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出版社： 北京美术摄影出版社

ISBN：9787805015828

商品编码：10367575318

产品参数：

伯里曼人体绘画技法大全  作 者：（美）乔治·伯里曼 著，袁浩，孙婷 编译 出版社： 北京美术摄影出版社 出版时间： 2013-12-01 字 数：50千字 版 次： 第1版 页 数： 340页 印刷时间： 2013-12-01 开 本：大16 纸 张： 胶版纸 I S B N ： 9787805015828   包 装： 平装

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内容简介   本图册把所有的人体结构解剖学都包括于内，你很难找到比本图册更为全面的分析，更难能可贵的是它还对人体相关服饰有完整的研究。 本图册还包括了伯里曼结构解剖体系的全部重要内容囊括了他毕生的素描作品，综合了艺术家本人的六部知名著作。本图册是一部规模 实用的人体绘画指南。

绘制鲜活生命：探索人体之美的艺术之旅 这本画册并非描绘人体，却能带你踏上一段深入探索“人”之本质的奇妙旅程。它无关肌肉的起伏，不拘线条的勾勒，却将带你穿越历史长河，审视人类文明的精髓，品味艺术流派的变迁，理解形体之外的灵魂之语。 第一章：凝视古今，人性的千种面貌 自人类有了自我意识，便开始了对自身的审视与表达。我们的目光穿透古老的岩画，那些粗犷的笔触，却蕴含着原始生命力的呐喊；我们流连于古埃及壁画，庄严的神祇与凡人，诉说着秩序与轮回的哲学；我们沉醉于古希腊雕塑，理想化的健美身躯，传递着理性与和谐的光辉。从罗马帝国的宏伟叙事，到中世纪宗教画的肃穆虔诚，再到文艺复兴时期对人文主义的讴歌，人类对自身的认知，如同不断打磨的宝石，在不同时代、不同文化背景下，呈现出千姿百态的光芒。 本章将引导你跨越时空的阻隔，从不同文明的艺术遗产中，感受人类对外在形态的理解与表达。我们将探究不同文化如何赋予人体不同的象征意义，例如，古印度艺术中神性的象征、中国传统绘画中写意山水与人物的融合，以及非洲部落艺术中对生命力与社群精神的强调。这些并非单纯的视觉呈现，而是承载着深邃的哲学思考、宗教信仰以及社会价值观的载体。你会发现，即便不直接描绘人体结构，艺术家的笔触与构思，早已将人性的温度、情感的起伏、精神的追求，融入其中。 我们将审视不同时期艺术作品中人物的姿态、表情与服饰，从中解读出当时的社会风貌、道德观念以及审美取向。例如，在中世纪的绘画中，人物往往显得拘谨而程式化，这反映了当时宗教对世俗生活的严苛约束；而在文艺复兴时期，人物的动态与表情则变得更加生动自然，展现了对个体价值的重新发现。甚至在当代艺术中，艺术家们更是以各种意想不到的方式，解构、重塑、隐喻人体，探讨身份认同、身体政治、科技对人的影响等议题。 第二章：流派纷呈，艺术语言的万象更新 艺术的发展，犹如一条奔腾不息的长河，在不同的时代涌现出风格迥异的支流。从古典主义的严谨典雅，到浪漫主义的激情澎湃；从现实主义的忠实记录，到印象派的光影捕捉；再到抽象主义的纯粹形式，以及超现实主义的梦幻想象。每一种艺术流派，都以其独特的视角和技法，对世界进行诠释，也对“人”这一主题，赋予了全新的解读。 本章将带你走进不同艺术流派的殿堂，感受它们如何以各自的方式，触及人性的深处。我们将了解巴洛克艺术的戏剧性与动感，如何通过夸张的姿态与强烈的光影对比，展现情感的极致；我们将探究洛可可艺术的精致与优雅，如何描绘贵族生活的闲适与享乐；我们将体会印象派艺术家们如何通过对自然光线的敏感捕捉，表现瞬间的视觉感受，而这瞬间的感受，恰恰是人类丰富情感体验的一部分。 更重要的是，我们将深入理解这些流派背后的思想根源与时代精神。例如，工业革命对现实主义绘画的影响，社会变革对象征主义的催生，以及哲学思潮对抽象艺术的启迪。我们会看到，艺术家们如何超越单纯的“画皮”，深入到人物的内心世界，通过象征、隐喻、变形等手法，表达对生命、对社会、对个体存在更深层次的思考。 即便是在完全抽象的作品中，我们也能感受到某种“人”的存在。那是一种情绪的释放，一种精神的振动，一种对宇宙生命力的感悟。艺术家们用色彩、线条、形状构筑起一个全新的视觉语境，而观者则在其中寻找共鸣，体验情感的律动，甚至在无形中，与艺术家共同构建起一个关于“人”的理解。 第三章：情感的笔触，灵魂的低语 艺术最迷人的地方，在于它能够捕捉并传递那些难以言喻的情感。那些深邃的眼神，饱含着喜悦、悲伤、愤怒、爱恋；那些舒展的肢体，诉说着力量、脆弱、希望、绝望。即使艺术家并未直接描绘人体的骨骼与肌肉，却能通过对光影、色彩、构图的精妙运用，将人物的内心世界展露无遗。 本章将引导你学习如何“读懂”情感在艺术作品中的表达。我们将分析不同色彩所蕴含的情绪意义，例如，暖色调的激情与活力，冷色调的宁静与忧郁。我们将探究光影的戏剧性运用，如何通过明暗对比，突出人物的情绪焦点，营造出紧张、神秘或温馨的氛围。我们将学习构图的语言，人物在画面中的位置、大小、朝向，都可能暗示着他们的心理状态和彼此的关系。 我们将通过分析一系列经典艺术作品，来拆解艺术家如何用“无形”之手，塑造“有形”的情感。例如，伦勃朗的光影如何赋予人物深沉的忧郁与智慧；梵高的色彩如何燃烧着生命的激情与痛苦；莫奈的光影如何描绘出瞬间的宁静与美好。这些作品之所以能跨越时代，打动人心，正是因为它们触及了人类共通的情感体验，并在视觉上找到了最恰当的表达方式。 更进一步，我们将探讨一些艺术形式，它们虽然不直接以写实的人体为对象，却同样能够传递丰富的情感。例如，音乐的旋律与节奏，文学的词句与意境，戏剧的表演与冲突，舞蹈的肢体语言，它们都以各自独特的方式，描绘着人类的情感光谱。本章将鼓励你用更广阔的视野去理解“情感的表达”，并思考这些表达方式如何与视觉艺术相互启发，共同丰富我们对“人”的理解。 第四章：思想的脉络，人文的沉淀 艺术从来不是孤立存在的，它深深地根植于人类的思想、哲学、历史与文化之中。当我们审视一件艺术作品，尤其是那些描绘或隐喻“人”的作品，我们也在窥探那个时代人们的思想脉络，以及人类文明的沉淀。 本章将为你梳理艺术发展与哲学思想、社会变革之间的深刻联系。我们将了解启蒙运动对古典主义的影响，理性主义如何塑造了严谨的艺术风格；我们将探讨社会现实如何催生了现实主义的出现，艺术家们如何关注底层民众的生活；我们将反思现代性带来的冲击，艺术家们如何通过实验与创新，挑战传统的审美观念。 我们将探讨不同哲学流派对艺术创作的影响，例如，尼采的存在主义如何启发了表现主义的挣扎与呐喊；荣格的集体无意识如何渗透进超现实主义的梦境解析；后现代主义的解构思潮如何影响了当代艺术对身份与真实的质疑。 理解了这些思想的脉络，我们才能更深入地理解艺术作品的内涵，以及艺术家们创作的动机。那些看似寻常的人物形象，可能承载着深刻的宗教寓言，社会批判，或者对生命意义的追问。本章将鼓励你成为一个有思想的观者，在欣赏艺术的同时，也去思考艺术背后所蕴含的智慧与力量，以及它们如何塑造了我们对“人”的认知。 结语：以“人”为镜，映照自我 这本书，并非让你成为一个精湛的人体画家，而是让你成为一个有洞察力的“看客”，一个有思考力的“观者”。它邀请你以艺术为镜，去审视“人”的丰富性、复杂性与永恒性。通过穿越历史，品味流派，解读情感，理解思想，你将发现，“人”本身，就是最宏大、最动人的画卷。 在这段旅程的终点，你或许会更加清晰地认识到，无论是描绘人体的笔触，还是描绘思想的文字，抑或是流淌的音符，都指向同一个永恒的主题——关于“人”的探索。这是一种对生命的致敬，一种对灵魂的追问，一种对存在本身的无限好奇。愿你在这场名为“人”的艺术之旅中，获得灵感的启迪，思想的飞跃，以及对生命更深沉的理解与热爱。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格，总体来说，比较学术化，甚至有些枯燥。我原本以为这会是一本充满艺术气息，能够激发我创作灵感的书，但它更像是一本解剖学教材，充斥着大量的专业术语和理论分析。在阅读过程中，我经常需要停下来，查阅不熟悉的词汇，或者反复琢磨作者的论述。虽然我尊重其严谨的学术态度，但对于我这种希望能够快速上手，并且在绘画中感受到乐趣的学习者来说，这样的语言风格确实构成了一定的门槛。我更期待的是那种能够用通俗易懂的语言，结合生动的比喻，将复杂的绘画原理讲解清楚的书籍。例如，用“弹簧”来比喻肌肉的收缩，用“框架”来比喻骨骼的支撑，这样会更加形象和有趣。这本书在这一点上，让我觉得有点“高高在上”，缺乏与读者的亲近感。我希望它能更注重“教学”而非“论述”，将知识点以更易于接受的方式呈现出来。

评分☆☆☆☆☆

这本书的纸张质量，坦白说，让我有些失望。它使用的是一种偏黄的，略带粗糙的纸张，与我平常阅读的一些艺术类书籍的哑光铜版纸或道林纸相比，触感上就差了不少。拿在手里，总感觉不够精致，甚至有点“廉价”的感觉。我之前看过一些国外引进的绘画教程，它们的纸张和印刷质量都非常出色，能够很好地还原画作的细节和色彩。而这本书的纸张，似乎会吸收一部分光线，让本来就以线条为主的图例，显得更加暗淡。我担心在这种纸张上反复翻阅，容易留下指纹，甚至会因为摩擦而导致图案模糊。我一直认为，一本好的绘画教程，不仅要有优秀的教学内容，在书籍的物理呈现上也应该尽可能地达到一定的水准，这样才能让读者在阅读过程中获得更好的体验。毕竟，我们花钱买书，也是希望拥有一件值得收藏和反复阅读的艺术品。这次拿到这本书，感觉在“硬件”方面，它还有很大的提升空间。我希望出版社在未来的版本中，能够考虑升级纸张和印刷质量，让这本书的整体品质更上一层楼。

评分☆☆☆☆☆

我注意到这本书在讲解人体结构时，似乎更侧重于静态的解剖学知识，而对动态的人物表现和运动规律的阐述则相对较少。虽然理解人体骨骼和肌肉的静态结构是基础，但我认为，绘画最终是要表现人物的动态美和生命力。这本书中的图例，大多是比较标准的“解剖式”的人体模型，缺乏那种在运动中捕捉人体姿态的神韵。我希望它能够提供更多关于人体在不同运动状态下的骨骼和肌肉变化，比如跑步、跳跃、舞蹈时的身体姿态，以及如何通过线条和明暗来表现这种动态感。我尝试去想象书中的人体模型动起来的样子，但总觉得少了些什么，可能是那种“动感”的灵魂。对于想要画出充满生命力的人物画作的读者来说，这一点可能是一个比较大的遗憾。我期待它能有更多关于“人体运动学”和“透视运动”的讲解，帮助我更好地理解身体在三维空间中的运动轨迹。

评分☆☆☆☆☆

这本书虽然名为“大全”，但我在翻阅过程中，感觉它在“细节刻画”方面，并没有达到我预期的高度。例如，在描绘手部和脚部时，虽然展示了骨骼和肌腱的走向，但对于指关节的微妙变化、手部皮肤的褶皱、脚趾的形态等细节的处理，不够精细。同样，在面部五官的刻画上，虽然讲解了眼睛、鼻子、嘴巴的基本结构，但对于如何通过线条的粗细、明暗的虚实来表现人物的性格和情绪，则显得有些笼统。我希望这本书能够提供更多关于“细节决定成败”的讲解，比如如何通过刻画关键的细节来提升人物的真实感和感染力。有时候，一个细微的表情，一个自然的姿态，就能让整个人物活起来。在这方面，这本书给我的感觉，还停留在比较基础的结构层面，缺乏对“神韵”的挖掘和呈现。

评分☆☆☆☆☆

我拿到这本书的时候，首先映入眼帘的是它那密密麻麻的字体和大量的线条图。我理解作为一本绘画技法大全，必然需要大量的图例来辅助说明，但这本书的排版方式，让我感觉像是在阅读一本非常陈旧的教科书。文字和图片之间的切换，有时会显得比较生硬，缺乏流畅性。我尝试去翻阅其中一些章节，感觉讲解的逻辑性有点跳跃，有时会突然引入一些我之前没有接触过的概念，让我一时难以理解。虽然它声称是“修订版”，但整体给人的感觉还是比较传统，缺乏现代绘画教学中常见的启发式、引导式的内容。我更期待的是那种能够循序渐进，从零基础到进阶，能够一步步带领读者掌握绘画技巧的教程。而这本书，感觉更像是给已经有一定基础，或者说对人体解剖学有一定了解的读者准备的。我仔细观察了其中的一些人体骨骼和肌肉的示意图，虽然看起来很专业，但对于我这种新手来说，解读起来有些吃力，需要花费更多的时间和精力去消化。我希望它能有更多的对比图，比如不同光照下的肌肉表现，或者不同姿态下身体的透视变化，这样会更加直观。

评分☆☆☆☆☆

我在阅读这本书时，发现它对“光影”的处理讲解得相对不够深入。虽然书中展示了一些人体模型的光影效果，但对于如何运用光影来塑造体积感、表现材质、增强空间感等方面的技巧，阐述得比较笼统。我期望能够看到更多关于不同光源（如顶光、侧光、逆光）下人体受光的变化，以及如何通过明暗层次的刻画来突出人物的立体感。例如，在表现肌肉的隆起时，如何通过微妙的明暗过渡来强调其力量感；在描绘皮肤的质感时，如何利用高光和阴影来表现其光滑或粗糙的特点。这本书在这方面，感觉更像是“点到为止”，缺乏更具指导意义的分析和示范。我希望能有更多关于“光影语言”的解读，帮助我理解光影在人体绘画中的重要作用，以及如何运用光影来赋予画面生命力。

评分☆☆☆☆☆

这本书的章节编排，给我一种比较散乱的感觉。虽然它包含了很多关于人体绘画的技巧，但不同章节之间的逻辑联系并不十分紧密。我感觉它更像是一系列零散的知识点的集合，而不是一个完整的、循序渐进的学习体系。例如，在讲解了面部结构后，又突然跳到手部刻画，再接着又回到腿部比例，这种跳跃式的内容呈现，让我在学习过程中很难建立起一个整体的概念。我更希望看到的是，能够按照从整体到局部，从易到难的顺序来展开教学。比如，先从基础的人体比例和基本形体开始，然后逐步深入到各个部位的结构刻画，最后再讲解如何表现人物的表情、服装和动态。目前的编排方式，让我觉得需要花费更多的时间和精力来自己梳理和整合知识点，这对于初学者来说，可能会感到无所适从。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计实在是太朴实了，没有那种让人眼前一亮的设计感，甚至连封底的介绍都略显单薄。我拿到书的时候，第一感觉就是这不会是什么盗版书吧？因为市面上太多名字类似但质量参差不齐的书籍了，尤其是关于绘画教程的书，很多都是“换汤不换药”。我本来期待的是那种能够瞬间激发我创作欲望的视觉冲击，但这本书给我的感觉更像是一本工具书，冷冰冰的，缺乏温度。当然，我知道封面不能代表一切，内容才是最重要的。但一个好的封面，至少能在茫茫书海中吸引住我的目光，让我愿意翻开它，去探索它隐藏的宝藏。这本《正版 伯里曼人体绘画技法大全 修订版》的封面，给我的第一印象，真的只能用“普通”来形容，甚至有些“乏味”。我希望它里面的内容能够像它的书名一样，是“大全”，能够真正教会我很多东西，而不是徒有其名。我花了很长时间才找到这本书，因为我对人体绘画有着强烈的学习愿望，而伯里曼这个名字在绘画界也算是有一定的影响力，所以我对它的期望值还是比较高的。但目前的初步印象，确实让我心里打了个问号。希望接下来的阅读能够打消我的顾虑，给我带来惊喜，让我觉得当初的期待没有白费。

评分☆☆☆☆☆

在翻阅这本书的过程中，我注意到一个比较明显的问题：某些插图的清晰度并不算很高。虽然它们展示了人体结构的各个方面，但一些关键的细节，比如肌肉纹理的走向，骨骼的起伏，在放大观看时，就会显得有些模糊不清。我猜测这可能与原版的印刷质量，或者是在扫描复制过程中出现了损耗。我理解一本技法大全，图片的质量是至关重要的，它直接影响到读者对技法的理解和模仿。如果图片本身就存在模糊的问题，那么读者就很难准确地把握作者想要传达的细节。我尝试用手指去触摸屏幕（如果是电子版）或者放大来看（如果是纸质版），试图看清楚那些细微之处，但效果都不太理想。这让我不禁怀疑，这本书是否经过了精心的后期处理，或者说，是否使用了更高分辨率的原始素材。我非常希望能看到更加清晰、锐利的插图，这样我才能更自信地去描摹和学习。有时候，一个微小的阴影变化，一个转折处的精确线条，就能够让整个造型活起来，而模糊的图片，则会大大增加学习的难度。

评分☆☆☆☆☆

我打开这本书，最先吸引我注意力的，是它对人物比例的讲解。我一直觉得人体比例是绘画的基石，掌握了正确的比例，才能画出既准确又生动的形象。然而，这本书在讲解比例的部分，给我一种过于概念化、理论化的感觉。它列举了各种“头身比”的说法，但却没有给出足够多的实例来展示不同比例在实际绘画中的应用。我更希望看到的是，如何根据不同的年龄、性别、体格，去调整和运用这些比例原则，而不是简单地罗列一堆数字和术语。比如，如何画一个身材矮小但比例协调的孩子？如何画一个肌肉发达但依然优雅的男性？这些实际操作层面的指导，在这本书中显得有些不足。我尝试去对照书中的图例，但很多图例都只是静态的结构展示，缺乏动态的对比和变化。我希望它能有更多关于“动态比例”的讲解，比如在运动状态下，身体各部分的比例会发生怎样的变化，以及如何在速写中快速抓住人物的关键比例。