正版勃拉姆斯D大调小提琴协奏曲入门教程 2VCD视频教学教材CD伴奏 京剧知识声腔艺术赏析 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 文化艺术出版社

ISBN：9787503936333

商品编码：29867453608

丛书名： 京剧知识声腔艺术赏析

开本：26开

出版时间：2009-03-01

 

 

曲目 第I片：1-3 第I乐章 不太快的快板4 华彩第二片：1 第二乐章 柔板2-3 第三乐章 快板，高兴的；但不过于活泼伴奏碟：1、第I乐章 不太快的快板2、第二乐章 柔板3、第三乐章 快板，高兴的；但不过于活泼    

 

 

 

 

内容介绍 主讲：上海音乐学院 郑石生 教授。 郑石生教授——小提琴演奏家，教育家，原上海音乐学院管弦系主任。 1961年在埃涅斯库小提琴比赛中获奖，被评委称为“掌握巴赫作品风格的人”。1963年获第四届“上海之声”小提琴比赛第I名。录制过大量小提琴作品唱片，曾与上海交响乐团合作演奏了莫扎特第五、门德尔松、柴科夫斯基、哈恰图良、梁祝等小提琴协奏曲，并在世界各地举办过数百场小提琴独奏音乐会。数十年来，他的学生遍及世界，多人、多次在重大比赛中获奖，他们有的在英国皇家音乐学院任教授，有的在世界乐团担任首席。 郑石生教授还经常担任小提琴比赛评委，并担任文化部青少年小提琴比赛评委会副主任、少儿小提琴比赛评委会主任、小提琴考级委员会副主任等职。被收录《二十世纪中国名人辞典》、《中国当代名人录》、《中国近现代音乐家传》中。为表彰他在小提琴艺术上的突出贡献，1992年国务院为他颁发了政府特殊津贴及证。 

 

好的，这是一份关于一本假设的、不包含您提供的书名的图书的详细简介。 --- 书名： 《探寻古典音乐的殿堂：从巴赫到德彪西的西方音乐史》 作者： 亚历山大·科恩 / 艾琳·陈 出版社： 文汇艺术出版社 装帧与规格： 精装，双色印刷，共计 850 页，附赠在线资源访问码。 定价： 人民币 188.00 元 --- 图书简介： 《探寻古典音乐的殿堂：从巴赫到德彪西的西方音乐史》是一部旨在为音乐爱好者、初级专业学生以及对西方艺术史有深厚兴趣的读者提供全面而深入导览的权威著作。本书摒弃了传统音乐史教材的枯燥与刻板，以叙事性的笔触和精湛的分析，将西方音乐自中世纪晚期至印象主义巅峰的演进历程，清晰而富有张力地呈现在读者面前。 本书的视角独特，它不仅仅是作曲家与作品的罗列，更着重于探讨音乐风格如何与当时的社会思潮、哲学观念、技术革新以及艺术思潮相互作用、相互塑造。我们相信，理解音乐的最好方式，是理解它诞生的土壤。 核心内容与结构解析： 本书共分为五个宏大篇章，辅以大量的乐谱节选、历史插图与关键术语解析。 第一篇章：奠基的时代——从复调到巴洛克的曙光（约1300-1685年） 本篇详细考察了中世纪晚期和文艺复兴早期复调音乐的发展脉络。重点分析了奥古斯都教派（Ars Nova）的结构突破，以及尼德兰乐派（如雅各布斯·奥布雷赫特）如何将人声对位推向技术高峰。随后，篇幅集中于早期歌剧的诞生——佛罗伦萨卡梅拉塔的理论探索，以及蒙特威尔第如何以戏剧性的激情打破了纯粹对位法的束缚，开启了巴洛克时代的大幕。我们深入剖析了“数字低音”的结构意义及其对音乐织体的影响。 第二篇章：巴洛克的辉煌与逻辑——对位法的巅峰（约1685-1750年） 巴洛克时期被誉为音乐的“理性时代”。本章将重点剖析巴洛克晚期那令人叹服的结构严谨性。我们不仅对约翰·塞巴斯蒂安·巴赫的《赋格的艺术》、《平均律钢琴曲集》进行了深入的结构分析，探讨其严密的对位逻辑，同时也详细考察了亨德尔的清唱剧（如《弥赛亚》）如何将戏剧性、公众性与精湛的复调技巧完美结合。此外，本章还探讨了意大利协奏曲形式的确立，特别是维瓦尔第对器乐体裁的贡献。 第三篇章：古典主义的优雅与结构——“清晰性”的追求（约1750-1820年） 古典主义是音乐史上对“形式”和“平衡”追求的极致。本篇将目光投向维也纳古典乐派三杰：海顿、莫扎特与贝多芬。我们细致梳理了奏鸣曲式（Sonata Form）的结构演变，探讨了海顿如何奠定交响曲的蓝图，莫扎特如何以其无与伦比的旋律天赋和戏剧洞察力赋予室内乐和歌剧以新的生命。进入贝多芬晚期，我们探讨了英雄主义主题的构建，以及他如何通过对传统结构的突破（如扩展尾声、引入主观情感的表达），预示了浪漫主义的到来。 第四篇章：浪漫的激情与个体的声音（约1820-1890年） 随着社会思潮转向对个人情感、自然崇拜和民族精神的关注，音乐进入了前所未有的情感抒发阶段。本章详述了艺术歌曲（Lied）的兴起，舒伯特和舒曼如何将诗歌的内涵与钢琴伴奏的叙事性融为一体。对于大型器乐作品，我们关注了柏辽兹的“意象旋律”概念，以及李斯特对单乐章交响诗的创造性贡献。此外，本篇也详尽讨论了瓦格纳的“主导动机”理论及其在歌剧改革中的激进地位，以及勃拉姆斯在面对历史压力时，如何以“新德意志”的身份坚守绝对音乐的纯粹性。 第五篇章：风格的拓展与技术的极限——从后浪漫主义到印象主义（约1890-1910年） 本章聚焦于晚期浪漫主义的宏大叙事与向现代性的过渡。我们分析了马勒交响曲中对人类生存困境的史诗式表达，以及理查·施特劳斯在音画诗中对管弦乐色彩的极致运用。随后，我们将视角转向法国，深入解析德彪西如何通过模糊调性、使用全音阶和五声音阶，创造出一种捕捉光影、气氛与瞬间感受的音乐语言——印象主义，从而为二十世纪的音乐探索开辟了全新的维度。 本书特色： 1. 视觉化的分析工具： 随书附赠的在线资源包含数百个高清音频片段链接，并提供了定制的“结构分解图”，帮助读者直观理解赋格、奏鸣曲式等复杂结构的内部运作。 2. 文化语境的深度结合： 每讨论一个重要时期或作曲家，都会穿插该时期欧洲哲学（如康德主义、叔本华哲学）和文学思潮（如浪漫主义文学、象征主义）的简要介绍，使读者理解音乐是如何在“时代精神”中孕育而生的。 3. 跨学科对话： 本书特设“技术革新侧记”专栏，讨论了乐器制造（如钢琴击弦机制的改进）、记谱法的变化以及音乐院体系的建立对作曲实践的具体影响。 《探寻古典音乐的殿堂》不仅是一本教科书，更是一场穿越时空的音乐之旅。它引导读者超越旋律本身，去聆听历史的回响，去理解那些伟大的结构背后所蕴含的人类智慧与情感深度。无论您是初次接触古典音乐，还是希望系统性地梳理知识体系的资深爱好者，本书都将成为您案头不可或缺的指南。

评分☆☆☆☆☆

伴奏CD的加入，简直是为我这种经常需要独自练习的琴童（尽管我已经不小了）量身定做的神器。练习协奏曲最大的难点之一，就是如何找到那种与钢琴声部和谐共存的感觉，尤其是在没有真人钢琴师陪练的情况下。这本书提供的伴奏，我试听了一下，音质纯正，钢琴的力度层次感做得非常到位，完全模拟了专业合作的场景。它的速度控制非常精准，既有用于慢速精细打磨的“慢练版”，也有接近正式演出速度的“冲刺版”。这对于训练听觉的独立性和对节奏的把控能力至关重要。过去我只能用节拍器，枯燥乏味，现在有了如此高质量的“假想对手”，练习的积极性都提高了不少。它让我得以在不打扰他人的情况下，反复沉浸在与“乐队”对话的氛围中，这对于建立协奏曲的整体结构感是不可替代的辅助工具。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我对京剧的部分本来是抱着一种“凑数”的心态随便翻翻的，毕竟我的主攻方向还是西方的古典乐器演奏。然而，这本书的“声腔艺术赏析”章节，却给了我一个完全意料之外的惊喜。作者在介绍传统戏曲艺术时，那种细腻入微的观察和深入骨髓的理解，让我这个初学者都感受到了不同艺术门类的共通之处——都是对人类情感最极致的表达。它没有用那种高高在上的学术腔调，而是用一种非常接地气，甚至带点儿“老先生讲戏”的亲切感，把梅派的韵味、程派的刚劲，讲得活灵活现。特别是关于“气口”的讲解，虽然是用在声乐上的概念，但联想到小提琴演奏中的换气与呼吸，简直是茅塞顿开！这种跨界的融合，让这本书的价值瞬间提升了好几个档次，它不再是孤立的技巧手册，而是一本关于“艺术呼吸”的哲学指南。我已经开始尝试用京剧中的“慢板”处理一些慢速乐段，效果出奇地好，多了几分回味无穷的韵味。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计实在是太吸引人了，那种古典的字体搭配上深沉的酒红色，一下子就让人联想到音乐厅里庄严肃穆的氛围。我一直对勃拉姆斯的这位“巨匠”心生敬畏，尤其是他那部D大调小提琴协奏曲，每次听总感觉自己像是站在一个宏伟的建筑群前，细节丰富到让人目不暇接。这本书的排版给我的第一印象是专业且严谨，那种仿佛能触摸到乐谱的质感，让人忍不住想立刻翻开它，拿起琴弓，跟随教程的指引，去探索那些深藏在音符背后的情感波澜。它不仅仅是一本教程，更像是一张通往德奥浪漫主义音乐殿堂的邀请函，对于那些渴望真正理解这首协奏曲精髓的琴手来说，无疑是份厚礼。我特别期待它对慢乐章那种如歌的旋律的处理，那简直是勃拉姆斯留给世间最温柔的低语，希望能从中学到如何用琴声真正“唱”出来，而不是仅仅“拉”出来。这本教材光是看着，就让人感觉自己的技术和对音乐的理解力都在无形中被提升了一个层次。

评分☆☆☆☆☆

视频教学（2VCD）的配置，对于现今的教学方式来说，是极其必要的补充。我一直觉得，光看谱子和文字，很多指法和弓法的细微差别是无法体会到的。比如勃拉姆斯协奏曲中那些快速的琶音和复杂的揉弦技巧，光靠想象力很容易走偏。我迫不及待地观看了第一张VCD的开篇部分，视频的清晰度非常高，拍摄角度也设置得很合理，能清楚地看到演奏者左手的按弦位置和右臂运弓的力度变化。更让我赞赏的是，教程的讲解者似乎是一位经验极其丰富的一线教师，他不仅示范了“怎么做”，更重要的是解释了“为什么这样做”。比如他对“分弓与连弓”在不同情绪下的细微调整，那种微妙的力度控制，文字描述往往显得苍白无力，但亲眼目睹，再配合慢镜头回放，一切都豁然开朗了。这套视频教程的制作水平，完全可以媲美专业音乐学院的内部教材，极大地缩短了自学者与大师之间的“视听鸿沟”。

评分☆☆☆☆☆

如果说有什么让我感到略微意外，那就是京剧知识部分与勃拉姆斯教程之间的衔接处理。坦率地说，初次阅读时，我担心这种跨越了数百年、横跨了数个地理区域的知识并置，会显得突兀甚至有些牵强。然而，深入阅读后，我发现编者巧妙地运用了“节奏的张力”和“情感的张力”这两个共通的美学概念来串联它们。比如，分析勃拉姆斯D大调中那种德奥式的内敛与宏大叙事，然后立刻转向京剧行腔中那种“以小见大”、“以虚写实”的舞台处理哲学。这种对比并非生硬的堆砌，而是提供了一种全新的、具有东方视角的审视角度。它教会我，音乐的表达没有绝对的地域界限，无论是激昂的管弦乐排山倒海，还是旦角一个轻微的眼神，其核心都是对人类复杂情感的精准捕捉和释放。这本书的深度和广度，远超我拿到它时预期的“一本标准的乐谱教材”的范畴，它更像是一本培养全面艺术鉴赏力的工具书。