中国风格钢琴作品精曲集 钢琴教材 钢琴教程 钢琴书籍附CD一张 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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汤蓓华 编 编

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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787807514947

商品编码：29867330041

丛书名： 中国风格钢琴作品精选 附CD一张

开本：8开

出版时间：2010-06-01

价格 ￥81.00 套餐价 67.50元 弹琴三大宝：哈农拜厄599

 

 

 

目录

一、云南民歌五首--王建中

1、大理姑娘

2、跟哥

3、猜调

4、山歌

5、龙灯调

二、平湖秋月--陈培勋

三、彩云追月--王建中

四、春江花月夜--黎英海

五、旱天雷--陈培勋

六、摇篮曲--贺绿汀

七、牧童短笛--贺绿汀

八、内蒙古民歌主题小曲七首--桑桐

1、悼歌

2、友情

3、思乡

4、草原情歌

5、孩子们的舞蹈

6、哀思

7、舞曲

九、筝箫吟--储望华

十、广东小调“卖杂货”--陈培勋

十一、情歌--储望华

十二、百鸟朝凤--王建中

十三、钢琴组曲《风情》--李方

1、溪边

2、山调

3、捉迷藏

4、放羊娃

5、独轮车

 

 

 

内容推荐

钢琴是西洋乐器，被称为“乐器之王”。西方钢琴艺术已有300年的历史，而在我国的发展还不足百年。1914年，赵元任先生创作了中国第I首钢琴独奏曲《和平进行曲》，1932年，贺绿汀先生以一曲清新的《牧童短笛》竖立了中国钢琴音乐创作的里程碑。此后的几十年便涌现出一大批的钢琴作品和作曲家，钢琴音乐创作风格也不断趋于成熟而多元化，取得了令人瞩目的成就。

被海外媒体誉为“充满着高贵、华丽、典雅和真挚感人的女钢琴家”汤蓓华，深感作为华人艺术家演绎中国作品的责任。2007年由上海文艺音像电子出版社为其录制发行了《东方音韵：中国风格钢琴精粹》专辑，收录有王建中的《云南民歌五首》、《彩云追月》；陈培勋的《平湖秋月》、《广东小调(卖杂货)》；黎英海的《春江花月夜》；桑桐的《内蒙古民歌主题小曲七首》等13首(组)中国风格钢琴作品，受到了广泛的好评。

这次出版的曲集就是这张专辑的配套乐谱。汤蓓华在忠于原谱的基础上，增添了一些指法建议，以便于钢琴爱好者使用。

 

 

探索二十世纪及当代西方钢琴作品的深度与广度 一本专为中、高级钢琴学习者与演奏者打造的精选集，旨在带领读者穿越古典主义与浪漫主义的辉煌巅峰，深入探索十九世纪末至二十一世纪初西方钢琴音乐的创新与多样性。 本册精选集并非仅仅是对既有曲目的简单汇编，而是一次精心策划的音乐之旅，聚焦于那些对钢琴演奏技巧、音乐理解力乃至艺术表达提出了全新要求的重要作品。我们深知，要真正掌握钢琴艺术，必须超越耳熟能详的“标准曲目”，拥抱那些在和声、节奏、织体和表现手法上展现出时代精神的作品。 第一部分：印象主义的色彩与氛围——对音色的极致追求 本部分着重展现了法国印象主义音乐的精髓，这一时期作曲家们将钢琴视为调色板，致力于捕捉光影、水波和瞬间的情感体验。 1. 克劳德·德彪西 (Claude Debussy) 的深度剖析： 我们收录了德彪西的几首标志性作品，它们远超《月光》的柔和表象，直抵其和声语言的核心。 《版画》选段（Estampes）： 特别关注《格拉纳达的下午》（La Puerta del Vino）中西班牙弗拉明戈风格与德彪西自由调性处理的结合。这要求演奏者不仅要掌握踏板的细腻运用，更要精确控制音符之间的层次关系，模拟吉他的拨弦与揉弦效果。教程将详细解析其“全音阶”与“五声音阶”的运用，解释如何避免德彪西作品在演奏中流于“模糊不清”。 《前奏曲》精选： 深入探讨第I集与第II集中的几首关键作品，如《帆船》（La cathédrale engloutie）的宏大结构与深海意象，以及《烟火》（Feux d'artifice）中复杂的速度变化与节奏的自由处理。本部分强调的是“听觉的想象力”——如何通过指尖的力度变化，唤起听众对特定场景的联想。 2. 莫里斯·拉威尔 (Maurice Ravel) 的精湛技巧与清晰线条： 拉威尔的作品以其古典的结构感和近乎“完美”的配器法著称。 《镜子》（Miroirs）精选： 重点剖析《海上的小船》（Oiseaux tristes）中对位法的运用，以及《丑角的清晨》（Alborada del gracioso）中西班牙民族节奏的狂热与钢琴技巧的极限挑战。教程将提供详细的指法标记，解决高速双音、颤音与固定节奏型在双手交织时的平衡问题。我们探讨的不是“模仿鸟鸣”，而是如何用清晰的线条表现出“被扭曲的记忆中的鸟鸣”。 第二部分：二十世纪初期的结构革新与新古典主义的回响 随着音乐语言的拓展，作曲家们开始寻求新的秩序感，或回归古典时期的形式，但注入了现代的和声色彩。 1. 伊戈尔·斯特拉文斯基 (Igor Stravinsky) 的节奏冲击： 选取了斯特拉文斯基早期至中期的键盘作品片段，展示其如何通过不协和音程和“原始主义”的节奏驱动力来颠覆听觉习惯。 《彼得鲁什卡组曲》钢琴改编选段： 聚焦于斯特拉文斯基如何将管弦乐的复杂织体浓缩于钢琴之上。重点解析其切分音的精确性、不同拍号的瞬时切换，以及如何保持演奏的“机械感”和内在的“戏剧性冲突”。这要求演奏者对节拍器的依赖度达到新的高度，同时避免僵硬。 2. 保罗·欣德米特 (Paul Hindemith) 的新巴洛克精神： 欣德米特的音乐是现代对位法和“回归自然”美学的典范。 《练习曲》（Interludien）或《奏鸣曲》选段： 本部分详细解析了欣德米特对传统对位规则的重新激活。教程将引导学习者识别作品中清晰的旋律线索、功能和声的重构，以及如何在大规模的复调织体中，保持每一声部的独立歌唱性。重点训练的技能是“结构听觉”——在演奏时能清晰“听见”自己在弹奏哪一条声部。 第三部分：后浪漫主义的心理深度与抒情探索 本部分涵盖了一些在德奥传统中延续并发扬光大的作曲家，他们继承了瓦格纳式的和声色彩，但将焦点转向更内在、更私密的心理描绘。 1. 谢尔盖·拉赫玛尼诺夫 (Sergei Rachmaninoff) 的抒情宏大： 选取拉赫玛尼诺夫练习曲中，对技巧要求极高，但情感表达同样深刻的作品。 《音画练习曲》（Morceaux de fantaisie）或选自奏鸣曲中的片段： 重点训练演奏者如何驾驭拉赫玛尼诺夫标志性的宽广和弦、快速琶音链条以及对中低音区的强调。教程会分析如何将宏大的“交响性”织体，转化为钢琴独奏的亲密感，而非仅仅是“力量的展示”。关键在于“歌唱性”——即使在最复杂的段落中，主要旋律也必须保持无可指摘的流畅。 2. 亚历山大·斯克里亚宾 (Alexander Scriabin) 的神秘主义与和声迷宫： 斯克里亚宾的作品是通往神秘主义和色彩听觉的桥梁。 晚期“神秘和弦”主题的奏鸣曲选段： 本部分需要读者理解斯克里亚宾如何发展其独特的“多音和弦”（Mystic Chord）。教程将教授如何处理其高度扩展的音域、细微的力度变化（pppp 到 fff），以及如何将音乐的“精神性追求”融入到指尖的物理运动中。这要求演奏者具备极高的触键敏感度，以描绘出其作品中特有的“光晕”效果。 核心教学理念与附加资源 技术训练的深化： 本书强调的不是基础音阶的重复，而是针对特定作品需求的技术突破。例如，印象派的“浮动感”训练、斯特拉文斯基的“节奏锁定”练习，以及拉赫玛尼诺夫的“跨越式和弦连接”的指法设计。 历史语境的理解： 每一首作品前都附有简短的历史背景介绍，解释作曲家在创作该曲时所处的艺术思潮。理解作品诞生的土壤，是准确表达其风格的关键。 附赠音频资源的价值： 附带的CD（或在线资源）收录了专业演奏家对每首精选曲目的示范录音。这不仅仅是提供一个“标准”，更是让学习者能直观对比不同诠释的可能性，特别是对于那些模糊、开放性的音乐记号（如 rubato 或 non legato）的实践处理。 本书的目标读者群清晰： 本书面向那些已掌握基本演奏技巧，希望将自己的音乐视野拓展到二十世纪前沿，并准备好接受更高技术和智力挑战的钢琴学习者。它旨在培养出不仅会“弹奏”乐谱，更能“阐释”现代音乐语言的演奏家。

评分☆☆☆☆☆

这本书的选曲范围广得有些出乎我的意料，完全不是那种只有几首“名曲”撑场面的类型。它似乎花了大量篇幅去挖掘和整理那些在主流教材中不太常见的，但却极具中国音乐特色的作品。从早期的古典小品，到后来融合了爵士或现代和声的改编，跨度非常大。我特别留意了一下那些练习曲部分，它们的设计思路非常独特，不是简单地堆砌音阶或琶音，而是巧妙地将中国传统音阶（比如五声音阶）的特点融入到技巧训练中，使得练习过程本身就带有旋律性，不那么枯燥。这让我在练习技巧的同时，也自然而然地培养了对中国调式音阶的敏感度。这种“寓教于乐”的选材方式，比起那些纯粹模仿巴赫或者肖邦练习曲的编排，显然更适合我们的学习者去建立扎实的民族音乐根基。

评分☆☆☆☆☆

这本书的实用价值，在于它打破了“中国钢琴曲只能是简单改编”的刻板印象。它里面的许多作品，无论是从和声的复杂程度，还是从技术要求的严苛程度上来看，完全可以和世界级的作品相媲美，只不过它的音乐语汇更偏向东方审美。我特别喜欢其中一首改编自民歌的作品，原曲的悠扬已经被保留，但钢琴的织体被处理得极其丰满和复杂，高音区的晶莹剔透和低音区的深沉浑厚形成了鲜明的对比，听起来非常有画面感。这套教材真正做到了“立足传统，面向未来”，它提供的不仅仅是技巧的工具箱，更像是一扇窗户，让我得以窥见中国当代钢琴音乐创作的广阔天地，让我对未来在钢琴上表达中国心声充满了信心。

评分☆☆☆☆☆

作为一名自学的钢琴爱好者，我最看重的就是教材的讲解深度和循序渐进的逻辑性。这本书在这方面做得相当到位，它的难度过渡设计得非常平滑自然。一开始的入门部分，讲解的力度和触键感觉，就非常强调“中国乐器”的音色模仿，比如如何通过不同的指尖压力去模拟古筝的“按滑”或琵琶的“扫弦”，这种细节的提示在其他教材里是很难找到的。往后深入，对曲目背景的介绍也相当详尽，不仅仅是写“这是XX的作品”，而是会解释这首曲子在当时的时代背景下，是如何与钢琴这种西方乐器产生“对话”的，这种文化层面的解读，极大地提升了我的理解力和演奏的深度。它不是简单地教你怎么弹出正确的音符，而是教你如何“理解”并“表达”这些音符背后的东方哲学。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真的没得说，封面那水墨晕染的图案，一下子就把人带进了那种古朴典雅的意境里。拿到手里的时候，首先注意到的是纸张的质感，挺厚实的，不像有些廉价教材用两天就卷边了。内页排版也做得非常清晰，五线谱和指法提示之间的留白恰到好处，即便是在练习一些复杂的段落时，也不会觉得眼花缭乱。我尤其欣赏的是它对传统文化元素的融入，不仅仅是曲目本身，连一些小的装饰性图样，都透露着一种东方的韵味，让人在学习音乐的过程中，同时也在进行一场视觉上的享受。那种沉静、内敛的美感，是很多西方教材里找不到的。而且，CD的收纳设计也很巧妙，紧贴着书脊内侧，不容易丢失，这点对于经常携带乐谱出门的人来说，简直是福音。整体感觉，这本书在设计美学上就已经超越了普通的教材范畴，更像是一件值得收藏的艺术品。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我本来对这种“附赠CD”的教材是持保留态度的，因为很多时候CD里的演奏水平和教材的期望值根本对不上。但这次的CD体验完全颠覆了我的看法。演奏者的功力极其深厚，录音质量也是录音棚级别，清晰、动态范围适中，完全没有那种廉价的电子合成感。更重要的是，CD提供的不仅仅是标准演奏版本，我还发现了一些示范性的练习片段，比如针对某个难点段落，演奏家会放慢速度，甚至用不同的触键方式来示范如何处理，这对于我这种没有老师指导的自学者来说，简直是无价之宝。我常常是先听CD，建立一个“理想听觉模型”，再对照着书上的标记去模仿调整，效率比自己瞎琢磨高出太多了。