比如如何正确地持琴、如何发出第一个清晰的音符，都被作者用极其通俗易懂的语言和生动的比喻解释得淋漓尽致。我尤其欣赏它循序渐进的编排逻辑，每一个新知识点都建立在扎实的前期基础上，让你感觉每一步的进步都是水到渠成的，充满了成就感。这种“润物细无声”的教学方式，极大地激发了我继续学习的热情，让我不再惧怕乐理的复杂性，而是开始享受探索音乐世界的乐趣。

评分☆☆☆☆☆

从音乐审美和文化背景的融入来看，这本书也展现了极高的水准，远超一般技术指导的范畴。作者没有将口琴仅仅视为一种机械发声的工具，而是将其置于更广阔的音乐语境中进行阐述。书中穿插的一些关于口琴历史、不同流派风格的简要介绍，虽然篇幅不长，却极大地拓宽了读者的视野，让人对这项乐器产生了更深层次的敬意和兴趣。这使得学习过程不再是枯燥的技巧堆砌，而是一场充满人文关怀的探索之旅。它教会你如何去“听”音乐，如何理解音符背后的情感表达，从而真正做到用心去演奏，而不仅仅是用嘴吹奏。这种对艺术内涵的挖掘，让这本书的价值得到了质的提升，对于想要成为一个有思想的演奏者的人来说，是不可多得的宝藏。

评分☆☆☆☆☆

这本书在实际操作层面的指导性简直是无懈可击，真正做到了“授人以渔”。它不仅仅告诉你“应该怎么做”，更重要的是解释了“为什么要这么做”，并且提供了大量的“如果出现X情况，你应该如何调整”的应对策略。很多教材只停留在理论介绍，但这本书里充满了大量的实战技巧和常见错误分析。比如关于气息控制的部分，作者设计了一系列非常具体且可操作的练习，甚至细化到了呼吸的频率和深浅，这对于追求音质的演奏者来说是至关重要的。我按照书中的建议调整了我的练习方法后，立刻就能感觉到音色的变化，那种惊喜感是无法用言语表达的。它不像一本死板的教材，更像是一位全天候待命的私人教练，随时准备为你指点迷津，确保你的每一步练习都是高效且正确的。

评分☆☆☆☆☆

这本书的实用性体现在其课程设计的精妙和灵活度上。它不是那种只能按部就班地从头读到尾的僵硬体系。每个章节的模块划分清晰，即便是零散的时间，也能从中找到适合自己练习的内容。特别是对于成年学习者，时间碎片化是常态，这本书的结构设计充分考虑到了这一点。我可以根据当天的心情或精力状态，选择性地进行气息练习、指法训练或视谱训练，而不会觉得漏掉了什么关键环节。而且，书中提供的练习曲目选择非常巧妙，难度梯度平滑自然，既有经典名曲的简化版，也有专门为巩固特定技巧而创作的小品，确保了学习进度的连贯性。这种高度的模块化和针对性，使得学习者可以根据自身进度灵活调整节奏，极大地提升了学习的自主性和持续性。