音乐基础知识乐理视唱练耳分册中级（上册）教程书籍全国音乐音基考级教材 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103039854

商品编码：29867288970

丛书名： 音乐基础知识 乐理视唱练耳分册

出版时间：2010-07-01

 

好的，为您提供一本名为《西方音乐史导论：从古至今的音乐脉络》的图书简介，内容将详细阐述其涵盖的知识体系，且完全不涉及您提到的《音乐基础知识乐理视唱练耳分册中级（上册）教程书籍全国音乐音基考级教材》的内容。 --- 西方音乐史导论：从古至今的音乐脉络 导言：聆听历史的回响 音乐，是人类情感最直接、最深刻的表达方式之一。然而，我们今天所听到的交响乐、歌剧、室内乐乃至流行音乐，并非凭空产生。它们是数千年文明、哲学思潮、社会变迁与技术革新共同雕琢的产物。 《西方音乐史导论：从古至今的音乐脉络》旨在为音乐爱好者、初学者以及专业人士提供一个清晰、全面且富有洞察力的视角，系统梳理西方音乐自古典文明的萌芽至二十世纪中叶的宏大发展历程。本书不侧重于繁琐的乐理分析或技术性练习，而是着力于“音乐如何成为它现在的样子”这一核心命题，探讨作品背后的时代精神、作曲家的生活环境以及音乐形式的演变规律。 本书将带您穿越时空，深入理解音乐史上的关键转折点、风格特征及其主要代表人物的贡献，帮助读者建立一个扎实的音乐文化认知框架。 --- 第一部分：音乐的起源与中世纪的回响（约公元500年 – 1400年） 本部分深入探究西方音乐的哲学根基与早期实践，着重于宗教对音乐形态的决定性影响。 第一章：古希腊与古罗马的音乐遗产 介绍巴比伦、埃及文明对早期音乐理论的贡献，重点解析古希腊“乐的和谐”（Musica）概念，毕达哥拉斯音程理论的建立，以及柏拉图、亚里士多克塞斯等哲学家对音乐伦理的探讨。我们将分析这些理论如何被中世纪基督教继承和转化。 第二章：格里高利圣咏的奠基 详细阐述早期的单音音乐（Monophony）形式——格里高利圣咏。探讨其文本（拉丁文礼拜仪式）与旋律结构的关系，以及教会在确立欧洲音乐标准方面所扮演的角色。分析不同地域圣咏风格的初步分野。 第三章：中世纪复调的黎明 这是西方音乐史上的一次革命性飞跃。本章详细考察奥尔加农（Organum）的出现与发展，特别是“新艺术”（Ars Nova）时期，以巴黎圣母院乐派（Léonin和Pérotin）为代表的早期复调技巧（如等时记谱法）的成熟。同时，也将介绍世俗音乐，如游吟诗人和“行吟诗人”的作品及其对民间音乐的保存价值。 --- 第二部分：文艺复兴的和谐之声（约1400年 – 1600年） 文艺复兴时期，人文主义思潮兴起，音乐开始从神性的束缚中解放，追求人性的表达与声音的平衡美感。 第四章：法兰德斯乐派与风格的统一 聚焦于杜菲（Dufay）、雅各布·奥克冈（Ockeghem）等大师，探讨模仿手法（Imitation）的普遍应用，以及对五度圈和谐的深入探索。分析“金发圣歌”（Chanson）和弥撒曲的体裁变化。 第五章：宗教改革与对位法的巅峰 详细研究帕莱斯特里纳（Palestrina）在特伦特会议背景下对宗教音乐的规范化，其作品中体现的清晰、典雅的“纯净对位”风格。对比介绍英国作曲家伯德（Byrd）和西班牙的拉索（Lassus）。 第六章：世俗音乐的繁荣与“新意” 探讨牧歌（Madrigal）的兴起，特别是意大利牧歌如何通过文字与音乐的紧密结合（Word Painting），表达复杂的人类情感。解析维也纳的“维也纳音乐家集团”对早期器乐发展的影响。 --- 第三部分：巴洛克：情感的戏剧性与宏大叙事（约1600年 – 1750年） 巴洛克时期是音乐史上最富活力和装饰性的时代之一，对位法、和声学和器乐体裁（如协奏曲、奏鸣曲）的体系化确立均发生于此。 第七章：歌剧的诞生与“数字低音”的统治 深入分析佛罗伦萨卡梅拉塔对古希腊悲剧的复兴尝试，以及蒙特威尔第（Monteverdi）如何通过《奥尔菲欧》确立歌剧的基本模式。详细解释“通奏低音”（Basso Continuo）在支撑和声结构中的核心作用。 第八章：协奏曲、奏鸣曲与器乐的黄金时代 考察维瓦尔第（Vivaldi）的“快-慢-快”协奏曲结构，以及科雷利（Corelli）对奏鸣曲体裁（大协奏曲与教堂奏鸣曲）的贡献。分析器乐在这一时期的地位显著提升。 第九章：晚期巴洛克：对位艺术的集大成者 重点分析巴赫（J.S. Bach）的百科全书式贡献，如《平均律钢琴曲集》对十二平均律的推广和实践，以及他晚期复调杰作（如《赋格的艺术》）的结构精妙。同时，研究亨德尔（Handel）在清唱剧和盛大歌剧中的戏剧张力表达。 --- 第四部分：古典主义：清晰、平衡与形式的典范（约1750年 – 1820年） “启蒙运动”的精神渗透入音乐，追求清晰的结构、优雅的旋律和情感的克制，形成了稳定而严谨的音乐范式。 第十章：维也纳古典乐派的崛起 探讨海顿（Haydn）作为“交响曲之父”和“四重奏之父”的地位，如何系统化了奏鸣曲式（Sonata Form）并将其确立为古典主义的核心骨架。 第十一章：莫扎特的完美与歌剧的革新 分析莫扎特（Mozart）在旋律创作上的天赋，以及他如何将意大利喜歌剧的喜剧性与德语歌剧的深刻性完美融合（如《费加罗的婚礼》）。探讨其钢琴协奏曲中独奏与乐队的互动哲学。 第十二章：贝多芬：从古典到浪漫的桥梁 研究贝多芬（Beethoven）早期对古典规范的继承，中期（“英雄时期”）如何通过扩展奏鸣曲式、强化对位动机和运用更强烈的和声语言，表达个人英雄主义和意志力。分析其后期作品中对形式的突破尝试。 --- 第五部分：浪漫主义的激情与民族主义的兴起（约1820年 – 1910年） 浪漫主义时期，作曲家将自我情感、文学叙事、自然崇拜和民族身份融入音乐，音乐的表达范围空前扩大。 第十三章：早期浪漫主义的诗意与幻想 聚焦舒伯特（Schubert）的艺术歌曲（Lied）传统，及其如何将诗歌意境与钢琴伴奏融为一体。研究肖邦（Chopin）对钢琴这一乐器的独特发掘，以及舒曼（Schumann）在小型室内乐和钢琴套曲中的“文学化”倾向。 第十四章：大型体裁的拓展与“标题音乐” 探讨李斯特（Liszt）发明的交响诗（Symphonic Poem）如何打破传统交响乐的限制，以及柏辽兹（Berlioz）在《幻想交响曲》中对“主导动机”（Idée Fixe）的开创性运用。 第十五章：民族乐派与晚期浪漫主义的宏大 分析俄国五人组（如穆索尔斯基、里姆斯基-科萨科夫）如何从民间音乐和史诗中汲取灵感，确立各自的民族音乐语言。考察瓦格纳（Wagner）对“乐剧”的革新，其主导动机理论对后世的影响，以及马勒（Mahler）交响曲中对人类生存困境的史诗性描绘。 --- 第六部分：二十世纪的多元化探索（约1910年 – 1950年） 进入二十世纪，对既有音乐语言的质疑与反叛成为主流，音乐创作进入了爆炸性的多元化阶段。 第十六章：印象主义与二十世纪的序曲 探讨德彪西（Debussy）如何通过对音色、模糊和声以及非传统音阶（如全音阶）的运用，营造出“印象”而非清晰的轮廓。分析拉威尔（Ravel）在配器技巧上的精湛处理。 第十七章：结构主义的革新：野兽派与序列主义 分析斯特拉文斯基（Stravinsky）《春之祭》引发的巨大冲击，节奏的复杂化和强烈的非和声语言。深入探讨勋伯格（Schoenberg）如何通过“十二音序列”体系，系统性地脱离调性束缚，构建新的组织原则。 第十八章：美国音乐的早期发展与爵士乐的根源 简要概述美国本土音乐的发展，包括伊夫斯（Ives）的实验性探索，以及早期黑人音乐传统（如拉格泰姆和早期布鲁斯）如何为二十世纪中叶的音乐注入新的活力。 --- 结语：理解过去，面向未来 本书在回顾了数千年的音乐遗产后，旨在帮助读者跳出单纯的“听音乐”层面，进入“理解音乐”的更高维度。通过掌握不同时代的创作背景、核心美学追求和标志性技术，读者将能够更深刻地欣赏、分析和体验西方音乐的丰富与复杂性。本书为后续深入研究特定的作曲家、体裁或理论奠定了坚实的基础。

评分☆☆☆☆☆

从整体的教学理念来看，这套教材明显融入了现代音乐教育的先进思想，它强调的不是机械的重复，而是对音乐语言的理解和内化。编者在某些乐理概念的阐释上，使用了非常生活化和形象化的比喻，比如解释调性色彩时，不再局限于“明朗”与“忧郁”这种简单的描述，而是引入了更丰富的色彩学和情感关联，这种多维度的解读方式极大地拓宽了我的音乐思维边界。这种引导式的教学，让我感觉自己不是在被动地接受知识，而是在主动地探索音乐的奥秘。对于想要从“会演奏”跨越到“懂音乐”的学习者来说，这本书提供的思维工具和广阔视野，是极其宝贵的财富。

评分☆☆☆☆☆

作为一本中级教程，它在视唱练耳部分的深度和广度都超出了我的预期。传统的教材往往在视唱部分过于偏重单音或简单的旋律，但这本书大胆地引入了三声部、四声部视唱的练习，这对提升我们的和声听辨能力非常有帮助。听觉训练部分更是亮点频出，不仅仅是节奏型的模唱，更侧重于对复杂调式和非功能性和声的听辨训练，这无疑是为准备更高等级考试打下了坚实的基础。我特别喜欢其中关于“听觉想象力”的训练模块，它引导我们不仅仅是被动地去听，而是主动地在脑海中构建音乐的画面感，这种训练对于培养真正的音乐感至关重要。实话说，市面上很多教材在这个环节处理得比较粗糙，而这本教材则展现了其专业性和前瞻性。

评分☆☆☆☆☆

这本书的章节编排逻辑性非常强，它不是简单地堆砌知识点，而是构建了一个循序渐进的学习路径。初识的几个单元，侧重于基础概念的梳理和巩固，比如大小调的构建、音程的识别，这些内容用非常直白易懂的方式呈现出来，即便是初学者也能迅速抓住重点。随着内容的深入，难度曲线设计得恰到好处，难度提升得自然而然，让人感觉每一步的进步都是水到渠成。例如，在讲解到和弦转位和解决时，它巧妙地穿插了大量的练习实例，这些实例不仅仅是枯燥的音符组合，而是富有音乐性的乐句片段，极大地激发了我的学习兴趣。这种将理论与实践紧密结合的编排方式，使得学习过程充满挑战又不至于气馁，真正做到了“寓教于乐”。

评分☆☆☆☆☆

这本书的练习题设计简直是教科书级别的范本，它完美平衡了“覆盖面”与“针对性”。每一个知识点后面都紧跟着一组精心设计的练习题，这些题目类型极其丰富，涵盖了从基础的填空、选择到更复杂的旋律创作和和声分析。更让我感到实用的是，很多练习题都注明了其对应的考级要求或难度等级，这对于有明确考试目标的学习者来说，简直是一张清晰的导航图。我发现很多平时在课堂上感觉理解得还不错的知识点，在尝试解答这些题目时，才发现自己理解得不够深入和全面。这些题目不仅检验了记忆力，更重要的是考察了我们对乐理知识的灵活运用能力，真正做到了“学以致用”。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，封面采用了沉稳的深蓝色调，搭配上清晰有力的书名字体，瞬间就给人一种专业、严谨的感觉。纸张的质感也相当不错，光滑细腻，即便是长时间翻阅，指尖也不会感到疲惫。更让我欣赏的是，书中大量的乐谱排版，线条清晰，音符间距合理，完全没有出现拥挤或模糊不清的情况，这对于学习乐理和视唱练耳的我们来说太重要了。清晰的排版能极大地减少阅读时的认知负担，让我们可以更专注于音乐本身。内页的印刷质量也保持了一贯的高水准，即便是细小的力度记号和表情术语，也标注得一清二楚。拿到这本书，就能感受到出版方在细节处理上的用心，这不仅仅是一本教材，更像是一件精心制作的艺术品，让人爱不释手，愿意沉下心来仔细研读。