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出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787806674550

商品编码：29867269145

丛书名： 萨拉萨蒂小提琴名曲选

出版时间：2004-04-01

 

 

目录

作曲家简介

1.“卡门”主题幻想曲

2.引子与塔兰泰拉

3.吉普赛之歌

 

 

 

作者简介

萨拉萨蒂 （Sarasate,Pablo 1844～1908），西班牙小提琴家、作曲家。幼年时即学习小提琴，十岁登台演奏。1856年入巴黎音乐学院深造，毕业后在欧美各地巡回演出并大受欢迎。其演奏技艺精湛，音色甜美纯净，因而它被后人称为“帕格尼尼再世”。与他同一时代的知名作曲家如布鲁

 

 

《巴赫无伴奏小提琴奏鸣曲与组曲：结构、演绎与历史语境》 内容提要： 本书深入剖析了约翰·塞巴斯蒂安·巴赫为独奏小提琴创作的六首里程碑式的作品——《奏鸣曲与组曲》（BWV 1001-1006）。这不是一本侧重于初学者指法或流行曲目的教程，而是献给进阶演奏者、音乐学者以及所有对巴洛克音乐精髓抱有浓厚兴趣的音乐爱好者的专业研究指南。全书结构严谨，涵盖了对这些作品历史背景的考证、乐谱的细致解读、技法难点的深度解析，以及不同时代演奏风格的比较研究。 第一章：巴洛克时代的背景与小提琴的演进 本章首先追溯了巴赫所处的18世纪早期欧洲音乐文化图景，特别是莱比锡和魏玛时期的宫廷音乐生态。重点讨论了在巴赫创作此套作品（推测完成于1720年左右，德累斯顿时期）之前，小提琴制作工艺的重大发展，尤其是克雷莫纳制琴学派的影响如何为演奏者提供了更宽广的音域和更稳定的音质，以应对复调写作对乐器提出的更高要求。我们分析了巴洛克时期（特别是意大利）小提琴演奏技巧的规范，如弓法的使用、指位选择的基本原则，以及与现代演奏法之间的关键区别。这为理解巴赫作品中那些看似“反常识”的记谱方式奠定了理论基础。 第二章：结构分析：奏鸣曲的严谨逻辑 本章集中探讨三首奏鸣曲（BWV 1001, 1003, 1005）。奏鸣曲的结构遵循了当时的“奏鸣曲式”范式，但巴赫将其推向了前所未有的复杂深度。 第一部分（柔板/持续的慢板）： 分析其赋格性织体的构建，如何利用对位法原理在单声部乐器上实现多声部的听觉效果。重点研究了主题的引入、模仿、与转调的逻辑关系。 赋格（Fugue）： 赋格是理解巴赫小提琴作品的重中之重。本章详尽解析了每首赋格的主题动机，展开部、呈示部的清晰界限，以及巴赫在保持线条清晰度与确保和声连贯性之间所做的精妙平衡。我们将借助分析图表，展示声部交织的复杂路径，指出演奏者在保持声部独立性时必须遵循的呼吸与发音策略。 快板乐章（Allegro/Presto）： 探究这些乐章中蕴含的“节奏驱动力”，及其与巴赫后期键盘作品中精妙的运动感之间的联系。 第三章：组曲的舞蹈精神与键盘化技巧 本章侧重于三首组曲（BWV 1006a除外，此章主要讨论BWV 1002、1004、1006）。组曲是对巴洛克时代宫廷舞蹈音乐的典范性总结。 舞曲的识别与诠释： 详细辨析了前奏曲（Prélude）、阿列曼德（Allemande）、库朗特（Courante）、萨拉班德（Sarabande）、吉格（Gigue）等舞曲的典型节拍特征、速度要求和律动感。特别是萨拉班德，分析其作为组曲核心慢板的庄严性和内省性。 《恰空》（Chaconne, BWV 1004）： 本章的重头戏。对这首被誉为“小提琴独奏作品的珠穆朗玛峰”的作品，进行了分段详尽的结构分解。从基础的固定低音（或和声进行）模式出发，分析其连续变化的变奏群。我们将讨论：如何保持长达四百多小节的结构张力；变奏中对音色和力度（dynamics）的渐进处理；以及在不使用任何外部伴奏的情况下，如何有效支撑和声的厚度。 第四章：演奏实践的挑战与现代诠释 本章转向实际演奏问题，聚焦于如何将巴赫的“记谱意图”转化为令人信服的声音。 弓法与发音（Bowing and Articulation）： 详细讨论巴赫时代对“连奏”（Legato）的理解，它可能与现代的宽广连奏有所不同。分析了连弓、分弓（Détaché）的使用，以及在快速段落中对“点奏”（Piqué/Staccato）的精确控制，避免声音的模糊。 双音与三音和弦的实现： 针对小提琴“不可能完成的任务”——在单音乐器上制造和声——我们提供了针对不同和弦类型（如大三和弦、属七和弦）的特定指位和弓法方案，以最大化和声的清晰度与共鸣。 运指与换把的策略： 探讨了使用“巴洛克指法”（倾向于保持开放弦音色，使用更多靠弦指法）与现代高度依赖换把的指法的差异。提供了解决高把位复杂音程问题的实用技巧。 诠释的流派比较： 对比了20世纪中叶以海菲兹、吉尔曼为代表的浪漫主义式演绎（强调宏大音量和持续的连奏）与当代以宾戈夫、梅兹莫尔为代表的“历史知情演奏”（HIP，强调清晰的对位和舞蹈律动）之间的主要区别。 第五章：乐谱学研究与版本校勘 本章旨在为演奏者提供最可靠的演奏材料基础。我们将研究现存的巴赫手稿副本（如Kellner抄本、Norden抄本）之间的细微差别，特别是关于装饰音的记法、连弓线的差异，以及速度标记的缺失。指导读者如何利用现代权威版本（如Bärenreiter或Henle的批判性版本）进行自我校勘，从而对音乐文本建立起批判性的认识，而非仅仅依赖某一个固定版本的解读。 目标读者： 具备扎实的古典小提琴基础，熟悉巴洛克音乐风格，并寻求超越常规练习曲的深度音乐研究与实践的演奏者和音乐学学生。本书旨在拓宽对巴赫独奏作品的理解维度，强调结构、历史语境与演奏技巧的有机统一。

评分☆☆☆☆☆

这本书的附赠资源和配套服务，是我认为它远超同类产品的一个重要原因。虽然是实体书，但它清晰地指引了如何去利用数字资源来辅助学习。比如，某些复杂乐段的示范音频链接或者二维码，虽然没有直接放在主书页上分散注意力，但通过一个清晰的索引就能找到。这些音频资料的录音水准极高，演奏家对音乐的理解深刻，提供了极佳的听觉参照标准，让我可以随时对照自己的练习效果。我经常在练习某个新段落时，先听一遍专业的演奏，然后在脑海中建立起一个“理想目标音色”的模型，再进行模仿和内化。这种视听结合的学习模式，极大地提高了练习效率和准确性。它不仅仅是一本“谱子”，更像是一个包含录音指导和理论注解的综合性学习平台，非常适合那些希望通过自学也能达到专业水准的进取型学习者。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计简直让人眼前一亮，那种沉稳又不失典雅的气质，光是捧在手里就感觉自己对音乐的理解提升了一个层次。纸张的质感非常棒，即便是经常翻阅和练习，也不会轻易出现磨损的痕迹，这一点对于我们这些经常需要把谱子摊开在谱架上的演奏者来说，简直是福音。而且，印刷的清晰度也值得称赞，每一个音符、每一个指位标记都标注得清清楚楚，即便是面对一些复杂快速的段落，也能轻松捕捉到细节，避免了因为看不清谱面而产生的误读和练习中的停顿。我特别喜欢它在曲目选择上的独到眼光，很多经典曲目都有收录，但又穿插了一些非常具有研究价值的、在国内其他版本中不易找到的早期手稿版本或者不同版本的对比性选段，这对于深入理解作曲家在不同时期的创作意图，或者比较不同演奏流派之间的细微差别，提供了极大的便利。翻阅时，能明显感觉到编者在排版和校对上付出的巨大心血，页眉页脚的设计既美观又实用，完全没有那种廉价教材的粗制滥造感，更像是一件精心制作的艺术品。

评分☆☆☆☆☆

我观察到这本书在曲目选择上，非常注重不同时期和不同国家作曲家的平衡。它不仅仅局限于十九世纪浪漫主义的辉煌，对于巴洛克时期精巧的对位技巧、古典主义时期的结构清晰感，乃至近现代作品中对音色探索的要求，都有所涉猎。例如，它会收录一些巴赫作品中关于双音奏法和清晰度的高要求练习，紧接着就是帕格尼尼那些令人眼花缭乱的奏鸣曲片段，然后又过渡到一些二十世纪俄派作曲家对弓子速度与重量的精微控制的探讨。这种广阔的视野，迫使我不能只满足于单一的演奏风格，而是要根据不同作品的时代背景和地域特色，去调整我的发音方式和情感表达的着力点。这种全方位的训练，让我感觉自己的音乐“词汇量”得到了极大的丰富，不再是一味地用一种“甜美”的音色去处理所有曲目，而是能根据作品的内在气质，找到更贴切的声音面貌。

评分☆☆☆☆☆

作为一名业余小提琴爱好者，我最头疼的就是那些标记模糊不清或者翻译晦涩难懂的德奥术语。然而，这本书在这方面做得极为人性化。它对每一个意大利文或德文的演奏指示，比如“agitato”、“scherzando”或者复杂的力度记号，都提供了非常精准且易于理解的中文释义，甚至还会配上简短的解释，说明在实际演奏中应该如何去“表现”这种情绪。这极大地降低了学习门槛，让我不必为了查阅一个术语而中断练习。更让人惊喜的是，在一些技巧难点集中的乐段，编者还贴心地加入了一些替代性的、更适合初学者过渡的指法建议，用细小的括号标注出来。虽然对于顶尖高手来说可能略显多余，但对于我这种在瓶颈期徘徊的人来说，这些“曲线救国”的方案，简直是雪中送炭，帮助我成功跨越了那些看似无法逾越的技术障碍，让我能更自信地去挑战原谱的设定。

评分☆☆☆☆☆

初次接触这本教材时，我最大的感受是它的知识体系构建得极其系统和科学。它不是简单地把一堆曲子堆砌在一起，而是有清晰的难度递进和技术侧重划分。从最基础的音阶、琶音练习开始，到中级阶段对不同把位和弓法控制的精细训练，再到高级篇章中那些对演奏家综合能力提出极限挑战的炫技作品的选段分析，整个过程仿佛有一位经验丰富的老师在旁边全程指导。特别是关于演奏法（performance practice）的部分，那些详细的、用文字描述出来的关于揉弦的力度变化、弓子触弦点的精确控制，以及如何处理乐句的呼吸感，这些都是我在单纯听录音或者看其他简单谱子时，难以领悟到的精髓。它要求学习者不只是机械地弹出音符，而是要去理解每一个音符背后的情感张力与结构逻辑，这对于培养演奏者的音乐思维和审美能力，起到了至关重要的作用。这本书真正做到了“授人以渔”，教会我们如何去学习和消化更高难度的作品。