指挥教材 全国高等学校科专业教师教育音乐理论教程 乐理 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787807510932

商品编码：29867449684

丛书名： 指挥

开本：16开

出版时间：2012-05-01

 

 

 

目录 前言
引言
第-章指挥艺术概述
第-节指挥艺术发展简史
第二节指挥的作用
第三节指挥的工作
一、建设与训练团队
二、选择合适的艺术作品并提出具体的艺术处理意见
三、计划与指导排练和表演的全过程
第四节学习指挥应具备的基本条件
一、培养敏锐的音乐音响听辨能力
二、提高熟练识谱的能力
三、发展对于音乐的理解力、感受力和表现力
四、学习全面的音乐理论知识
第二章指挥法基础
第-节指挥的姿态
一、手
二、眼
三、身
四、法
五、步
第二节指挥的基本动作
一、预备式
二、击拍动作
三、指挥的动作范围
四、起始与收束
第三节指挥图式
一、二拍子
二、三拍子
三、四拍子
四、其他拍子
第三章指挥的表现方法
第-节指挥的双手分工
第二节图式变化与音乐表现的关系
第三节指挥的“语言”
第四节指挥的主动与被动
第五节其他指挥常识
一、指挥的区别
二、不同的指挥方式
三、乐队指挥的注意事项
四、应当避免的动作
第四章不同音乐表现的指挥技术
第-节呼吸与分句
第二节力度的变化
一、强与弱
二、渐强与渐弱
三、突强与突弱
第三节速度的变化
一、快与慢
二、渐快与渐慢
三、突快与突慢
四、分拍与合拍
五、速度变化练习
第四节其他音乐表现
一、长音与保持
二、连音与断音
三、音色和语气
第五节其他击拍方法
一、附点音符
……
第五章合唱训练的基本要求与方法
第六章练习曲
参考书目
后记

 

 

内容推荐 《全国普通高等学校音乐会（教师教育）本科专业教材：指挥》特点：
一、紧扣音乐学（教师教育）的办学方向和培养目标，强化音乐教师教育的专业化要求。这套教材是在21世纪国家基础教育课程改革全面推进的大背景下编写的。“为基础教育服务”是《方案》和《纲要》着力突出的理念，并正逐步成为高校音乐学（教师教育）工作者的共识。在这一教育背景下，教材编写者根据不同专业课程的特点，在教学材料组织、范例选取、活动设计、练习要求等方面，力求突出教材的“师范性”。
二、教材体现了不同课程自身的逻辑体系，教材构架和教学内容体现了基础性与时代性的兼容。“师范性”与“学术性”不应该是对立相斥的。这套教材突出强调了教师教育的培养目标，但并不是以降低、削弱课程应有的学术含量为代价。这里的关键在于从什么角度、用什么标准来衡量音乐学（教师教育）专业课程教材的学术性。这套教材的编写者以培养高素质音乐教育工作者的培养目标为出发点，精选本课程重要的基础知识、基本技能，同时关注本课程的发展前沿，将与本课程相关、并在学术界有定评的新知识成果纳入教材中。
三、这套教材具有综合性的特点，体现了不同学科课程的交叉与融合。《方案》对以往音乐教师教育的传统课程做了必要的整合，这样的整合，虽然在一些高师院校已有不同的教学实践基础，但一直缺少公开出版的成型教材。这次呈现在读者面前的《乐理与视

 

图书简介：交响诗的色彩与结构：十九世纪器乐叙事艺术探析 作者： [此处留空，或填写虚构作者名，如：李明远] 出版社： [此处留空，或填写虚构出版社名，如：时代文艺出版社] 出版年份： [此处留空，如：2023年] 定价： [此处留空，如：88.00元] --- 第一部分：导论——叙事性音乐的兴起与时代背景 本书旨在深入剖析十九世纪欧洲器乐作品中“叙事性”（Narrative）和“文学性”（Literary）的交织与融合，重点聚焦于交响诗这一新兴体裁如何成为作曲家表达复杂思想、描绘宏大场景和刻画细腻情感的有效载体。我们完全避开基础乐理知识的讲解，不涉及任何关于音高、节奏、和声基础规则的教学内容，而是将视角完全投向音乐的“意义”层面及其在特定文化环境下的演变。 十九世纪是浪漫主义思潮席卷欧洲的时代，哲学、文学、绘画等艺术门类间的界限日益模糊。音乐，作为最抽象的艺术形式，迫切需要寻找一种方式来与听众进行更直接、更具象的交流。传统的交响曲和奏鸣曲形式，虽然在结构上达到了古典主义的顶峰，但在表现日益膨胀的个体情感和对历史、神话的关注时，显得力不从心。正是在此背景下，以李斯特（Franz Liszt）为代表的作曲家们，通过将音乐结构与既定的文学蓝本或非音乐观念直接挂钩，催生了交响诗这一革命性的体裁。 本书的第一个部分首先梳理了这种“跨媒介”创作思潮的哲学基础，探讨了施莱格尔兄弟的浪漫主义文学理论如何影响了对“绝对音乐”的反思，以及黑格尔的“精神性”表达在音乐领域中的投射。我们分析了早期浪漫主义音乐家如何从贝多芬晚期作品中寻找线索，特别是对《田园交响曲》等带有明确标题和场景描绘的作品的重新解读，为交响诗的诞生铺设了文化土壤。 第二部分：交响诗的诞生与结构重塑 本章将聚焦于交响诗体裁的正式确立及其在结构上的根本性变革。与严格遵循呈示部、发展部、再现部固定模式的古典交响曲不同，交响诗的结构完全服从于其所要描绘的叙事内容。我们摒弃了对传统曲式单元的分析，转而探究“主题转化”（Thematic Transformation）在交响诗中的核心作用。 核心议题一：李斯特的结构创新。 我们将详细剖析李斯特的十二首交响诗，如《前奏曲》（Les Préludes）和《奥尔弗斯》（Orpheus），如何运用主题的动机分解、节奏拉伸、调性游移等手法，实现“一元结构”（Monothematicism）。这种结构不再是音乐自身的逻辑推进，而是叙事线索的视觉化呈现。例如，如何通过一个核心动机的不断变异来象征人物性格的成长或命运的起伏。 核心议题二：叙事逻辑与音乐逻辑的张力。 叙事性要求音乐必须在特定的时间点交代“情节”的进展，这常常会打破音乐内在的平衡感。本节通过对斯美塔那（Bedřich Smetana）的《我的祖国》（Má Vlast）组曲中的《伏尔塔瓦河》（Vltava）的深入听辨分析，探讨作曲家如何通过配器色彩和旋律线条的变化，精确地“绘制”河流的流向、瀑布的湍急和民间婚礼的热闹场景，这些都超越了纯粹音乐语言的范畴。 第三部分：民族主义浪潮中的交响诗与地域色彩的音乐化 十九世纪中后期，欧洲各国的民族意识觉醒，音乐成为表达国家身份和文化自豪感的重要工具。交响诗以其高度的自由度和明确的指向性，成为民族乐派作曲家最青睐的武器。本章着重分析地域性叙事如何被音乐语言所吸收和编码。 主题分析：俄罗斯五人组的史诗叙事。 穆索尔斯基（Modest Mussorgsky）的《秃山上的 ঐ夜》（Night on Bald Mountain）展示了作曲家如何利用不协和音响、怪诞的管弦乐织体以及对民间旋律的粗粝运用，来表现斯拉夫神话中黑暗、原始的力量。我们探讨这些“非学院派”的音乐处理方式如何有效地服务于超自然主题的描绘。 主题分析：北欧的自然与神话。 芬兰的西贝柳斯（Jean Sibelius）的《芬兰颂》（Finlandia）和《萨尔萨帕》（Särkyneitä Sydämiä）则是另一种模式，它们将对祖国土地的深沉情感、对古代史诗的致敬，融入到宏大、深邃的管弦乐布局中。本书会分析西贝柳斯如何通过对弦乐的精妙处理和对铜管的克制使用，营造出北欧特有的冷峻与史诗感，而非依赖于直接引用民间曲调。 第四部分：德奥体系的延伸：从叙事到心理深度 德奥传统对交响诗的接纳相对更为谨慎，他们倾向于将叙事元素转化为更抽象的哲学或心理层面的探讨。本章将分析勃拉姆斯（Johannes Brahms）的“反交响诗”态度，以及瓦格纳（Richard Wagner）对后世管弦乐叙事的影响。 瓦格纳的音画图景。 虽然瓦格纳主要活跃于歌剧领域，但他为管弦乐撰写的“前奏曲”和“间奏曲”实质上就是浓缩的交响诗。我们分析《特里斯坦与伊索尔德》前奏曲中，如何通过对“不满足”和弦（Tristan Chord）的不断徘徊与推迟解决，来表现无尽的渴望，这是一种纯粹心理状态的音乐化，与具体情节的叙述无关。 理查·施特劳斯（Richard Strauss）的巅峰之作。 施特劳斯将交响诗推向了技艺和表现力的极致。本书将集中分析他的“幻想交响诗”系列，如《唐璜》（Don Juan）、《查拉图斯特拉如是说》（Also sprach Zarathustra）和《英雄生涯》（Ein Heldenleben）。我们不讨论其乐谱技术，而是侧重分析施特劳斯如何运用“主导动机”（Leitmotif）系统——一种源自瓦格纳但应用于器乐叙事的新系统——来刻画人物的复杂性（如唐璜的放荡与幻灭），以及如何通过极其庞大和细致的配器来描摹超越人力的哲学命题（如《查拉图斯特拉》中对“超人”概念的音响诠释）。 结语：超越界限的艺术生命力 本书最后将总结十九世纪交响诗对二十世纪音乐的深远影响，探讨其如何为电影配乐的叙事手法提供了直接的语言模板。我们强调，交响诗的价值不在于它是否“忠实地”复述了一个故事，而在于它如何利用音乐本身的结构和音响资源，创造出一种与文学叙事平行且具有独立美学价值的听觉体验。本书力求通过精细的文本分析和深刻的时代背景考察，为音乐研究者和深度爱好者提供一个审视叙事音乐的全新视角。

评分☆☆☆☆☆

我以前学乐理的时候，总是感觉那些枯燥的规则和术语像高墙一样挡在面前，难以逾越。但这本教材的叙述方式，简直是把我从“学霸”的泥潭里硬生生地拽了出来。它不是简单地罗列“是什么”，而是深入探讨“为什么”。比如讲到和声进行时，它会结合大量古典时期和浪漫主义时期的实例进行剖析，甚至会穿插一些音乐史的小故事，让你立刻明白某个规则是如何在历史的长河中被确立和完善的。这种带着历史厚度和人文关怀的讲解，使得抽象的理论瞬间变得鲜活起来，仿佛你不是在啃教材，而是在听一场精彩的音乐会解说。最让我惊喜的是，书中对于一些容易混淆的概念，比如旋律的张力与解决，都有非常精妙的比喻，一下子就能击中靶心，解决了我长期以来的困惑点。这种打破常规，注重“理解而非记忆”的教学理念，是这本教材最大的亮点。

评分☆☆☆☆☆

这本书的配套资源系统性太强了，绝非那种“光盘在侧，内容缺失”的尴尬境地。我特别关注了线上辅助学习平台的搭建，发现编者团队显然投入了巨大的精力去打磨数字内容。在线上资源库中，我找到了海量的听辨材料和示范演奏音频，而且这些音频的质量非常高，录音棚级别的纯净度让我能清晰地辨别出每一个细微的音高和音色变化。更绝妙的是，它提供了一些互动式的自我测试模块，可以即时反馈你的掌握程度，并根据你的弱项推送巩固练习，这种个性化的学习路径设计，极大地提升了我的学习效率。尤其是在复杂的节奏型和不和谐音程的听辨练习中，这种即时反馈的机制避免了错误习惯的固化，真正实现了“即学即测，即测即改”。

评分☆☆☆☆☆

阅读这本书的过程，与其说是在“学习”，不如说是在进行一次深度的音乐“对话”。我注意到，它在处理一些前沿或争议性的理论问题时，并没有采取一言堂的武断态度。相反，它会呈现出不同的学派观点，鼓励读者进行批判性思考。例如，在探讨十二音体系的审美价值时，作者引用了多位音乐美学家的论述，引导我们思考音乐的本质是否应该被固定的法则所束缚。这种开放式的学术探讨，极大地拓宽了我的视野，让我意识到音乐理论并非一成不变的教条，而是一个不断发展、充满活力的学科领域。它培养的不仅仅是技术上的熟练度，更是一种对音乐现象保持好奇心和探究精神的学术气质，这对于培养未来的艺术工作者来说，是至关重要的内在素养。

评分☆☆☆☆☆

作为一名未来的音乐教育者，我深知理论知识必须转化为实际的教学能力。这套教材在这方面做得尤为出色，它完全站在了“如何教好音乐理论课”的角度来构建内容的。每一章末尾的“教学反思与实践指导”部分，简直是我的救命稻草。它不仅仅是简单的练习题，而是提供了多种情境化的教学案例，比如如何向非音乐专业的学生解释调式转换的色彩差异，或者如何设计一个互动环节来巩固对位法的基本原理。这些内容极具操作性，让我能够提前预演未来站在讲台上的情景。坦白说，很多参考书只教你“知识”，但这本书教你的是“如何成为一名优秀的知识传递者”。它让我从一个单纯的理论学习者，开始向一个具备教育思维的专业人士转变，这种附加值的体现，是金钱衡量不了的。

评分☆☆☆☆☆

这套教材的封面设计简直是一股清流，简洁大气，没有那种传统教材特有的板正和说教感。光是翻开扉页的那一刻，我就被那种对知识的尊重和对美学的追求所吸引。装帧质量相当可靠，纸张的质地摸起来非常舒服，即使用力书写也不会轻易洇墨，这对于我们这些需要大量圈点批注的师范生来说简直是福音。而且，排版布局的处理非常人性化，字体选择既保证了清晰度，又避免了长时间阅读带来的视觉疲劳。不得不提的是，章节之间的过渡设计得极其自然流畅，不像有些教材那样生硬地堆砌知识点，而是像一位经验丰富的老教授在循循善诱，让你在不知不觉中就领悟了乐理的核心精髓。即便是初次接触乐理的同学，也能感受到编者在引导思维路径上的匠心独运，这种潜移默化的教学方式，远比死记硬背来得有效得多。总而言之，从物理层面上来说，这本书的制作水准已经达到了可以收藏的级别。