琵琶名曲指导(5VCD)视频曲集 先恒正版 吴玉霞 循序渐进 讲解示范音乐、艺术与观念 二十世界文化 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 1

ISBN：6677817729491

商品编码：29867432560

第-片： 1、前言 2、月儿高 3、彝族舞曲 4、大浪淘沙 第二片： 1、春江花月夜 2、律动 3、渭水情 第三片： 1、虚籁 2、风戏柳 3、汉宫秋月 4、灯月交辉 第四片： 1、霸王卸甲 2、阳春白雪 3、飞花点翠 第五片： 1、新翻羽调绿腰 2、寒鹊争梅 3、十面埋伏

 

 

吴玉霞，中国当代琵琶演奏家，国家演员，中央民族乐团独奏演员，民族管弦乐队琵琶首席、文化部尖子演员、中国文联各文艺家协会“德艺双馨”会员，享受政府特殊津贴。 她自幼学习琵琶，毕业于中央音乐学院，师从刘德海、李光华、陈泽民、李光祖等琵琶名家。她博采众长，用心揣摩，逐渐形成了自己的艺术风格。 吴玉霞曾在1980年首届琵琶比赛中获二等奖。近年来多次以独奏家身份出访美国、瑞典、芬兰、奥地利、韩国、印度、缅甸、巴基斯坦等国家、并多次参加日本、新加坡、香港、澳门等国家和地区的艺术节。曾在世界的卡耐基音乐厅、柏林爱乐音乐厅和二次在维也纳金色大厅担任独奏、领奏，并三度赴日本举办独奏音乐会，1992年作为首批大陆艺术家演出团十位成员之一赴台湾访问演出。1994年在北京音乐厅成功地举办了《千秋颂》个人独奏会。1998年出版了《吴玉霞琵琶韵》CD专辑。她的名字被分别列入《中国当代青年名人录》、《中国音乐家名人录》《中国当代音乐界名人大辞典》等。  

音乐的维度：探索西方古典乐派的演变与思想脉络 内容简介 本书旨在为音乐爱好者、学生及专业人士提供一个系统而深入的视角，剖析西方古典音乐自巴洛克时期迄今的宏伟发展历程。我们着重于探讨不同音乐风格背后的时代精神、哲学思潮以及技术革新如何共同塑造了我们今天所听到的管弦乐、室内乐、键盘音乐乃至歌剧的复杂面貌。全书结构严谨，内容充实，涵盖了从核心曲目分析到对音乐家个人创作哲学的深度挖掘。 第一部分：理性与虔诚的交织——巴洛克时代的辉煌（约1600-1750） 本部分首先追溯了巴洛克音乐的起源，聚焦于复调艺术的集大成者——巴赫。我们详细分析了巴赫的对位法（Counterpoint）的精妙结构，特别是《平均律钢琴曲集》和《赋格的艺术》中展现的逻辑严密性与精神深度。讨论将超越单纯的技巧层面，深入探讨巴赫音乐中体现的“上帝的秩序”与宇宙和谐的观念。 随后，本书将视角转向意大利歌剧的崛起。蒙特威尔第（Monteverdi）的早期作品如何确立了抒情性与戏剧性的平衡，以及卡斯特拉里奥（Castrati）在咏叹调发展中的关键作用。我们还将剖析亨德尔（Handel）的清唱剧，特别是《弥赛亚》，如何将宗教叙事提升到宏大的戏剧场面，以及其音乐中蕴含的英国公共精神。本章的重点在于理解“巴洛克式激情”（Affektenlehre）如何通过清晰的节奏、持续的低音（Basso Continuo）和装饰音的自由运用得以表达。 第二部分：清晰、平衡与启蒙的光芒——古典主义的典范（约1750-1820） 古典主义时期是音乐形式被提炼和规范化的关键阶段。海顿（Haydn）被誉为“交响曲之父”和“四重奏之父”，我们探讨他如何在维也纳的赞助体系下，确立了奏鸣曲式（Sonata Form）作为结构思维的核心。本书提供了对海顿晚期伦敦交响曲的详尽分析，展示了其幽默感与结构上的完美统一。 莫扎特（Mozart）的篇章则聚焦于其无与伦比的旋律天赋和对歌剧心理描写的深刻洞察。从《费加罗的婚礼》中对阶级冲突的微妙讽刺，到《安魂曲》中对死亡的终极追问，莫扎特的作品展现了启蒙运动所倡导的人性光辉与内在冲突的和谐共存。 作为古典主义的巅峰与过渡者，贝多芬（Beethoven）的早期作品（如“帕特农”奏鸣曲）如何继承前人衣钵，而其中期和晚期作品（如“英雄”交响曲与晚期弦乐四重奏）又如何突破既有框架，为浪漫主义的到来铺平道路，将是个重点剖析对象。我们着重分析贝多芬如何将个人意志和英雄主义叙事注入到纯粹的器乐形式中。 第三部分：情感的喷薄与个性的觉醒——浪漫主义的狂飙（约1820-1900） 浪漫主义是音乐史上一场深刻的变革，它将主观体验置于普世理性之上。舒伯特（Schubert）的艺术歌曲（Lied）如何将诗歌的意境与钢琴伴奏融为一体，创造出“小型叙事诗”，是本部分的首个焦点。 肖邦（Chopin）的钢琴作品——夜曲、圆舞曲、叙事曲——被视为浪漫主义钢琴美学的核心。本书将分析他如何利用波兰民族舞曲元素，将民族情感融入到高度精致的个人化表达中。 交响诗的诞生标志着标题音乐（Program Music）的胜利。李斯特（Liszt）对“交响诗”概念的阐述及其技法（如主题转换法）的运用，如何打破了传统交响曲的桎梏，使音乐直接服务于文学或绘画的主题。 此外，本书还深入探讨了瓦格纳（Wagner）的“总体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）理念，解析其主导动机（Leitmotif）系统在《尼伯龙根的指环》中的复杂功能，以及他对和声语言的激进拓展如何直接导致了调性的瓦解。 第四部分：边界的拓展与观念的重塑——二十世纪至今的音乐景观 二十世纪的音乐不再追求统一的风格，而是呈现出爆炸性的多元化。德彪西（Debussy）与拉威尔（Ravel）的印象主义音乐，如何借鉴视觉艺术，通过音色、和声色彩和节奏的模糊性来营造氛围，而非明确的结构叙事。 勋伯格（Schoenberg）及其十二音技法（Dodecaphony）的出现，是对传统调性体系的彻底反叛。本书将清晰梳理这一技术的生成背景，并分析其在二战后欧洲前卫音乐（如韦伯恩）中的继承与发展。 与此同时，我们不会忽略斯特拉文斯基（Stravinsky）的原始主义（Primitivism）和新古典主义（Neoclassicism）的摇摆。特别是《春之祭》，它如何通过原始的节奏暴力颠覆了听众的审美期待。 最后，本书展望了战后电子音乐、简约主义（Minimalism）的兴起，以及布列兹（Boulez）在序列音乐领域的探索，展示了音乐作为一种纯粹的观念和实验场域，在当代文化中的持续生命力。 总结 本书通过对历史语境、技术创新和核心作曲家思想的综合考察，旨在帮助读者理解西方古典音乐是如何从宗教的束缚中解放出来，演变为表达个体情感、探索哲学命题的强大媒介。它是一份关于西方音乐文明如何层层递进、不断自我超越的详尽地图。

评分☆☆☆☆☆

我必须强调，这套视频在实用性和学术性之间找到了一个近乎完美的平衡点。对于那些已经有一定基础，但希望在艺术修养上更进一步的演奏者而言，它的价值尤为突出。它不是那种只教你“一招鲜吃遍天”的速成秘籍，而更像是一部可以伴随演奏者职业生涯不断翻阅的参考典籍。其中关于乐曲结构分析和情感动机的探讨，极其精妙。比如，对某个长篇章回体作品的叙事线索梳理，如果不是经过深厚的专业积累，是很难以如此清晰的方式呈现出来的。我发现，仅仅是暂停下来，反复思考视频中对某段旋律起承转合的分析，就足够我消化好几天的练习内容了。它给予学习者的，是一种“内功心法”层面的提升，让你的每一次演奏，都充满了目的性和深度，而非仅仅是手指的熟练运动。

评分☆☆☆☆☆

说实话，当我拿到这套资料时，我原本预期会是一堆老旧的、录制效果一般的教学内容。毕竟，很多经典乐器教程的影音质量实在不敢恭维。然而，令人惊喜的是，这套视频在制作水准上保持了相当高的专业度。画面清晰，对乐器细节的捕捉非常到位，特别是演奏家手指在琴弦上的运动轨迹，简直就是一堂视觉盛宴。更重要的是，它不仅仅展示了“怎么弹”，还花了相当的篇幅去阐释“为什么要这样弹”。那种对音乐理解深度的挖掘，让我开始重新审视那些耳熟能详的传统曲目。它不是简单地告诉你哪个音符要高，哪个音符要低，而是将音乐中的情感色彩和文化背景融入到演奏技巧的讲解之中。这种将技术与人文深度结合的教学方法，极大地拓宽了我的音乐视野，让我意识到，弹奏琵琶，演奏的绝不仅仅是音符，而是在讲述一个时代的故事，或者说，是一种哲学层面的思考。

评分☆☆☆☆☆

这套关于琵琶演奏的视频资料，从我接触到的情况来看，简直是音乐学习者的福音。它不仅仅是枯燥的指法讲解，更像是一场深入的艺术之旅。我记得我第一次翻阅那些曲目目录时，就被那种严谨的体系感所吸引。它似乎搭建了一个从入门到精通的阶梯，每一步都有清晰的指向性。特别是对于像我这样，总是在“想把曲子弹好”和“不知道下一步该练什么”之间徘徊的业余爱好者来说，这种循序渐进的结构简直是雪中送炭。我尤其欣赏它在示范部分所展现出的对细节的把握，那种对音色控制的微小调整，非专业人士可能不易察觉，但正是这些地方，决定了一首曲子是否能真正打动人心。我感觉，光是跟着视频把那些基础练习部分做到位，我的手型和力度控制上都有了立竿见影的改善，这比我自己对着镜子瞎琢磨有效率高出太多了。它成功地将复杂的演奏技巧，拆解成了可以被吸收和消化的知识点，而非高不可攀的艺术壁垒。

评分☆☆☆☆☆

我之前尝试过很多不同老师的教学资料，但往往会遇到一个问题：老师的风格过于强烈，导致学习者在模仿的过程中，很容易迷失在老师的个人印记里，反而无法形成自己的声音。但这套视频在处理风格差异上做得相当成熟老练。它在讲解经典曲目时，似乎能保持一种近乎学术研究的客观性，既尊重了传统流派的精髓，又鼓励学习者去探索自身的情感表达空间。我特别关注了其中对“意境”的阐述部分，那段描述对氛围的营造和情绪的过渡，真是妙不可言。它教会了我如何去“呼吸”乐句，而不是机械地完成每一个音符的连接。这种对演奏者主体性的尊重，让我感觉自己不是在被动接受指令，而是在与一位高明的导师进行深层次的对话。这种感觉，在其他许多严肃的教学体系中是很难获得的体验。

评分☆☆☆☆☆

对于那些想系统性地建立自己对二十世纪音乐发展脉络有基本认知的学习者来说，这套视频资料的辅助价值是无法估量的。它似乎巧妙地在传统技法与近现代演奏理念之间架设了一座桥梁。我个人对近现代作品的接触相对较少，总觉得那些“新”的技法和音响效果有些难以捉摸，缺乏传统曲目的那种历史厚重感。但这套教程在讲解一些跨越时代的曲目时，非常清晰地梳理了风格的演变逻辑。它没有回避那些可能引起争议的现代演奏手法，而是将其置于一个更宏大的文化背景下去解析其产生的必然性。这种对历史演进脉络的梳理，让我在面对那些看似“怪异”的音效时，不再感到茫然失措，而是多了一份理解和欣赏的角度。它帮助我建立了一个更完整、更具时代纵深的琵琶艺术地图。