正版 少儿初级强化训练视唱练耳（2DVD）滕缔弦视频讲解示范曲集 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

图书标签:

• 视唱练耳
• 练耳
• 少儿
• 初级
• 强化训练
• 音乐教学
• DVD
• 滕缔弦
• 视频
• 示范曲集

店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 高等教育出版社

ISBN：9787040365665

商品编码：29867453241

丛书名： 视唱练耳(附光盘2第3版)

开本：16开

出版时间：2013-05-01

• 出版社: 江苏音像出版社 (2009年4月1日)
• 外文书名: 
• DVD
• ISBN: 9787883978398
• 条形码: 9787883978398
• 商品尺寸: 19.2 x 14 x 1.8 cm
• 商品重量: 118 g

 

听觉训练 
01 掌握正确的练习方法 
02 音程听辩的四个步骤 
03 听辩练习 
旋律音程 和声音程 
04 大小三和弦 
节奏训练 
05 2/4 4/4拍的基本节奏 
06 十六分音符 
07 附点 
08 切分 
09 其他节奏 
三连音 休止符 连线 
10 3/4 3/8 6/8拍的基本节奏 
旋律听写 
11 2/4拍的旋律听写 

第二片
01 3/4拍的旋律听写 
02 带有升降号的旋律听写 
视唱 
03 音阶 音程级进形式的视唱 
04 以三度音程为主的视唱 
05 含有四度 五度音程的视唱 
06 常见节拍的视唱 
07 升号的视唱 
08 降号的视唱

《少儿视唱练耳》是为家长、幼儿园教师和三到五岁的孩子们写的。在内容的编排上紧紧围绕音符、音阶、节拍、节奏和自然大、小调的学习，以视唱为主线由浅入深，循序渐进地把识谱、听音、模唱和节拍节奏训练等融入其中，同时选编了中外一百多首孩子们爱听爱唱的歌曲作练习用。 

主讲：滕缔弦，1986年毕业于南京艺术学院并留校从事视唱练耳教学。1999年赴澳洲留学，专攻音乐教育专业，获得硕士学位。2001年回国后，在视唱练耳教学的同时承担奥尔夫音乐教学法的教学。2002年作为音乐家出访美国并荣获美国德州“达拉斯荣誉市民”称号。2004年赴新西兰，从事Barbershop合唱和音乐教育两方面的研究和考察。九十年代初，由她组建并指导的“圣女合唱组”是出版演唱专辑的女声合唱组合，影响广泛。

在二十多年的教学期间，她还多次出访美国，日本、奥地利、德国，意大利等地进行演出和学术交流。发表了《素质教育的途径》、《乐感的培养与其训练》、《阶梯、链环式的视唱练耳教与学——奥尔夫教学法的启示》、《达尔克罗兹、奥尔夫和柯达依三种音乐教学法的共性》等多篇学术论文。

好的，这是一份关于其他图书的详细简介，内容完全不涉及您提到的那本《正版 少儿初级强化训练视唱练耳（2DVD）滕缔弦视频讲解示范曲集》的相关信息。 --- 《西方音乐史纲要：从古至今的演变与流派》 作者： [此处可替换为虚构或真实的其他音乐史学家姓名] 出版社： [此处可替换为其他专业音乐出版社名称] 页数： 850页（含大量图表与乐谱示例） 内容简介： 本书旨在为音乐学习者、音乐史爱好者以及专业音乐研究者提供一部全面、深入且易于理解的西方音乐史概述。我们摒弃了传统教科书的枯燥叙述方式，转而采用一种流派交织、文化背景深挖的叙事结构，力求展现音乐是如何在特定的社会、政治和哲学思潮中孕育、发展并最终超越自身的历程。 第一部分：古典音乐的源头与中世纪的奠基（约公元500年—1400年） 本部分首先追溯了西方音乐的哲学根源，探讨了古希腊音乐理论（如毕达哥拉斯音律）对后世的深远影响。随后，焦点集中在中世纪的宗教音乐。我们详细剖析了格里高利圣咏的单音音乐特征、记谱法的起源与演变——从纽姆谱到五线谱的过渡。同时，本书并未忽略世俗音乐的活力，对游吟诗人和中世纪晚期的复调音乐的萌芽进行了细致的考察，特别是巴黎圣母院乐派的作品，揭示了音乐结构复杂化的早期尝试。 第二部分：文艺复兴的和谐之声与人文主义的光辉（约1400年—1600年） 文艺复兴时期被誉为“音乐的解放”。本章深入分析了人文主义思潮如何影响音乐创作，强调了对人声表现力和文本清晰度的追求。重点探讨了佛兰德斯画派（如雅克布·奥布雷赫特、若斯坎·德普雷）对无伴奏合唱复调技术的成熟运用。此外，书中专门辟出章节讨论宗教音乐（如帕莱斯特里那的弥撒曲）和世俗音乐（如法国香颂和意大利假面歌剧）的并驾齐驱，以及早期器乐的独立发展，为巴洛克时期的器乐繁荣埋下伏笔。 第三部分：巴洛克的高昂热情与结构的力量（约1600年—1750年） 巴洛克时期是音乐史上风格最为鲜明的阶段之一。本书通过详尽的分析，阐述了“巴洛克风格”的核心特征：情感的强烈表达、装饰音的运用、对位法的极致发展，以及“固定低音”的结构支撑。我们详细剖析了歌剧的诞生与发展，从蒙特威尔第的早期尝试到亨德尔的清唱剧巅峰。对于器乐领域，巴赫的对位艺术（《平均律钢琴曲集》、《赋格的艺术》）被置于核心地位，同时对维瓦尔第的小提琴协奏曲等重要的器乐体裁革新也进行了深入解读。 第四部分：古典主义的平衡、清晰与形式美学（约1750年—1820年） 在启蒙运动的背景下，音乐追求清晰、平衡和普适性。本部分着重研究了奏鸣曲式、奏鸣曲-快板曲式等古典主义核心结构的确立。海顿被誉为“交响曲之父”，其创作的系统性被细致梳理；莫扎特的旋律天才及其对歌剧的革新（如《费加罗的婚礼》中的人物刻画）被作为经典案例分析。同时，本书也探讨了贝多芬的早期与中期创作，预示着个人情感表达如何开始突破古典主义的既有框架。 第五部分：浪漫主义的激情、民族与个体叙事（约1820年—1900年） 浪漫主义是音乐史上一次剧烈的“主观化”转向。本书详细描述了音乐家如何将文学、哲学、自然景观和个人命运融入作品。重点分析了舒伯特的艺术歌曲（Lied）的叙事力量、肖邦对钢琴的独特处理，以及李斯特对交响诗这一新体裁的开创。此外，对于民族主义音乐的兴起——如俄罗斯五人组、捷克作曲家斯美塔那——本书也给予了充分的关注，展示了音乐如何成为文化身份的载体。 第六部分：二十世纪的多元探索与风格分裂（约1900年至今） 进入现代，音乐语言经历了空前的破碎与重建。本章是全书篇幅最长、分析最细致的部分。我们系统梳理了德彪西和拉威尔所代表的印象主义的色彩探索；斯特拉文斯基的原始主义与新古典主义的交替；勋伯格建立的十二音体系及其序列主义的逻辑；以及巴托克等人在民族音乐学领域的扎实根基。最后，本书还简要触及了二战后电子音乐、偶然音乐（如约翰·凯奇）的激进实验，以及当代极简主义音乐的回归。 特色亮点： 乐谱对照分析： 书中大量嵌入关键乐段的五线谱与和声分析图，帮助读者直接从音乐本体理解理论。 时代背景交叉索引： 每一章节后附有“同期世界”板块，对照文学、艺术、科技的重大事件，帮助读者构建跨学科的知识网络。 演奏家视角： 穿插引用了多位著名演奏家和指挥家对特定作品的诠释心得，提供了舞台实践的洞察。 本书是音乐专业学生提升理论深度、历史爱好者拓展视野、以及所有热爱西方艺术的人士不可多得的权威参考指南。它不仅记录了历史，更激发了读者去倾听、去理解音乐背后那永恒的人类精神探索。 --- 《室内乐的精妙构建：从海顿到肖斯塔科维奇的对话艺术》 作者： [此处可替换为其他虚构或真实音乐理论家姓名] 出版社： [此处可替换为其他音乐学术出版社名称] 页数： 620页 内容简介： 室内乐，常被誉为音乐的“最纯粹形式”，因为它要求演奏者之间进行最紧密的配合、最细致的聆听和最深刻的理解。本书深入剖析了西方室内乐体裁的演变史，尤其聚焦于重奏技巧、织体处理以及不同乐器组合之间的对话艺术。 本书将室内乐的演进分为三个核心阶段进行阐释：前奏阶段（早期奏鸣曲与三重奏）、成熟阶段（古典主义四重奏的典范），以及革新与解构阶段（浪漫主义至二十世纪）。 在古典主义部分，我们把海顿称为“四重奏之父”并非空穴来风。书中通过对海顿晚期作品的详细分析，揭示了弦乐四重奏如何从一种优雅的娱乐形式，发展成为一种承载复杂哲学思考的严肃体裁。莫扎特的室内乐作品，特别是那些为特定乐器（如单簧管五重奏）而作的杰作，展示了他如何平衡不同音色间的独立性与融合性。 进入浪漫主义时期，室内乐的篇幅被拉长，情感表达更为浓烈。舒伯特的鸿篇巨制（如《大提琴五重奏》）探讨了大型结构如何在小型乐器配置中得到展现。勃拉姆斯则在复兴巴赫和贝多芬古典结构美学的同时，注入了深刻的德奥浪漫主义情怀，其三重奏与四重奏是研究配器平衡的绝佳范例。 二十世纪的部分，本书探讨了室内乐如何应对新的音乐语言挑战。德彪西的弦乐四重奏如何利用音色而非传统和声来构建音乐空间；勋伯格的早期作品如何挣扎于调性的边界；以及肖斯塔科维奇在严酷环境下如何运用讽刺、隐喻和传统结构来构建具有强烈社会意义的重奏作品。 本书的价值在于其对“对话”的关注——如何在有限的乐器配置下，创造出无穷无尽的声部互动、模仿、追逐与和解。书中包含了大量详细的声部进行图示和技术要求说明，对于乐器演奏家和作曲专业学生具有极高的参考价值。

评分☆☆☆☆☆

这套教材给我的整体感觉是它非常注重“听说读写”的全面联动，并且努力在传统与现代之间寻找平衡点。它在确保了基础视唱练耳的核心训练标准不放松的前提下，似乎也试图将一些现代音乐教育的理念融入其中，使得学习过程不那么刻板。比如，某些章节的练习曲目选择，虽然是基础的训练，但旋律走向和节奏律动上，比我以前见过的老教材要“活泼”一些，更贴近现代儿童的听觉审美习惯。这种“与时俱进”的细微调整，使得整套书的生命力更强，让孩子在接受严谨训练的同时，不会因为内容过于陈旧而产生抵触情绪。它像是一座桥梁，稳固地连接着音乐学习的严谨性和现代学习者的接受度。

评分☆☆☆☆☆

这套书的封面设计得非常吸引人，色彩鲜明，字体清晰，一看就知道是专门为孩子们准备的。我记得我当初在书店看到它的时候，就被封面上那些活泼的卡通形象吸引住了，特别是那些音符和乐器的小插画，让人觉得学习音乐原来可以这么有趣。这本书的装帧质量也相当不错，纸张厚实，印刷清晰，即使用了一段时间也不会轻易磨损。我特别欣赏它整体的排版风格，看起来非常专业，但又不会让人觉得枯燥乏味。每一页的布局都考虑到了小读者的视觉习惯，留白恰到好处，不会让眼睛感到疲劳。而且，书的开本大小也非常合适，方便孩子拿取和翻阅。光是看着这本书，就能感受到出版方在制作上的用心，为初学音乐的孩子们提供了一个既美观又实用的学习工具。希望内容也能像外表一样出色，真正做到寓教于乐。

评分☆☆☆☆☆

当我翻开书本内容时，首先注意到的是它的结构安排，真是逻辑严谨，循序渐进。它似乎完全明白初学者，尤其是少儿在接触视唱练耳时会遇到的困难点。从最基础的音高识别开始，每一个新的概念引入都伴随着大量的、精心设计的练习题，保证了知识点的扎实掌握。我注意到它没有急于求成，而是花了相当的篇幅在“打地基”上，比如对节奏型的分解和对基础音程的反复巩固。这种“慢工出细活”的处理方式，让我对它最终的学习效果充满了信心。而且，练习题的设计非常巧妙，不是简单的重复机械操练，而是融入了一些小小的变化和情境设置，这能极大地激发孩子保持学习兴趣，避免产生厌烦情绪。这种兼顾了系统性与趣味性的编排，是很多同类教材所欠缺的。

评分☆☆☆☆☆

这本书最大的特点，或者说最让我感到惊喜的地方，在于它对“强化训练”的实际诠释。这套书并不是那种泛泛而谈的理论介绍，而是真正落实到了“练”字上。我发现它对那些看似简单实则容易出错的细节进行了魔鬼式的训练和强调，比如某个特定调性下的高音处理，或是复杂三连音的准确时值把握。很多传统的教材可能一笔带过，但这本书却用好几页的篇幅去专门攻克这些难点。对于那些希望孩子能快速提升视唱硬实力的家长和老师来说，这种“不放过任何一个漏洞”的编排风格，无疑是极具价值的。它似乎在告诉我们，扎实的功底需要付出汗水和重复，而这本书就是高效的“汗水催化剂”。

评分☆☆☆☆☆

从一个家长的角度来看，我非常看重教材的“可操作性”和“辅助性”。这本书在设计上似乎充分考虑到了家长或老师在辅导过程中可能面临的挑战。比如，每组练习后常常会附带一些简短的提示性说明，这些提示往往能点出学生容易犯错的关键点，使得辅导者能够有的放矢地进行指导，而不是茫无目的地重复。这种清晰的路径指引，大大减轻了非专业背景家长的辅导压力。如果说教材是骨架，那么这些贴心的提示和指引就是让骨架丰满起来的血肉，它让学习过程变得更加流畅和高效。一个好的教材，不仅要教孩子知识，更要赋能给引导者，这本书在这方面做得非常到位。