美国时装画技法教程（附1张DVD光盘） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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[美] 哈根 著，张培 译

图书标签:

• 时装画
• 绘画技法
• 服装设计
• 绘画教程
• 艺术设计
• 绘画
• 设计
• 时尚
• 图解
• 光盘教材

出版社： 中国轻工业出版社

ISBN：9787501960255

版次：1

商品编码：10166414

包装：平装

开本：大16开

出版时间：2008-01-01

用纸：胶版纸

页数：520

字数：300000

正文语种：中文

附件：DVDROM

编辑推荐

　　本书是一本讲如何画时装画的技法书，为大家提供了设计和展示设计作品的方法以及如何使用设计工具。在第1本美国时装画技法出版的近十年中，此书每年都在重印，总量已有十余万册。本书的作用主要为那些艺术类院校的师生参考用，对服装设计的学习有些具体帮助，它可以教你便捷快速地掌握服装设计的方法与表达。

内容简介

　　时尚的世界很美好。时尚指导我们生活，也给我们带来无限的惊喜。年轻人、街头文化、民族风格以及Big Top之风已经占领了T形台。对于一个服装设计师来说，能够准确地抓住当今世界上变幻不定的时尚风格，体现全球化的共同影响，可不是一件容易的事。如今，服装潮流更新不再是女性服装的代名词，服装秀、时尚杂志开始面向各个年龄和性别的消费者。《美国时装画技法教程》是一本教科书。我们的目的不仅是为了教授设计师们应该如何绘画各种时尚人物，也为了帮助人们更好地了解时尚的过去、现在和将来。本书为大家提供了设计和展示设计作品的方法以及如何使用设计工具。除了文本的资料以外，我们还为大家提供了多媒体的展示材料。为了更好地教授面料和服装的着色，书中的图片既有黑白版也有彩色版。书中大量的服装设计模板为学习者提供了有力的支持和帮助。对于当今世界各地的设计师来说，掌握计算机的服装设计技能是必不可少的，本书也为大家介绍了多种计算机设计的方法。随书附赠的光盘能够让读者看到作者真实的绘画和上色技法，便于学习。品质优良、时尚的现代绘画技巧可以帮助设计者们与自己的设计作品有效地交流，可以说本书为他们打开了通往各种机遇的大门。这本优秀的服装设计教程就是你成功的良伴！

作者简介

　　凯特·哈根是一位名副其实的艺术家，她毕业于Parsons时尚设计学院，拥有美术学士和硕士学位，在过去的20年中一直担任洛杉矶Otis艺术设计学院的教授，常年致力于研究、展示、教授各种文化风格的艺术绘画。她在服装设计教学领域中不断耕耘着，Prentice Hall出版社还出版过她的其他两本著作。她的第一本著作，作为各高等院校服装设计专业的教科书，至今还广泛地流传于美国和海外各国。

内页插图

目录

第一章 拿出你的绘画工具
第一单元 手工工具

第二章 时尚女性：创造你自己的时尚模特
第一单元 时尚的头部
第二单元 时尚的手臂和双手
第三单元 腿，腿，腿——当然还有脚
第四单元 时尚模特造型

第三章 时尚女装
第一单元 概述：服装、服装设计师及其最基本的结构
第二单元 泳装女孩
第三单元 裤子和上衣
第四单元 连衣裙和裙子
第五单元 缝纫和套装
第六单元 秋季套装的层次
第七单元 晚礼服

第四章 时尚男士
第一单元 男性头部画法
第二单元 姿态设计

第五章 时尚男性服装
第一单元 泳装
第二单元 休闲男装
第三单元 剪裁考究的衣服和套装

第六章 孩子们，孩子们
第一单元 婴儿和刚会走路的宝宝
第二单元 学龄前儿童：三岁到五岁
第三单元 六岁到九岁的孩子们
第四单元 十岁到十二岁的孩子
第五单元 十几岁的年轻人(十三岁到十七岁)
第七章 设计和展示多人服装
第八章 计算机设计
第九章 颜色，耀眼的颜色

前言/序言

经典服饰艺术鉴赏与实践指南 本书聚焦于服装设计的历史脉络、核心理论构建以及创新实践的综合性研究，旨在为服装设计专业学生、行业专业人士及服饰文化爱好者提供一套系统而深入的学习资源。 本书摒弃单纯的技能速成，转而强调对设计思维、文化背景与材料科学的深刻理解，力求培养读者独立、前瞻性的设计能力。 --- 第一部分：服装设计的理论基石与历史演进 本部分深入探讨服装作为一种社会符号、文化载体和审美表达的本质。我们追溯了服饰在不同文明阶段的角色变迁，从功能性需求的满足到身份地位的象征，再到现代语境下的自我表达。 第一章：服饰的社会学与人类学解读 本章首先界定了“服装”与“服饰”的概念差异，探讨了服装在人类社会构建中的关键作用。内容涵盖了地域文化对服饰色彩、廓形、纹样的影响，以及特定历史时期（如文艺复兴、洛可可时期、维多利亚时代）服饰如何反映了当时的社会阶级结构、道德观念和审美取向。我们分析了诸如“禁奢法”等历史事件如何间接推动了某些面料和工艺的革新，并讨论了全球化背景下，传统服饰元素被“挪用”或“再语境化”的现象与伦理问题。通过对非西方传统服饰体系（如日本和服、印度纱丽、非洲蜡染服饰）的案例研究，展现了服饰符号的普适性与独特性。 第二章：美学原理在服装构成中的应用 本章将基础艺术理论，如比例、韵律、平衡、对比与和谐，系统地应用于服装设计领域。内容细致阐述了“黄金分割”在确定服装比例和分割线时的应用，讨论了如何通过材质的肌理对比（如粗糙与光滑、透明与不透明）来创造视觉张力。此外，本章还深入剖析了色彩心理学在服装设计中的实践，区分了色相、明度、纯度对穿着者心理感受的影响，并提供了色彩搭配的系统方法论，例如三原色、邻近色、互补色在不同设计主题下的运用策略。章节末尾引入了形式美学，探讨了极简主义、解构主义等现代艺术思潮如何渗透并重塑了当代服装的结构形态。 第三章：服装史的里程碑事件与关键设计师 本章以编年体结合专题研究的方式，梳理了自18世纪末现代时装业萌芽以来，影响深远的服饰革命。重点关注了以下几个关键转折点： 1. 香奈儿与解放：解析其对束缚性内衣的颠覆，以及对针织面料的创新应用如何定义了“现代女性着装”。 2. 迪奥的“新风貌”：探讨其如何重塑战后女性的柔美轮廓，以及对高级定制（Haute Couture）标准的重建。 3. 20世纪60年代的叛逆：分析迷你裙、Unisex（中性化）风格对传统性别着装规范的冲击，以及普普艺术的影响。 4. 日本解构主义的崛起：深入研究川久保玲、山本耀司等设计师如何挑战“完整性”和“美观”的传统定义，关注不对称、残缺与材料本真的表达。 通过对这些历史事件的分析，读者将能构建起对服装设计“继承与创新”逻辑的清晰认知。 --- 第二部分：材料科学、结构与工艺的深度解析 本部分从技术层面探讨服装得以实现的基础——面料、结构与制作工艺，强调材料的创新潜力与结构设计对服装功能和形态的决定性作用。 第四章：纺织材料的性能与可持续性设计 本章超越了对天然纤维（棉、麻、丝、毛）和化学纤维（涤纶、尼龙）的基本介绍，转而关注功能性纺织品的尖端发展。内容涵盖了智能纺织品（如温控、导电纤维）、生物基材料（如藻类纤维、蘑菇菌丝体皮革）的应用前景，以及3D打印技术在纺织品结构生成中的潜力。在可持续性方面，本章详细介绍了循环设计原则（Circular Design Principles），包括服装的生命周期评估（LCA）、升级再造（Upcycling）的复杂工艺流程，以及减少水耗和化学品使用的染色技术革新。 第五章：服装结构与版型的解构与重塑 本章的核心是理解人体与服装之间的三维关系。它详细阐述了服装结构设计中的“省道”（Darts）、“省位”（Gathers）和“褶裥”（Pleats）如何精确地将二维平面布料转化为贴合人体的三维形态。内容着重于： 立体裁剪（Draping）的理论基础：如何利用模型和直觉，在人台上直接创造复杂的曲面和动态结构。 结构性服装的工程学分析：以西装外套、风衣等复杂结构服装为例，分析衬垫（Padding）、衬里（Lining）和衬布（Interfacing）在维持廓形和提供舒适度方面的工程学作用。 无缝技术与参数化设计：探讨计算机辅助设计（CAD）在精确模拟布料垂坠度和控制结构应力方面的应用，以及模块化服装设计对传统版型思维的挑战。 第六章：高级工艺与手工技艺的传承 本章旨在保护和推广那些在工业化生产中逐渐被忽视的精湛手工艺。我们对以下复杂工艺进行了详尽的案例分析和技术解析： 1. 刺绣与贴花（Embroidery and Appliqué）：重点介绍法国刺绣大师（如Bourdages & Fils）使用的金银线技法，以及不同针法（如缎面绣、法国结粒绣）对图案表现力的影响。 2. 羽饰与珠饰（Featherwork and Beading）：分析如何处理和固定不同重量和密度的装饰物，以确保它们在动态中保持美观的稳定性。 3. 高级定制的收边技术：探讨手工锁边、衬里固定、纽扣眼的制作等细节处理，这些是区分工业成衣与高级定制的关键所在。 4. 面料的二次处理：如手工起绒（Devoré/Burnout）、天然植物扎染（Shibori）的深度实践流程。 --- 第三部分：设计策略、市场定位与专业实践 本部分将理论和技术转化为可执行的商业和艺术策略，指导读者完成从概念到T台展示的全过程。 第七章：设计主题的提炼与系列化开发 本章关注设计概念的形成与深化，强调设计过程的逻辑性和连贯性。内容包括： 灵感来源的转化：如何将抽象的艺术作品、建筑结构、哲学命题有效、非直白地转化为服装设计语言。 情绪板（Mood Board）的构建：不仅仅是图像的堆砌，而是通过色彩、纹理、关键词的精确选择来确立设计的情感基调和风格方向。 胶囊系列（Capsule Collection）的结构规划：如何在有限的数量内，通过核心单品、变体设计和色彩呼应，建立一个完整且市场友好的系列。 第八章：服装展示与视觉传达 成功的服装设计需要有效的视觉叙事来打动观众。本章讨论了T台秀场设置、目录拍摄（Lookbook）的艺术指导以及数字展示策略。内容重点在于： 秀场叙事节奏：如何安排开场、高潮和收尾Look，以最大化系列概念的冲击力。 模特选择与造型：分析模特气质与服装风格的契合度，以及发型、妆容如何成为服装整体造型的延伸。 静态展示的艺术：在陈列室或橱窗中，如何利用灯光和陈列道具来模拟服装在动态中的效果，突出面料的质感和廓形的张力。 第九章：职业发展与设计伦理 本书的最后一部分，为有志于进入服装行业的读者提供了现实的指导。内容包括： 建立个人设计档案（Portfolio）的专业标准：如何有效展示设计草图、技术包（Tech Pack）和最终成品，以应对不同类型公司的招聘需求。 知识产权与版权保护：探讨服装设计中抄袭的界定、原创性保护的法律基础，以及设计师如何维护自身创意成果。 伦理供应链管理：强调设计师对生产环境、劳工权益及环境影响的责任，探讨如何选择符合道德标准的合作伙伴。 --- 总结 本书通过对历史、美学、材料、工程和市场策略的全面覆盖，致力于培养读者成为一个既具深厚人文素养又精通技术实现的全面服装设计师。它倡导的不是模仿现成的风格，而是通过对基础原理的掌握，最终形成具有独特声音的个人设计哲学。

评分☆☆☆☆☆

我入行多年，一直觉得自己的风格比较固定，很难在表现力上有所突破，尤其是在那些前卫、解构主义的服装表现上，总觉得画出来像是在描摹一张X光片，缺乏生命力。接触到这本书之后，我才意识到，问题出在对“结构重构”的理解上。这本书没有拘泥于传统的黄金比例，而是花了相当大的篇幅去探讨如何在二维平面上打破物理规律，以达到更强的视觉冲击力。例如，它介绍了几种将服装夸张化处理的方法，这些方法并非凭空想象，而是基于对人体骨骼和肌肉走向的深入理解之上进行的艺术化延伸。我印象最深的是关于“超长线条”的运用，作者解释了如何通过拉伸和扭曲关键线条，来暗示服装面料的张力和设计师的先锋理念。这种对传统规范的挑战和重塑的讲解，让我对时装画的理解瞬间上升到了哲学层面——画什么，不如怎么画。这不仅仅是技巧书，它更像是一本关于“视觉修辞学”的教材，教会你如何用画笔去“说话”，去表达那些语言难以企及的复杂概念。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我感到惊喜的一点是，它非常注重“跨文化”的视野。我原以为它会集中于西方主流的Houte Couture风格，但实际上，作者巧妙地融入了大量亚洲传统服饰，如和服的结构、印度纱丽的垂坠感等，是如何通过现代时装画的技法进行转译和创新的案例。这种融合性的视角，极大地拓宽了我对“服装”本身的定义。它不是固步自封地讲解某一种风格下的绘画规范，而是探讨如何用统一的视觉语言去描绘万千不同的文化符号。通过书中的对比案例，我学会了如何识别并放大不同文化背景下，服装结构带来的独特韵律感。比如，书中对比了紧身胸衣的结构线和汉服宽袍大袖的结构线在视觉上的反差处理，并提供了相应的绘画策略。这种开阔的视野，对于从事国际化设计的从业者来说，是无价之宝。它教会你如何避免文化挪用带来的视觉失真，而是如何以一种尊重的、艺术化的方式，将异域元素融入到自己的设计表达中去，这才是真正高级的设计思维。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我买过不少所谓的“技法大全”，大多是华而不实的图集，看起来赏心悦目，真要上手画起来，却发现那些漂亮的插画和实际操作之间存在着巨大的鸿沟，很多关键的转折点和技巧的“窍门”都被一笔带过了。但是，这本教程的叙事方式非常“工程师化”，它不回避任何技术上的难点，反而把这些难点作为重点来解剖。我记得有一部分专门讲解如何用最快的速度捕捉模特走动时的瞬间姿态，这里面用到了非常多关于时间感和运动轨迹的数学化表达，这对我这种习惯了静态观察的人来说，是一种颠覆性的训练。更别提它对“色彩与情绪”的联系阐述，它不是简单地告诉你“红色代表热情”，而是从颜料的饱和度、明度与服装材质的相互作用入手，教你如何通过色彩的细微变化来烘托设计师想要表达的氛围。我尝试按照书中的提示，为一套晚礼服添加阴影和高光处理，仅仅是调整了高光点的位置和锐度，那件裙子立刻就从平面的图形，变成了仿佛触手可及的立体织物，这种细节的把控能力，真的是这本书最大的价值所在。它让你明白，时装画不是简单的美术创作，它是一种精确的视觉信息传达工具。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是设计界的“灯塔”，我原本在尝试把脑海中的画面转化到纸面上时，总是感觉隔着一层雾，尤其是在处理服装的立体感和面料的质感上，简直是灾难性的。在翻阅这本书之前，我对“时装画”的理解还停留在很基础的临摹阶段，认为只要掌握了比例和基本的线条就能应付了事。然而，这本书的深度远超我的预期。它不仅仅是教授你如何画出一个人体，而是教你如何用线条去“理解”服装的流动性。比如，书中对于褶皱的解析，那种从结构力学出发的讲解方式，让我茅塞顿开，明白了为什么同样是丝绸，画出来的效果却天差地别。作者似乎把每一个步骤都拆解得极其细致，从最基础的手部动态练习，到如何运用不同的笔触来表现羊毛的粗粝感和雪纺的轻盈感，都有详尽的图例和文字说明。我特别欣赏它对于光影的处理，它没有给出僵硬的公式，而是引导读者去观察光线在不同曲面上的反射和衰减，这种观察世界的角度被完美地融入了绘画技法中。这本书更像是一本高级研讨会的笔记，而不是一本入门手册，它要求读者有一定基础，但对于想要突破瓶颈的设计师来说，这份详尽的解析和高阶技巧的展示，无疑是提供了最直接、最有效的路径。我花了整整一周的时间，仅仅是消化了其中关于“动态平衡”的那几个章节，收获的远不止是绘画技巧，更是对服装设计本身美学原理的重塑。

评分☆☆☆☆☆

与其他强调软件操作（如Photoshop或Illustrator）的教程不同，这本书的根基非常扎实地建立在传统手绘之上，这恰恰是我最需要的。在这个数码工具横行的时代，很多设计师已经丧失了用铅笔和墨水直接表达想法的能力，导致在灵感乍现时，反而因为需要启动软件而错失了最佳的记录时机。这本书的每一页都在强调“手眼协调”的训练，它从最基础的手腕力度控制、线条的粗细变化，一直到复杂的透视校正，几乎涵盖了所有基础的硬功。特别是关于“快速速写”的章节，它提供了一套完整的训练体系，让你在短时间内捕捉到服装的神韵而非细节。我利用书中的方法练习了两个月，现在我敢说，即使没有电脑在手边，我也能自信地把秀场上的每一个精彩瞬间用精炼的线条记录下来，并且保证这些速写稿具备足够的专业水准，可以直接用于内部讨论。这本册子仿佛是一个来自上个世纪的学院派大师的私藏笔记，充满了不容妥协的工匠精神，读起来让人感到踏实和可靠。

评分☆☆☆☆☆

不错我喜欢 很好 很好

评分☆☆☆☆☆

一直想买这本书 在学校图书馆有借回去练习了手绘 所以买之前都知道了解这本书内容

评分☆☆☆☆☆

里面还有时装史··挺详细的·彩页有点少

评分☆☆☆☆☆

这个确实是很超值的呢啊

评分☆☆☆☆☆

原来不是整体都是铜版纸，我以为都是呢，还不错，至少说学画不错

评分☆☆☆☆☆

比**贵一点但是质量是很好的

评分☆☆☆☆☆

喜欢这种绘画的风格，虽然薄了点但是彩页还是比较多的，清晰度也可以，感觉如果印成美版漫画那种纸质就强了！！

评分☆☆☆☆☆

美国的画法教材，内容挺全面的，送的DVD盘读不出来。

评分☆☆☆☆☆

很好，就是光盘包装和之前买的有差别