狗头拍牛片2 给摄影者的8堂美术入门课 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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张松涛 著

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• 摄影
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• 技巧
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• 光影
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• 教程
• 摄影教学

店铺： 炫丽之舞图书专营店

出版社： 化学工业出版社

ISBN：9787122287892

商品编码：29917489244

包装：平装-胶订

出版时间：2017-08-01

基本信息

书名：狗头拍牛片2 给摄影者的8堂美术入门课

定价：98.00元

作者：张松涛

出版社：化学工业出版社

出版日期：2017-08-01

ISBN：9787122287892

字数：

页码：

版次：1

装帧：平装-胶订

开本：16开

商品重量：0.4kg

编辑推荐

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内容提要

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什么样的照片是好照片？如何突破摄影的瓶颈？本书从摄影与美术的关系谈起，剖析审美对摄影的重要性。接下来用“8堂美术课”的形式详解在摄影用光、色彩、构图、取景、后期处理中需要用到的美术知识和技巧，探讨牛片中包含的美术知识和实践运用。“生活中不缺少美，缺少的是发现美的眼睛。”本书正是通过打造镜头后面的审美之眼，帮助摄影发烧友突破目前可能面对的摄影困境，进阶摄影水平；帮助零基础的摄影爱好者摆脱对器材的依赖，找到正确的成长之路。

目录

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引子：美术与摄影如同母子001



PART1课 好照片，影调是关键

一张好照片需要从三个方面考量：主体明确、主题突出、构图简洁。这其中，主体明确是容易做到的，而主题突出的关键就是要把握好照片的影调。在摄影中，影调又称为照片的基调或调子，指画面的明暗层次。色彩和物体的虚实关系也对影调有影响。通过这些关系，使欣赏者感受到光的流动与变化。

什么样的照片是好照片006

影调是物体的明暗关系在影像上的反映008

如何把握物体的影调010

物体基本的影调——亮面、暗面和灰面010

影调再细分——物体的五大调子013

摄影时，先考虑三大面，再考虑五大调子014

哪些因素会影响五大调子016

被摄物的形态017

被摄物的色彩018

被摄物的体积感018

被摄物的质感019

光源020

观察角度021



PART2第二课 如何把握色彩

色彩的色相、明度、纯度是色彩的三个基本要素。这三个要素会直接引起人的心理变化。因此色彩的运用并不是简单的被动的色彩还原，而是将情感寄托于色彩之上的主动的色彩基调的处理。色彩是客观的，色调是主观的。

色彩的三要素025

色相025

纯度025

明度025

了解色相环，配色更舒服026

类似色026

邻近色026

对比色026

互补色026

用色彩传递冷暖027

用色彩表达感情029

色彩是客观的，色调是主观的034

如何获得色彩的和谐037

选择同类色组成画面037

当色彩对比强烈时，改变色彩的面积比例039

通过后期调节协调色彩冲突042

用黑或白分割画面043



PART3第三课 透视在摄影中的应用

我们一般从3个方面对物体进行描述——物体的大小、物体的色彩、物体的形状。这三个方面会对应到透视之中：我们说的近大远小，是种印象，除此之外，相同色彩的物体，近的鲜艳，远的灰暗；近的偏暖，远的偏冷；近的细节清晰，远的轮廓模糊。灵活地使用透视原理，能够为画面创造全新的秩序，改变各种物体在画面中的面积和分量。

线透视，增强画面引导力047

色彩透视，控制画面的纵深感050

隐没透视，强调物体的前后关系052

锐度052

适当的对比度052

细节层次和冷暖表现055

不同的焦段会使透视发生变化吗057

广角镜头能捕捉到肉眼感受不到的视角，从而给人夸张的感觉057

单眼观察是“压缩透视”的真正原因，与镜头焦段无关058



PART4第四课 构图，照片的骨架

摄影的构图就是在寻找一种规律，把我们表面看到的似乎毫无关系的各种元素，通过内在的或者外在的某种规律联系起来，引导观众有主次、有目的地浏览画面中的元素。

构图中的点062

点的位置和特点062

点的排列和组合073

构图中的线076

横线——统治画面的稳定076

竖线——岿然不动的站立079

斜线—让画面充满动感080

放射线——指向纵深的力量084

交叉线——充满张力的表达086

弧线——收拢视线的妙手089

拍摄看不见的线091

构图中的裁剪：后期处理中的二次构图096

在找规律的同时，你还需要一些想象力098

解构画面，按需构图098

带着感情构图101



PART5第五课 自如地用光

在摄影中自如地运用光线，来自对光的深刻理解。世界万物在我们眼中的形态、色泽、质感，本质上来源于物体对光的吸收和反射。因此，特定的光线会强化或者弱化物体的表面特征，从而在拍摄中起到突出主体，减弱陪体的作用。光的方向、质量和范围是用光的三个要素，掌握了它们，我们的摄影实践才能完成从被动地记录光到主动地使用光的转变。

光的三要素104

光的方向104

光的质量104

光的范围107

人像摄影用光实例108

用自然光拍摄室内人像108

用闪光灯拍摄室内人像111

拍摄室外人像时的用光114

旅游中抓拍人像的用光117

风光摄影用光实例118

晨昏拍摄118

风光中的硬光拍摄122

利用遮挡手段控制强光124

关于耶稣光126

风光摄影中的常用滤镜128

风光摄影中闪光灯的应用132

坏天气，好照片134

静物拍摄141

静物的选择141

静物的摆放141

静物的布光习作141



PART6第六课 整体观察，突破进阶的难关

很多朋友在学习了一段时间摄影之后会出现这样的问题：摄影技巧基本掌握，曝光已经很准，构图、用光都知道，但就是拍不出自己满意的照片；还有一些朋友沉迷于画质的，一味强调细节，终走入不断追求器材的死胡同。在这时候，可能只需要你从对细节关注里跳出来，了解一下如何把握照片的整体感，就会让你的摄影水平达到新的阶段。

从对细节关注里跳出来，把握照片的整体感158

整体观察的十个方法159

眯眼观察，准确区分画面主次，把握画面规律159

气势自然出——类比观察法162

给画面一个清晰的脉络——延伸观察法164

让冲突凸显——对比观察法166

重复产生的旋律——反复观察法172

适合营造气氛——分层观察法174

化繁为简——扁平观察法176

虚实相生——镜像观察法179

简洁非简单——抽象观察法182

构造画面的意境——内在特质观察法191

多种观察方法的综合使用194



PART7第七课 不会后期，就不懂前期

LIGHTROOM（LR）和PHOTOSHOP（PS）是我们常用的通用照片处理软件，适用于所有品牌的相机。PHOTOSHOP软件偏重于强调图片的创意制作，可用多张照片组成一张更具冲击力的图片，或者通过各种滤镜获得拍摄无法得到的新的视觉体验。而LIGHTROOM并不能完成移花接木式的图片合成工作，而是更尊重被摄体，根据作者需要调整照片的色彩、锐度、明暗和色温等。所以LR是一款专业级的照片后期处理软件。本章我们详细讲述如何将美术原理应用到LR中，从而获得理想中的照片。

我为什么要推荐LR软件199

LR的基本界面200

直方图201

快捷工具面板202

裁剪工具203

污点去除工具203

红眼校正工具204

渐变滤镜工具204

径向滤镜工具204

画笔工具205

基本调整项206

白平衡206

色调208

偏好210

色调曲线214

HSL/颜色/黑白216

HSL面板216

颜色面板217

黑白调整项217

分离色调218

细节218

锐化219

减少杂色222

镜头校正222

效果223

用好LR的关键224

把控整体明暗，让主体获得大反差225

控制明暗的跨度，让主体脱颖而出232

通过明暗对比强化主体，丢掉不必要的细节236

根据透视原理分层调整画面240

通过冷暖对比让画面生动244

色彩的对比和统一不是矛盾247



PART8第八课 画意的创造

我们在形容一处美丽的风光时通常会说“风光如画”，这个“画”，就是“画意”。它代表了一种大自然的精神，更是人内心的触动。这种精神，无论是绘画者、歌者、诗人，还是摄影者都能感触到，这种精神才是画的精髓。它了画的形态，普遍存在于各种艺术形式之中，这才是摄影者应该去捕捉的画中之意。

画“意”非画“形”254

绘画是多种艺术的基础254

学习美术史对摄影进阶有莫大帮助256

东西方画意的区别和表达258

从“竹”与“向日葵”讲画意260

竹林组照262

向日葵组照268

画意摄影实战分析272

用摄影表达“中国画”的博大精深272

如何拍出“水墨”的效果278

像“水彩”一样美282

恍如“版画”289

干干净净的“素描”294

厚重的油画色调297



后记302

作者介绍

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张松涛，中国民俗摄影协会会员，长期从事摄影文化的实践、探索与创新研究，凭借其对摄影的狂热追求、深厚的艺术功底，深得广大网友，特别是摄影发烧友的追捧。其亲身实践关于摄影器材、技艺所总结出的摄影心得“牛帖”——“我用过的平民镜头逐个说”，在蜂鸟网创下5天19万点击量的超高人气，每周点评网友片子的“语录”，被众多摄影爱好者定期整理，通过各种形式被广泛传播。

文摘

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序言

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好的，这是一份关于一本名为《光影的魔法：捕捉世界的十种视角》的图书简介，该书专注于基础的摄影艺术理论和实践技巧，旨在帮助读者建立扎实的视觉基础和审美能力。 --- 光影的魔法：捕捉世界的十种视角 突破平庸，看见非凡。这不是一本关于器材的说明书，而是深入心灵的视觉词典。 在这个信息爆炸的时代，每个人都手持相机，但真正懂得“观看”的人却越来越少。我们被海量图像所淹没，却鲜有时间停下来思考：一张照片何以动人？优秀的作品是如何构思与布局的？色彩、光线、结构、节奏，这些被视为“美术”范畴的要素，在摄影中究竟扮演了怎样的角色？ 《光影的魔法：捕捉世界的十种视角》正是为了回答这些核心问题而诞生的。本书摒弃了繁复晦涩的专业术语，以一种循序渐进、充满启发性的方式，带领严肃的摄影爱好者和初入视觉艺术殿堂的探索者，建立起一套扎实且具有个人风格的审美体系。 本书的核心理念是：摄影，是光线与结构之间的哲学对话。 唯有理解了美术的底层逻辑，才能真正驾驭相机这支画笔。 第一部：视觉的基石——解构图像的语言 (Foundation of Vision) 在真正按下快门之前，我们需要学习如何“阅读”世界。本部分着重于培养观察者的眼睛，将复杂的视觉元素分解为可理解、可应用的模块。 章节一：线条的叙事——引导、分割与张力 线条是构成一切画面的骨架。本书将详细探讨不同类型线条——水平线带来的宁静、垂直线体现的力量、对角线营造的动感，以及曲线带来的流畅与优雅。我们将深入剖析如何利用引导线（Leading Lines）自然地将观众的视线引向焦点，以及如何通过线条的交错，制造视觉上的冲突与和谐。我们不会停留在简单的“使用三分法构图”，而是探讨如何让线条本身成为故事的讲述者，例如利用建筑边缘的锐利感来烘托人物的孤独。 章节二：形状与形式——从二维到三维的错觉 形状（Shape）与形式（Form）是区分平面设计和深度感知的关键。本章将引导读者识别画面中的基本几何形状（圆形、方形、三角形），并学习如何利用光影的对比（明暗关系）来赋予二维平面以三维的体积感和质感。重点案例分析将集中在如何通过侧光或逆光，将一个扁平的物体塑造成具有雕塑感的形象，这对于人像和静物摄影尤为重要。 章节三：空间关系的艺术——远近、疏密与层次 优秀的摄影作品必然具有层次感。本书将深入探讨“景深”在空间构建中的作用，并超越技术参数的限制，从美学角度解析前景、中景和背景如何相互作用。我们将教授“透视感”的营造技巧，包括如何利用重复元素的大小递减来强调深度，以及如何利用“留白”（负空间）来平衡画面的重量，让主体得以呼吸。 第二部：光影的雕刻——色彩与明暗的交响 (The Symphony of Light and Tone) 光线是摄影的灵魂。如果说构图是骨架，那么光线和色彩就是赋予生命与情感的血肉。 章节四：色彩的心理学——情绪的调色板 色彩不仅仅是视觉上的享受，更是强有力的情绪传达工具。本章将详尽介绍色彩理论（色相、饱和度、明度）在摄影中的实际应用。我们探讨暖色调带来的亲密与活力，冷色调营造的疏离与冷静。更进一步，本书将分析互补色、邻近色在视觉冲击力上的差异，以及如何通过色彩的单一化（Monochromatic）来突出形态和纹理，避免“色彩杂乱”的陷阱。 章节五：光线的质感与方向——塑造环境的魔术师 我们不仅要“看到”光，更要“理解”光。本书将光线分为硬光与柔光两大范畴，解析它们在不同时间（清晨、正午、黄昏）对主体产生的截然不同的戏剧效果。重点内容包括： 伦勃朗光（Rembrandt Lighting）：如何在自然光下模拟经典布光法的魅力。 边缘光（Rim Lighting）：如何用光线勾勒主体轮廓，使其从背景中分离出来，营造神圣感。 漫射光（Diffused Light）：在阴天或室内，如何利用光线的柔和性来展现细腻的皮肤纹理或物体表面的微妙变化。 章节六：明暗对比与影调——黑白摄影的深度对话 黑白摄影是检验摄影师艺术功力的试金石。本章专注于灰阶的运用，教导读者如何将色彩转化为影调的丰富层次。我们将讲解“高调”（High Key）的明亮与纯净，以及“低调”（Low Key）的神秘与戏剧性。核心训练是如何精确控制曝光，确保高光不过曝、阴影不失细节，使影调的渐变成为视觉叙事的中心。 第三部：节奏与意境——从观察到创作的飞跃 (Rhythm and Conception) 艺术的最高境界在于“意境”的传达。本部分将引导读者超越技术层面，思考“为什么拍”和“如何让人有感觉”。 章节七：画面的韵律——重复、模式与断裂 如同音乐有节奏，视觉作品也有其韵律。本章介绍如何通过重复出现的图案（Pattern）来建立视觉上的稳定感和沉浸感。同时，我们将探讨“打破模式”（Breaking the Pattern）的重要性——如何利用一个异类的元素、一个突兀的色彩或一条不和谐的线条，来瞬间抓住观众的注意力，制造视觉的“高潮”。 章节八：焦点与引导——视线之旅的精确控制 在复杂的场景中，如何确保观众第一时间看到你想让他们看的东西？本章聚焦于“视觉焦点”的建立，讨论了人眼对高对比度、高饱和度以及独特形态的天然偏好。我们还将结合前述的构图与线条知识，设计多路径的视觉引导，确保观众的视线在作品中流畅且有目的地移动，最终停留在最重要的信息点上。 章节九：纹理与触感——让照片“可触摸” 纹理是赋予照片真实感和物质感的关键。从粗粝的岩石到光滑的丝绸，不同的纹理传递着不同的故事。本书将教授摄影师如何利用特定的光照角度（如掠射光）来放大物体的表面起伏和细节，使观者仿佛能通过屏幕感受到那种触觉。对于自然摄影、静物摄影和街头摄影，理解纹理的力量至关重要。 章节十：留白与意境——“未拍之处”的张力 最强大的图像往往不是充斥着元素的图像。本章探讨东方美学中“留白”（Ma/Negative Space）的概念，并将其融入现代摄影的实践中。留白不仅仅是空的背景，它是思想的沉淀、是观众想象力的邀请函。我们将学习如何通过克制和简约，在画面中创造出呼吸的空间和深远的意境，让作品超越瞬间的记录，升华为永恒的思考。 --- 本书的价值： 《光影的魔法：捕捉世界的十种视角》不提供现成的模板或滤镜预设。它提供的是一套强大的分析工具和一套深刻的审美准则。无论您是钟情于广阔的风景、细腻的人像，还是转瞬即逝的街头瞬间，本书都将成为您通往成熟视觉表达的必备指南，助您将手中的相机，真正转化为捕捉世界本质的艺术媒介。 拿起这本书，您将学会如何真正地“看见”光影，并赋予您的作品以永恒的生命力。

评分☆☆☆☆☆

我一直认为，摄影师不仅仅是按快门的人，更应该是审美的引导者。《狗头拍牛片2：给摄影者的8堂美术入门课》这本书，恰恰是这样一本能够提升摄影师审美能力的“内功秘籍”。它不像很多教程那样，上来就讲一堆晦涩难懂的专业术语，而是用一种非常平易近人的方式，将古老的美术理论与现代摄影实践相结合。我印象最深的是关于“纹理”的讲解，书中不仅仅是告诉你怎么拍出清晰的纹理，更重要的是分析了不同纹理给画面带来的质感和感觉，比如光滑的、粗糙的、柔软的、坚硬的，这些都能够极大地丰富画面的表现力。 让我觉得特别神奇的是，书里关于“韵律与重复”的分析，我以前拍东西，总想着把主体拍得突出，但这本书让我看到，有时候重复的元素，形成一种视觉上的韵律，也能创造出令人惊叹的效果。比如，一排排的树木，或者重复的窗户，通过巧妙的构图，就能产生一种很强的视觉引导力。还有，关于“留白”的艺术，这本书让我彻底明白，所谓的“留白”并非是画面不完整，而是为了给观者留下想象的空间，让画面更加耐人寻味。我之前总是怕画面太空，现在学会了如何利用留白，让我的照片更有意境。总而言之，这本书就像一位经验丰富的老师，循循善诱地引导我，如何用美术的眼光去看待和创作摄影作品。

评分☆☆☆☆☆

我原本对“美术”这个词总是有点距离感，觉得那是画家、雕塑家们的事情，跟我们这些拿相机拍照的似乎关系不大。但《狗头拍牛片2：给摄影者的8堂美术入门课》彻底打破了我的认知壁垒。作者用一种非常接地气的方式，把那些抽象的美术理论，转化成了摄影师可以立刻上手操作的技巧。比如，关于“线条”的运用，书中讲到如何利用建筑线条、地平线、甚至人物的肢体语言来构建画面的骨骼，引导观众的视线。这一点对我来说，实在是太有用了！我以前拍人像，总是让人物占据画面中心，显得很呆板，但学会了利用线条来构图，现在我能创造出更有动态感和故事性的照片。 更让我惊喜的是，书中对“负空间”的阐述。我之前拍照片，总想把画面塞得满满当当，觉得这样信息量才足。但书里解释了负空间的重要性，它不是“空白”，而是为了突出主体，让画面更透气，给观众想象的空间。这一点我真的需要好好练习，因为我发现自己还是会不自觉地想把所有东西都拍进去。另外，关于“节奏感”的讨论，我也觉得非常新颖，书中将音乐中的节奏感运用到视觉构图中，比如通过重复的元素、疏密的变化来制造画面的韵律。这让我在后期编辑时，也开始思考如何通过剪裁和排列来提升照片的整体感染力。这本书给我打开了一个全新的视角，让我重新审视自己手中的相机和眼前的世界。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我买这本书的时候，更多的是抱着一种“看看能不能学点啥”的心态，毕竟“狗头拍牛片”这个名字听起来就有点……嗯，接地气，甚至有点戏谑。但读完之后，我只能说，这书名简直是低调的代号，内容却一点也不“狗头”。它不是那种教你如何使用相机各种高级功能，或者如何后期P图的“技术流”书籍，而是从最根本的美术素养入手，告诉你“拍什么”和“怎么拍”才能更有味道。比如，书中关于“透视”的讲解，不仅限于直线透视，还讲到了空气透视、色彩透视，这些概念让我明白了为什么有些照片看起来有深度，而有些则显得扁平。 我特别喜欢书中关于“平衡与不对称”的论述。以往我总觉得照片要对称才好看，但这本​​书让我意识到，很多时候不对称构图更能带来视觉上的冲击力和趣味性。书中通过对比大量的优秀摄影作品，生动地展示了如何通过巧妙的元素 배치，打破对称，创造出更有活力的画面。还有一点让我受益匪浅的是关于“情绪表达”的引导。它不是直接告诉你怎么拍出某种情绪，而是通过分析光影、色彩、构图等美术元素，如何去“渲染”和“暗示”情绪。这让我在拍摄时，不再仅仅是记录，而是开始思考如何通过画面来传达我想要的情感。这本书让我感觉，摄影不仅仅是捕捉瞬间，更是与世界进行一场无声的对话。

评分☆☆☆☆☆

这本《狗头拍牛片2：给摄影者的8堂美术入门课》简直是摄影爱好者的福音，特别是像我这种，虽然喜欢拍照，但总感觉自己的作品少了点“灵魂”。我一直觉得摄影不仅仅是按下快门这么简单，构图、光影、色彩，这些美术的基本功，才是让照片从“记录”变成“艺术”的关键。这本书恰恰抓住了这一点，它不是那种枯燥乏味的理论堆砌，而是用非常生动、易懂的方式，将美术中的一些核心概念，比如黄金分割、三分法、引导线、负空间等等，一一拆解，并巧妙地运用到摄影的实际场景中。 我最喜欢的是书中关于“光影”的讲解，以往我总觉得摄影就是跟光线对着干，拍亮就好，但这本书让我明白，光线本身就是一种“画笔”，它能塑造形态，营造氛围，甚至传递情感。书中通过大量的实例，对比了顺光、逆光、侧光下的不同效果，以及如何利用自然光和人造光来达到理想的画面。我尝试着按照书里的建议去观察和运用光线，惊喜地发现，同样一个场景，换个角度，用不同的光线去处理，出来的感觉完全不一样，仿佛照片“活”了过来。而且，我之前对色彩搭配一直没什么概念，总觉得随心所欲就好，但看了书里关于色彩冷暖、对比、和谐的理论，再结合摄影实践，现在我能更自觉地去捕捉和运用色彩，让画面更有层次感和冲击力，这一点真的是对我提升摄影审美起到了质的飞跃。

评分☆☆☆☆☆

作为一名摄影爱好者，我一直在寻找能够真正提升我摄影“内功”的书籍，而不是仅仅停留在技术层面。《狗头拍牛片2：给摄影者的8堂美术入门课》绝对是我近期最满意的一次购书体验。这本书并非简单地教授构图技巧，而是深入浅出地讲解了摄影与美术之间的内在联系。我特别喜欢书中关于“形式感”的讨论，它让我明白了，照片的“形式”不仅仅是构图，更包括了线条、形状、色彩、光影等元素的组合，而这些元素的巧妙运用，能够极大地提升画面的视觉冲击力和美感。 我曾经在拍摄风景时，总是觉得照片平淡无奇，但读了这本书关于“对比”的章节后，我才恍然大悟。书中详细阐述了明暗对比、冷暖对比、大小对比、虚实对比等多种对比方式，以及如何利用这些对比来突出主体，营造画面的张力。我尝试着在拍摄时，有意识地去寻找和运用这些对比，发现照片的层次感和立体感立刻就提升了。此外，书中关于“叙事性构图”的讲解也让我茅塞顿开。它不仅仅是告诉我要拍什么，更教会我如何通过构图来讲述一个故事，引起观者的共鸣。我感觉这本书不仅仅是在教我摄影，更是在教我如何用画面去“说话”。这对于我来说，是一次非常宝贵的审美启蒙。