具体描述
第-片：引子与回旋随想曲 1-4 讲解辅导 第二片： 1-3 讲解辅导 4 示范演奏 第三片：茨冈 1-3 讲解辅导 第四片： 1-3 讲解辅导 4 示范演奏 欣赏伴奏碟： 引子与回旋随想曲 圣·桑曲 1、演奏篇 2、伴奏篇 茨冈 拉威尔曲 3、演奏篇 4、伴奏篇
林朝阳，是中国当代的小提琴家之一。1988年，在获得弦乐室内乐比赛第-名后受中国国家教育委员会委派赴俄罗斯国立柴科夫斯基音乐学院深造，师从小提琴教育家西赫姆萨耶娃教授。此后，林朝阳在英国朴次茅斯四重奏大赛，意大利“利比微”小提琴比赛、俄罗斯“杨波尔斯基”小提琴比赛中获得重要奖项并以全优成绩毕业获得硕士学位。1996年林朝阳接受中央音乐学院邀请回国任教。
用户评价
这部《正版小提琴曲集 圣桑/引子与回旋随想曲 拉威尔/茨冈4VCD教程1CD 反调音乐随笔集》的标题，光是看到“圣桑”和“拉威尔”的名字，就足以让所有严肃的小提琴学习者心头一震，这简直是技术与艺术的双重考验。我原本是冲着那几首世界级的炫技曲目去的，尤其是《引子与回旋随想曲》，那快速的音阶和复杂的弓法，光是想象就能感受到指尖传来的灼热感。然而，当我真正开始翻阅这套书时，我发现它远比我预想的要“野”得多。首先，它不像市面上那些标准的考级教材，它更像是一份私人化的、带着强烈个人色彩的“武功秘籍”。对于那些渴望突破瓶颈、想要在演奏中注入更多“火花”的演奏者来说，这套资料的价值是不可估量的。它没有过多地纠缠于最基础的运弓原理，而是直接将听众推向了浪漫主义晚期和印象派音乐的复杂织体之中。我特别欣赏其中对和声色彩的解析，虽然篇幅不算多，但切中肯綮，让你在拉奏那些看似随性却充满内涵的段落时，能更清晰地把握作曲家试图营造的朦胧或尖锐的听觉画面。对于拉威尔的《茨冈》部分，教材似乎采取了一种“先喂饱你，再让你消化”的策略，直接给出了高难度的指位参考，虽然初学者可能会望而却步，但对于有一定基础、想挑战自我的人来说，这是一种极具激励性的学习路径，逼着你用更精准、更快速的反应去应对那些“魔鬼般的”跑动。总体来说，这不是一本用来“填充时间”的教材，而是一份需要投入巨大精力去“啃食”的音乐宝典。
评分这本书的装帧和内容排布，透露着一股浓厚的“老派”气息，这反而让我感到了一种踏实的信赖感。特别是那套配套的VCD教程，在这个视频资源泛滥的时代，实体影像的指导显得尤为珍贵。我注意到，教程的重点似乎并不在于展示“如何完美地拉奏”，而更多地在于探讨“为什么这样拉奏”。举个例子，在处理圣桑这部作品中那些看似机械重复的十六分音符段落时，光靠眼睛看谱子是体会不到那种呼吸感的，但VCD里老师（或者说，是这套教程的编制者）对弓速和弓压的细微调整，尤其是对换把位置时如何保持音色的连贯性，提供了非常直观的演示。这比单纯的文字描述要有效一万倍。更让我感到惊喜的是，随书附带的“反调音乐随笔集”部分。这部分内容完全跳脱了技术教学的框架，而是深入探讨了作曲家在创作特定乐段时的心理状态和历史背景。我发现，当我理解了拉威尔创作《茨冈》时，那种对吉普赛音乐狂放不羁精神的捕捉与提炼，我再回到指法和揉弦的处理上时，自然而然地带上了一种更富于情感张力的演绎。这套书的价值，在于它构建了一个完整的学习闭环：技术训练（曲集）→直观演示（VCD）→理论升华（随笔），让学习者从“如何做”到“为什么这么做”，再到“我如何理解它”，完成一次深层次的蜕变。
评分老实说，这套书的定价放在现在来看是相当公道的，考虑到它包含了如此重量级的曲目解析和近乎奢侈的VCD教学时长。但我要强调，这不是一本“速成”读物。如果你是刚刚拿起小提琴的萌新，直接接触这些材料，很可能会被那种复杂的技巧和深奥的理论吓跑。它更像是为那些已经完成了基础阶段训练，正在向专业演奏水平迈进的进阶学习者准备的“精神食粮”。其中关于如何处理“反调”音乐的随笔，让我对“技巧服务于音乐表达”有了更深一层的理解。它不再将技术视为一种纯粹的机械运动，而是将其视为情感的延伸。例如，在讨论圣桑作品结尾处那段炫技的尾声时，随笔并没有仅仅满足于教你如何拉得快，而是引导你去思考，这种“快”的背后，是狂喜、是挣脱束缚，还是一种无可奈何的爆发？这种深层次的哲学思考，让每一次练习都带上了朝圣般的意义。每次拿起这套书，我都感觉自己不是在学习一首曲子，而是在与两位音乐巨匠进行一场跨越时空的对话，这种体验是任何一本标准教材都无法给予的。
评分我得坦白，当我第一次接触到这套资料时，我的第一反应是：这简直是为“折磨”小提琴手而设计的。那些针对《引子与回旋随想曲》中快速琶音和大量换把的处理建议，细致到了令人发指的地步。但正是这份“细致入微”，让它区别于那些粗略的、只提供指法标记的出版物。例如，它对揉弦速度的区间划分，以及如何根据不同的调性色彩调整揉弦的宽度，提供了非常实用的量化参考。这不像很多教程只是空泛地说“要多揉”或者“要揉得宽一些”，而是给出了一个可供参考的频率范围。而随笔部分，尤其是关于“反调”这个概念的阐释，更是让我受益匪浅。它不是在教你如何避免“错误”，而是在引导你去拥抱那些在传统古典范式中可能被视为“离经叛道”的音乐处理方式。这种思想上的解放，对于想要在成熟曲目中找到自己独特声音的演奏者来说，至关重要。它鼓励你大胆地去探索音色的边界，去挑战听众的审美习惯，从而形成自己标志性的演奏风格。如果你只是想安稳地拉完每一首曲子，也许这套书会显得有些“过火”，但如果你渴望在演奏中留下自己的“印记”，那么它就是你不可或缺的火种。
评分这套资料最妙的地方，在于它巧妙地将四张VCD的教学内容，与随书的乐谱和随笔进行了交叉引证，形成了一种多维度的学习体验。我特别喜欢它在教授拉威尔《茨冈》中那些近乎舞蹈般跳跃的音符时，VCD里呈现的弓位变化。它没有使用那种夸张的、戏剧化的教学方式，而是非常沉稳地展示了手腕如何通过最小的形变，实现从“跳弓”到“连弓”的无缝切换。很多时候，我们练习这种快速的片段时，往往会陷入肌肉紧张，而教程则明确指出，这种紧张感恰恰是由于弓杆的支撑点没有得到及时的释放。更进一步，随笔中对印象派音乐中“瞬间感”的描述，与VCD中对快速音群处理的强调完美契合，让你明白，你拉的不是一串技术练习，而是一闪而逝的、富有生命力的“吉普赛之魂”。对于《圣桑》的部分，教材的侧重点则完全转向了对声部线条的清晰度上，尤其是在遇到复调段落时，它清晰地标注了主旋律和伴奏声部的弓压差异，这使得原本容易混成一团的音响立刻变得层次分明，宛如在听一架精致的钢琴奏鸣曲，而非独奏乐器。这种对细节的打磨，非深谙此道者不能为之。
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