正版中央音乐学院海内外考级曲目扬琴教程7-9级扬琴考级教材 扬琴(7-9级演奏级修订中央音乐学院海内 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 中央音乐学院出版社

ISBN：9787810965941

商品编码：29867446312

丛书名： 扬琴

开本：16开

出版时间：2013-12-01

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《民族器乐演奏精粹：竹弦的传承与创新》 本书旨在深入探讨中国民族器乐的丰富内涵与演奏技巧，聚焦于竹弦乐器在当代音乐语境下的发展与传承。全书结构严谨，内容翔实，涵盖了从基础技法到高级作品解析的多个维度，力求为民族器乐学习者、演奏者及研究者提供一份全面而深入的参考指南。 第一章：民族器乐的文化溯源与体系建构 本章追溯了中国民族音乐的历史脉络，阐述了在不同历史时期，以竹弦乐器为代表的宫廷音乐、民间音乐与文人音乐之间的相互影响与演变。重点分析了中国音乐在音阶结构、调式系统以及复调思维上的独特之处，为理解后续的演奏技术奠定了理论基础。我们详细考察了传统工笔画般的音乐审美取向，如何体现在对音色、力度和速度的细腻处理上。此外，本章还梳理了当代民族器乐教育体系的构建过程，探讨了如何在继承传统的基础上，融入现代音乐理念。 第二章：竹弦乐器基础技艺的深度解析 本章聚焦于竹弦乐器（如二胡、琵琶、古筝等，不含扬琴）的演奏基础。针对每一种主要乐器，我们进行了详尽的技术解剖： 运弓与指法原理： 详细分析了不同弓法（分弓、连弓、顿弓、撞弓等）在产生不同音色和音乐效果上的精确要求。在指法方面，探讨了揉弦（内弦、外弦、快揉、慢揉）的生理基础与听觉效果，以及按音的准确度控制。 音色塑造与控制： 音色是竹弦乐器的灵魂。本章深入探讨了如何通过击弦点、触弦角度、力度变化等因素，实现从“清脆”到“浑厚”、“苍劲”到“柔美”的音色转换。特别对一些特殊音效的模拟与生成进行了技术指导。 节奏与速度的精准把握： 探讨了复节奏、切分音在演奏中的处理，以及如何通过精确的节拍感来构建音乐的骨架。 第三章：传统曲目风格与演奏范式 本章选取了不同地域、不同流派的代表性传统曲目进行深入剖析。这不是简单的乐谱讲解，而是侧重于“风格模仿”与“情感再现”。 北方乐派的力度与气势： 以特定地域的代表作为例，分析其刚劲的节奏处理和大气磅礴的旋律线条是如何通过演奏技巧体现出来的。 南方丝竹的细腻与婉转： 探讨了江南丝竹中特有的“韵味”，即如何在快速的乐句中保持线条的清晰和情感的连贯性。 传统曲牌的结构解读： 以套曲结构（如《十面埋伏》、《汉宫秋月》）为例，讲解段落之间的情绪过渡和结构布局，指导演奏者如何把握全曲的宏观叙事感。 第四章：民族器乐的改编与现代作品探索 随着时代的发展，民族器乐在与西方音乐的交流中不断吸收养分。本章关注当代作曲家为竹弦乐器创作的新作品，以及传统曲目的改编。 现代技法的运用： 分析了如泛音、叠音、滑音等传统技法在现代作品中被赋予的新含义，以及一些借鉴了西方和声学、复调技巧的写作手法。 协奏曲的结构与配器挑战： 探讨了民族乐器与交响乐队合作时的平衡问题，包括如何在音量和音色上与管弦乐组有效融合，避免相互掩盖。 独奏作品的个人诠释： 强调了在演奏现代作品时，理解作曲家意图与融入个人艺术思考之间的平衡点。 第五章：民族器乐的教育学与演奏心理 本章从教学实践和演奏心理学的角度，为学习者提供实用的指导。 高效练习方法论： 提出了针对竹弦乐器特点的阶梯式练习方案，包括如何分解练习复杂乐句、如何通过慢练确保肌肉记忆的准确性，以及如何进行听觉训练以提高对音准的敏感度。 舞台表现力构建： 探讨了演奏者如何在舞台上有效传达音乐内涵，如何管理演奏前的紧张情绪，以及如何通过肢体语言来辅助音乐的表达。 跨文化交流的视野： 鼓励学习者拓宽视野，了解世界其他弦乐器的演奏传统，从而反思和提升自身乐器的表现潜力。 结语：传承与未来的交响 总结了竹弦乐器在当代音乐生态中的独特价值，并展望了其在数字化、全球化背景下的发展方向。本书秉持着对传统工艺的敬畏和对艺术创新的追求，旨在成为推动民族器乐走向更广阔舞台的坚实基石。全书配有大量图示和技术要点图表，确保了理论的深度和实践的可操作性。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我的感觉是，它不仅仅是一套教材，更像是一份完整的“演奏者宣言”。它挑战了我们对扬琴演奏极限的认知。我在练习其中几首极具挑战性的曲目时，发现它们对演奏者的耐力和精准度要求极高，这迫使我必须回归到最基础的功力训练上去，去打磨那些平时容易被忽视的小节和音符。它成功地将扬琴的演奏标准提升到了一个前所未有的高度，要求我们不仅要追求速度和力量，更要在“呼吸感”和“线条的流畅性”上下功夫。比如，对于那些需要模仿人声的乐段，书中的批注引导你去听其他声部的乐器演奏，思考如何用扬琴的“颗粒感”去模拟旋律的起伏，这是一种非常高级的跨乐器思维训练。总而言之，这本书是对学习者心态和技术的双重考验与提升，它让你知道，要达到这个级别，你必须付出多少努力，并且清晰地告诉你，应该往哪个方向去努力。它是一本能让你从“熟练工匠”蜕变为“音乐匠人”的必备阶梯。

评分☆☆☆☆☆

我尝试过市面上好几本高等级扬琴教材，坦白说，很多都显得有些“浮躁”，技巧堆砌，缺乏系统性。然而，这本教材给我的感觉却是沉稳而有深度的，它仿佛一位经验丰富、循循善诱的老师在身边指导。印象最深的是它对“音色控制”的处理，这是扬琴演奏中最难拿捏的一环，尤其是在表现那些需要细腻层次感的乐段时。书中对于竹码的选择、击弦的角度、力度变化，都有非常精妙的文字描述和配图示范，这比单纯听录音模仿要有效得多，因为它让你掌握了“主动权”，能根据自己的乐器特点进行微调。我个人觉得，这本书最大的贡献在于它成功地搭建了一座从“熟练”到“艺术化”之间的桥梁。它不要求你盲目跟风，而是引导你去挖掘自己声音中最独特的那一面。当你攻克了一个高难度技巧后，它会立刻引导你进入下一个层次的音乐理解，这种环环相扣的设计，让学习过程充满了成就感和探索欲，而不是枯燥的重复劳动。对于想在专业领域深耕的人来说，这本书无疑是提升演奏境界的必备工具书。

评分☆☆☆☆☆

从一个多年在音乐学院附属机构学习和交流的琴师角度来看，这本书的选曲视野非常开阔，体现了中央音乐学院的专业水准和对民族音乐传承的责任感。它没有拘泥于传统的几首“老面孔”，而是巧妙地融入了许多具有时代气息和地域特色的新创作或改编曲目。这对于我们这些肩负教学任务的老师来说，提供了极其宝贵的“弹药库”。每首曲子后面附带的“演奏提示”部分，简直就是我的私人备课笔记。这些提示，往往能点破我们在排练中遇到的瓶颈——比如某个转调处理得是否自然、某个模仿传统戏曲腔调的韵味是否到位。尤其是那些对力度和速度标记的细致区分，很多教材只是简单地用“f”或“p”，但这本书会用更复杂的术语来描述“渐强”、“突强”后的内在情绪变化，让学生明白力度变化背后的情感逻辑。这种细致入微的专业指导，极大地拓宽了学生的音乐视野，使他们不再局限于考级本身，而是真正学会如何去“解读”一部作品。

评分☆☆☆☆☆

这部教材真是让人眼前一亮，尤其对于我这种苦心钻研扬琴多年的乐手来说，简直是如获至宝。首先要提的是它的编排逻辑，简直是教科书级别的严谨。每一首曲目都不是孤立存在的，而是精心设计成一个递进的体系，从基础的技巧练习到复杂的音乐表现力，层层深入，让你在不知不觉中就跨越了几个技术难关。比如，在处理那些快速的轮竹和扫竹段落时，教材并没有简单地给出指法，而是深入剖析了手腕、手臂的运动轨迹，配以详尽的图解，让你明白“为什么”要这么做，而不是死记硬背。再者，乐谱的清晰度也值得称赞，五线谱和简谱的对照标注得非常精准，即便是初次接触高难度的曲目，也能迅速定位到准确的音高和节奏，这对于我们这些需要反复核对细节的演奏者来说，极大地提高了练习效率。我特别欣赏它在“音乐性”上的引导，不仅仅停留在“弹对”的层面，而是鼓励你去思考作曲家所处的时代背景和情感诉求，让每一次演奏都充满了生命力，而非冰冷的机械重复。这本书无疑是为那些追求卓越、不满足于现状的扬琴学习者量身打造的进阶指南，其价值远超一般考级曲目的简单汇编。

评分☆☆☆☆☆

我对这本书的装帧和排版设计深感满意，这在专业乐谱中往往是被忽略的细节，但它却直接影响到演奏时的直观感受。纸张的质地很好，不易反光，在舞台灯光下也能清晰辨认。但更重要的是，它的分段处理非常人性化。很多高难度的长篇乐曲，在其他版本中常常需要频繁翻页，导致演奏节奏被打断。而这本书通过合理的版面设计，尽量保证重要段落的完整性，使得我们在练习或正式演奏时，能够保持乐思的连贯性。另外，对于那些需要用到特定演奏技巧（如颤音、轮竹的长篇段落），教材在旁边特别标注了推荐的练习方法，而不是仅仅写出音符。这种对“如何练”的重视，体现了编者对学习者实际困难的深刻理解。它不是高高在上的理论指导，而是脚踏实地的实践手册，真正做到了“授人以渔”，让学习者在掌握曲目的同时，也掌握了解决未来技术难题的方法论。