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出版社： 西南师范大学出版社

ISBN：9787562163442

商品编码：29867463066

丛书名： 合唱与指挥教程

出版时间：2013-08-01

 

目录

 

上册
总序
合唱篇
概述
第-章合唱艺术发展简述
第二章合唱基础知识
第三章合唱的基本训练
指挥篇
第-章指挥艺术发展简述
第二章合唱指挥基础
第-节合唱指挥常识
第二节二拍子、三拍子的指挥法
第三节四拍子、六拍子及特殊拍子的指挥法
第四节起拍与收拍、长音与休止的指挥法
第五节指挥中的主动拍与被动拍
第三章指挥动作语汇
第-节指挥动作的基本要求
第二节设计指挥动作时应注意的事项
合唱曲选
混声合唱
中国作品
静夜思
神奇的面具
吉祥阳光
羊角花开
――选自歌剧《羊角花开》
海岛冰轮
――根据京剧《贵妃醉酒》改编
阿里郎
中国西部
站在新起点
飞来的花瓣
青春舞曲
半个月亮爬上来
牧歌
美丽的草原我的家
八骏赞
嘎哦丽泰
青藏高原
去一个美丽的地方
大漠之夜
巴黎圣母院的敲钟人
阳关三叠
黄水谣
――《黄河大合唱》之四
忆秦娥娄山关
下册
外国作品
哭，我的眼睛
眼泪
――选自《安魂曲》
青鸟
我们一起来跳舞吧
圣母颂
梦幻曲
茨冈
雪花
希伯来奴隶合唱
――选自歌剧《纳布柯》
在森林的那一边
飞翔吧，和平鸽
――影片《我们坚持和平》插曲
约旦河波浪滚滚
赞美自由
仙南多
女声合唱
葡萄园夜曲
雨后彩虹
羌山妙音
早发白帝城（童声合唱）
玛依拉
乘着歌声的翅膀
春潮
燕子
跳起我的霍拉舞
回忆
――音乐剧《猫》选曲
铃儿响叮当的变迁
卖花生
男声合唱
渔阳鼙鼓动地来
――选自清唱剧《长恨歌》
阿拉木汗
等你到天明
在那遥远的地方
欢乐的那达慕
川江号子
天路
我像雪花天上来
春天来到了我们的战场
弹起班卓琴
猎人合唱
――选自歌剧《自由射手》
在银色的月光下
排练提示

 

 

内容介绍

 

唱与指挥教程（套装上下册）/普通高等院校音乐专业教材》为两大部分，第-部分是理论知识，包括合唱篇和指挥篇，合唱篇介绍了合唱艺术的发展、合唱基础知识及合唱的基本训练，指挥篇介绍了合唱指挥基 ⒅富佣作语汇等。其中，作者对“合唱的训练”和“指挥动作语汇”花了大篇幅介绍，如合唱的呼吸训练、共鸣、音准、听觉、语言训练等，指挥动作的要求、手臂动作的设计、视线的运用等，旨在让学生理解、掌握，能马上运用。第二部分是合唱曲，精选了的、适于教学的混声合唱（中国作品24首，外国作品13首），女声合唱11首，男声合唱11首，其中还有新创作的未出版的具有浓郁地方风格的作品，如《羌山妙音》《羊角花开》《蜀山素描》等。作者还为每首作品写了详细的排练提示，对于教师教学或学生自学都有非常大的帮助。

好的，以下是基于您提供的书名信息，撰写的一份不包含该书内容的详细图书简介。 --- 《和声的艺术：从基础到复杂织体的深度探索》 作者： [虚构作者姓名，例如：李明] 出版社： [虚构出版社名称，例如：华夏音乐文库] 出版年份： [虚构年份，例如：2023年] 装帧： 精装/平装（可选） 页数： 约 650 页 图书定位与目标读者： 本书是一部面向严肃音乐学习者、作曲系学生、音乐理论研究者以及对西方音乐和声系统有深入探究需求的音乐教师的综合性教材与参考手册。它不仅仅停留在对既定规则的罗列，而是深入剖析了和声思维的演变过程，旨在帮助读者建立起严谨、灵活且富有创造性的和声感知能力。本书尤其适合那些希望超越传统调性框架，理解后调性乃至现代和声语汇的进阶学习者。 内容深度概述： 本书结构严谨，逻辑清晰，分为四大核心部分，层层递进，全面覆盖了西方音乐和声学的核心理论与实践应用。 第一部分：调性基础与功能和声的逻辑骨架 (The Architectural Framework of Tonal Harmony) 本部分致力于为读者打下坚实的调性基础。不同于一般教材的简单罗列，本章重点探讨了调性体系的内在逻辑——基于五度圈的张力与解决机制。 1. 音高与音程的结构解析： 从纯粹的物理声学基础出发，追溯十二平均律与纯律在历史中的冲突与融合，为理解和声色彩的变化提供声学依据。 2. 三和弦的构建与表情： 详尽分析大、小、增、减四种三和弦在不同调性环境中的功能角色。特别设立章节探讨了“色彩和弦”的早期运用，如降六级和弦（Neapolitan Chord）的起源与结构。 3. 七和弦的深化应用： 不仅限于属七和弦，本书细致辨析了导七、减七以及各种色彩附加音的七和弦，强调其解决路径中“不协和”与“解决”之间的动态平衡。 4. 和声连接的语法： 重点讲解了严格与自由的声部进行规则，引入“声部进行美学”的概念，强调避免平行五八度等现象背后的声学和审美原因，而非仅仅是禁令。 第二部分：拓展与深化：和声的张力增强机制 (Enhancing Tension: Chromaticism and Modulation) 在巩固了基础调性知识后，本部分引导读者进入半音性和转调的复杂领域，这是古典和浪漫主义音乐和声的核心特征。 1. 半音化的技巧与类型： 系统梳理了借用和弦（Borrowed Chords）、变化音和弦（Altered Chords）的应用。其中，对“和声小调”的各个音级变化音的和声功能进行了深入的辨析，展示了半音如何服务于调性中心的强化。 2. 转调的艺术与策略： 不仅教授常见的关系调转调，更详细阐述了“远关系调”的转调方法，如通过共同三和弦、副属和弦链（Secondary Dominants Chain）以及离调和弦（Neapolitan/Augmented Sixth）作为桥梁的策略。 3. 和声序列的分析与创作： 探讨了巴赫和莫扎特作品中常见的和声序列手法，分析序列如何制造出持续的运动感和情绪铺垫。 第三部分：浪漫主义的边界探索：扩展调性与和声色彩的革命 (Breaking Boundaries: Late Romanticism and Impressionism) 本部分是本书的重点之一，聚焦于19世纪末至20世纪初，作曲家如何开始挑战传统调性的约束。 1. 扩大和声材料库： 深入分析了九和弦、十一和弦及十三和弦在瓦格纳、德彪西和拉威尔作品中的实际运用。重点研究了和弦本身作为“色彩实体”而非“功能实体”的倾向。 2. 全音阶与五度音阶的和声： 专门设立章节，解析了印象派作曲家如何使用非传统的音阶系统来构建和声，这些和声如何营造出模糊、漂浮的音响效果，以及其与传统调性的关系。 3. 增六和弦的终极形态： 对意大利式、法国式、德国式增六和弦的结构、来源及其在解决到主和弦或关系调主和弦时的细微差别进行了精密的对比分析。 第四部分：走向现代：后调性与二十世纪和声语汇的萌芽 (Towards the Modern Era: Post-Tonal Concepts) 本部分为读者开启了通往20世纪现代音乐和声的大门，介绍了一些构成现代音乐和声基础的关键概念。 1. 复调与和弦的交织： 分析了巴赫赋格中复杂的声部交织如何影响了对“和声”的理解，探讨了线性对位与垂直和声之间的辩证关系。 2. 等音程与集理论的初步接触： 简要介绍了十二音体系、音高集合理论（Set Theory）的早期思想，帮助读者理解为何某些20世纪音乐听起来“没有调性”，并解析了斯特拉文斯基、勋伯格等人的和声策略。 3. 和声的分析方法论： 提供了分析复杂的后浪漫主义和早期现代作品的实用分析工具，强调“语境优先”的分析原则，而非强行套用调性规则。 本书特色： 案例驱动： 每一核心理论点均配有来自巴赫、莫扎特、贝多芬、肖邦、德彪西等大师作品中精确标注的音乐实例，确保理论与实践的紧密结合。 注重逻辑而非死记硬背： 强调理解和声进行背后的音乐动机和心理效果，鼓励学生在创作中灵活运用，而非机械模仿。 配有大量练习题和分析作业： 每章末尾均设有“实践工房”，包含和声写作、四部和声改编、以及乐段分析等多种题型，以检验学习成果。 结语： 《和声的艺术》旨在成为学习者手中那把解构复杂音乐织体的钥匙，引导他们从和声的“骨架”走向其“血肉”，最终形成独立、成熟的和声审美判断力。掌握了本书的精髓，即是掌握了西方音乐数百年来的听觉逻辑与创造财富。 ---

评分☆☆☆☆☆

我对这本书的结构安排感到非常惊喜，它不像我以前接触过的某些教材那样，将“理论”和“实践”割裂开来，使得学习过程显得非常割裂。这本书的高明之处在于，它似乎是建立了一个“螺旋上升”的学习路径。每一个章节在介绍完基础概念后，紧接着就会抛出一个或几个针对性的练习或思考题，这些题目往往都不是那种简单的选择或填空，而是需要读者调动听觉、想象力甚至身体感受来进行回应的。举个例子，关于音程关系的讲解，作者不仅给出了标准的音程名称和听觉描述，还配上了特定的听觉记忆法，比如将某个不协和音程比喻成某种特定的日常声响，这种感官上的联结建立得非常巧妙。更值得称赞的是，书中对不同历史时期和不同风格的合唱作品的引用非常精准且具有代表性，它不会盲目追求数量上的罗列，而是选择那些最能体现特定技术难点的范例进行深入剖析。我感觉作者在选择材料时，是站在一个极高的艺术鉴赏高度上进行筛选的，确保读者接触到的都是经过时间检验的精品。这种扎实的选材和逻辑严密的编排，使得学习的每一步都像是为下一阶段的深入打下坚实的基础，让人信心十足地向前推进。

评分☆☆☆☆☆

如果让我从一个听众或者未来可能参与合唱的普通人的角度来评价，这本书最大的价值在于它重建了我对“整体性”的认知。过去我对合唱的理解可能停留在“大家一起唱歌”的层面，但读完这本书后，我才真正理解了“合唱”不仅仅是多个声部的简单叠加，而是一个复杂的、需要高度协作的有机体。作者对“平衡”和“层次感”的阐述极其到位，他用非常形象的比喻来描述不同声部在织体中所扮演的角色，比如时而是基石，时而是装饰，时而又是穿针引线的灵魂。这种对声部间动态关系的深入剖析，极大地拓宽了我的听觉维度。现在当我再听一些大型合唱作品时，我能更清晰地分辨出内部声部之间的微妙对话和角力，能体会到指挥家是如何通过细微的手势来调动这种内在张力的。这种从被动接受到主动聆听的转变，是任何单纯的欣赏指南都无法提供的。它教会的不是如何“唱出正确的音高”，而是如何“在共同的呼吸中创造美”，这种哲学层面的提升，是这本书在我心中价值倍增的关键所在。

评分☆☆☆☆☆

这本书的实用性体现在它对技术细节的毫不含糊。虽然它拥有很高的理论深度，但它的落脚点始终是实际操作。我特别欣赏其中关于排练技巧和乐队（或合唱团）管理的一些洞察。很多音乐教材往往止步于技术本身，而这本书却将技术融入了“如何落地实施”的流程中。例如，如何高效地进行分声部练习以避免时间浪费，如何处理不同声部在音域衔接上的技术难题，以及指挥者在面对音乐诠释分歧时应采取的引导策略等等。这些内容，对于任何想要站到台前引导团队的人来说，都是极其宝贵的实战经验。文字中透露出的那种对排练现场复杂人际和技术互动的深刻理解，让人感觉到作者不仅是学术上的权威，更是一位久经沙场的实践家。读完这些章节，我仿佛经历了一次高强度的集中辅导，不仅知识点被填补了，更重要的是，我的应对各种突发状况的“肌肉记忆”也得到了强化。总而言之，这是一本集理论之精深、艺术之优美、实践之严谨于一体的宝贵财富。

评分☆☆☆☆☆

这本书刚到手的时候，我真是眼前一亮。首先从装帧设计上就能看出出版方的用心，封面设计简约而不失韵味，配色沉稳大气，纸张的质感也非常棒，拿在手里沉甸甸的，让人有种想立刻翻阅的冲动。我个人对音乐理论类的书籍一直保持着一种既期待又略带敬畏的心态，因为很多教材往往在理论阐述上过于晦涩，让人望而却步。然而，这本书的开篇导言就展现出一种非常亲和的态度，作者仿佛是坐在你对面，用一种循循善诱的语气为你勾勒出整个音乐世界的宏大图景。它没有直接跳入复杂的术语堆砌，而是从最基础的音乐感知和聆听习惯入手，这对于我这种业余爱好者来说，简直是太友好了。我特别欣赏作者在引入基础概念时所采用的那种“情境教学法”，比如通过描述一个特定的合唱场景或一个著名指挥家的手势，来解释一个抽象的音乐术语，瞬间就让理论变得鲜活起来，不再是枯燥的文字符号。这种将艺术性与技术性完美融合的叙事方式，极大地降低了学习的门槛，让人感觉学习音乐理论并非高不可攀的学术活动，而更像是一场充满探索乐趣的旅程。我甚至感觉，光是阅读前几章关于“呼吸与声音的统一性”的探讨，我的对声音的理解就提升了一个层次。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格，说实话，带有一种老派学者的沉稳，但又巧妙地避开了那种令人昏昏欲睡的学术腔调。它更多地展现出一种对音乐本身的热爱与尊重。在处理到一些涉及情感表达和艺术处理的部分时，作者的文字立刻变得富有诗意，但这种诗意绝不是空泛的赞美，而是基于深刻技术理解之上的升华。比如，在讨论“弱奏”的处理时，书中细致地分析了如何通过微调气息的张力、弓弦的接触点（针对器乐，但其原理对人声也适用）来控制声音的密度和色彩，而不是简单地说“要唱轻一点”。这种对细节的极致关注，体现了作者深厚的专业素养和丰富的舞台经验。我尤其喜欢其中穿插的一些“案例分析”，这些片段似乎是从作者自己的教学或指挥实践中提炼出来的片段故事，真实、生动，充满了解决实际问题的智慧。这些故事不仅解答了书本上的理论问题，更重要的是，它们为读者提供了一种处理复杂音乐情境的思维框架，教会我们如何“像一个音乐家那样思考”，而不仅仅是“像一个学生那样记忆”。