表演基础 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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封晓东，余力民 编

图书标签:

• 表演
• 戏剧
• 舞台艺术
• 表演技巧
• 戏剧基础
• 艺术教育
• 高等教育
• 文化艺术
• 表演入门
• 戏剧表演

出版社： 中国广播电视出版社

ISBN：9787504363343

版次：1

商品编码：10393167

包装：平装

丛书名： 教育部高等学校高职高专广播影视类专业教学指导委员会主持与播音专业“十二五”规划教材

开本：16开

出版时间：2011-01-01

用纸：胶版纸

页数：359

字数：453000

正文语种：中文

内容简介

《表演基础》共分上下两篇，主要内容包括：解放天性、认识自我、直觉——认识自我的开端、自由——开发自我的钥匙、突破自我、转化——束缚的抛弃、扮演——定式的突破、自我与集体、认识——关系的梳理、竞争——个性的张扬、合作——个性的协调、素质的培养等等。

作者简介

封晓东，山东省诸城市人，毕业于中国戏曲学院。山西戏剧职业学院副教授。从教32年。国家级普通话水平测试员。国家职业技能鉴定(节目主持人员)高级考评员。先后获得山西省戏剧“杏花奖”排导奖； “杏花奖”表演奖；山西省教学剧目汇演“教师示范表演一等奖”；山西省第三届“双师型”教学名师。荣立“一等功”。

目录

上篇 表演元素训练
第一章 解放天性
第一节 认识自我
一、直觉——认识自我的开端
二、自由——开发自我的钥匙
第二节 突破自我
一、转化——束缚的抛弃
二、扮演——定式的突破
第三节 自我与集体
一、认识——关系的梳理
二、竞争——个性的张扬
三、合作——个性的协调
第二章 素质的培养
第一节 松弛与控制
一、肢体的开发
二、肢体的变异
三、肢体的控制
第二节 观察与模仿
一、由表情到肢体
二、由思维到语言
……
下篇 表演能力培养
参考资料
后记

《光影魅影：电影制作的幕后艺术》 内容提要 本书深入剖析了当代电影制作的复杂流程与核心技术，旨在为电影爱好者、影视制作专业人士以及有志于投身电影行业的学习者提供一份详尽而实用的指南。我们不关注舞台表演的技巧与理论，而是将焦点完全置于“幕后”——即如何将一个剧本构思转化为具有视觉冲击力和情感深度的银幕作品。 全书共分为六大部分，系统地涵盖了从项目启动到最终发行的每一个关键环节，旨在揭示好莱坞乃至全球独立电影工业的运作机制。 --- 第一部分：剧本的诞生与开发（Pre-Production Blueprint） 本部分着重于电影制作的“源头活水”——剧本。我们探讨的不是如何进行舞台调度或角色塑造的表演方法，而是剧本结构、市场可行性以及如何将文字转化为可拍摄的蓝图。 1.1 叙事结构与类型解构： 深入分析经典三幕剧结构、英雄之旅模型在现代电影中的变体与创新。同时，对科幻、惊悚、历史剧等不同电影类型在叙事节奏、信息密度上的要求进行细致的对比研究。探讨如何在高概念（High Concept）与人物驱动（Character Driven）之间取得平衡。 1.2 视觉化剧本的准备： 详细讲解剧本分解（Script Breakdown）的专业流程，包括对场景、时间、地点、特殊效果（SFX/VFX）需求的精确标记。引入分镜头脚本（Storyboard）的绘制原则，强调其作为导演与摄影指导之间“视觉语言”的重要性。我们会分析著名导演（如大卫·芬奇、诺兰）在剧本开发阶段如何使用大量的概念图和预视觉化工具来确定电影的最终风格。 1.3 电影融资与法律框架： 讨论独立电影的资金筹集策略，包括风险投资、预售、政府补贴和众筹模式的优劣。同时，涵盖版权、肖像权、音乐使用许可等影视制作中不可或缺的法律知识，确保项目在法律层面上稳健运行。 --- 第二部分：导演的视觉语言与前期准备（Directorial Vision & Logistics） 这一部分是导演工作核心的展现，但其核心是“如何调度非表演元素”以服务于叙事。 2.1 选角、勘景与技术预演： 探讨导演如何根据剧本的氛围和技术需求进行选角，以及选角过程如何反作用于剧本的打磨。详细阐述勘景（Location Scouting）的过程，如何评估场地在光照、声学、交通管制等方面的潜力与限制。介绍“勘景报告”的撰写标准。 2.2 电影摄影指导（DP）的合作： 重点分析导演与摄影指导之间关于“影像风格”的沟通。探讨焦距选择、景深控制、运动镜头设计（如斯坦尼康、摇臂、无人机）对观众情绪引导的作用。对比低调光（Low-Key）和高调光（High-Key）照明策略在不同类型片中的应用。 2.3 美术部门的构建： 深入解析美术指导（Production Designer）的工作范畴，包括场景设计、道具（Props）的文化考证与功能性设计，以及服装设计如何体现时代背景和人物内心冲突。介绍如何通过布景细节来替代大段的对白解释。 --- 第三部分：现场执行与摄影艺术（On-Set Execution & Cinematography） 现场拍摄是理论付诸实践的战场，本部分专注于现场调度、技术执行和危机处理。 3.1 现场调度与效率管理： 探讨如何高效地制定日拍摄计划（Call Sheet）以及如何应对片场突发状况（如天气变化、设备故障）。分析不同拍摄流程（如“先拍全景再拍特写”或“按照场景连贯性拍摄”）的利弊。 3.2 声音的采集与设计： 区别于舞台表演对声音的即时反馈，本部分聚焦于专业剧场麦克风（Boom Mics, Lavalier Mics）的布设，确保同期录音的高质量。讲解如何为后期音效设计预留“声音空间”，以及如何使用现场环境音（Ambient Sound）来增强真实感。 3.3 特效、群演与场面调度： 讲解实景特效（Practical Effects，如爆炸、烟雾、雨水）的设置流程与安全规范。分析如何调度大场面群演（Extras）以营造宏大或混乱的氛围，这其中的调度逻辑完全是基于镜头的构图，而非个体的即兴发挥。 --- 第四部分：后期制作的魔术（The Post-Production Alchemy） 后期制作是重塑电影“呼吸”的关键阶段，它决定了观众最终看到的成品形态。 4.1 剪辑的节奏学： 详尽分析非线性剪辑软件（如Avid, Premiere Pro）的操作哲学。探讨“跳切”、“交叉剪辑”、“匹配剪辑”等剪辑技术如何影响观众对时间流逝和因果关系的感知。分析蒙太奇理论在现代电影中的实际应用。 4.2 视觉效果（VFX）的集成： 介绍从绿幕拍摄到后期合成（Compositing）的全过程。涵盖数字绘景（Matte Painting）、三维模型跟踪（Matchmoving）、粒子系统模拟等复杂技术，强调VFX必须服务于导演最初的视觉意图，而非喧宾夺主。 4.3 声音的二次创作与混音： 深入讲解福雷姆（Foley）艺术家的工作，即如何为动作添加拟真的脚步声、衣物摩擦声。详细阐述声音混音师如何平衡对白、音乐和音效的相对音量和频率范围，以达到杜比全景声等标准。 4.4 调色与最终定调： 调色（Color Grading）是赋予电影最终情感色彩的步骤。分析不同的色彩空间（如Rec. 709, DCI-P3）以及如何通过色调、对比度和饱和度来固化电影的整体情绪基调（例如，冷色调暗示疏离，暖色调暗示怀旧）。 --- 第五部分：电影的营销与发行（Marketing & Distribution Strategies） 成功的电影不仅需要出色的制作，更需要精准的发行策略。 5.1 预告片与海报的制作艺术： 探讨如何通过一个两分钟的预告片来精确地传达电影的类型、核心冲突和视觉风格，并避免过度剧透。分析电影海报的设计心理学。 5.2 电影节与市场： 介绍参加主要国际电影节（如戛纳、柏林、圣丹斯）的目的、流程和策略。讨论发行商如何评估电影的市场潜力并制定全球发行计划。 5.3 院线、流媒体与数字版权： 分析当前复杂的发行生态系统，从院线窗口期到家庭娱乐（VOD, DVD/蓝光）和流媒体平台的授权模式，为创作者提供清晰的商业路径图。 --- 总结 本书旨在提供一个技术与艺术交织的视角，展示电影制作如何是一项高度工业化、跨学科协作的宏大工程。它记录了光影、声音、结构、技术如何被精确地编排，以共同服务于一个统一的、震撼人心的银幕叙事体验。本书是献给那些热衷于“创造世界”而非“在世界中表演”的幕后工作者的宝贵资料。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和配图简直是一股清流。在内容已经足够硬核的前提下，它竟然还配备了大量经过精心挑选和标记的舞台调度示意图和面部肌肉活动图谱。我通常看技术性书籍会容易感到疲劳，但《表演基础》却通过视觉化的辅助，将抽象的理论变得具象化。 尤其让我印象深刻的是关于“声音的物理特性与情感共振”那一章。作者没有停留在教你如何“把声音放出来”，而是深入到胸腔共鸣、头腔共鸣的实际操作细节，甚至配上了关于声带振动原理的简洁图示。这使得读者不仅“知道”该怎么做，还能“理解”为什么这么做是有效的，从生理层面搭建起了对声音控制的信心。我尝试书中所述的“腹式呼吸进阶练习”，坚持了半个月，感觉声音的穿透力和持久性都有了肉眼可见的提升。这本书对待每一个技术环节都抱持着“科学严谨”的态度，这对于建立一个稳定、持久的表演体系来说，是至关重要的基石。它让你明白，表演的“感觉”是建立在扎实的“技术”之上的。

评分☆☆☆☆☆

这本《表演基础》真是一本让人爱不释手的宝典！我作为一个对戏剧表演充满好奇的初学者，拿到这本书的时候，心里充满了期待。一翻开，我就被作者那深入浅出的讲解方式深深吸引住了。它并没有直接丢给我一堆晦涩难懂的术语，而是像一位经验丰富的老教授，循循善诱地引导我走进表演的世界。 书的第一部分重点梳理了“表演的本质”这一宏大命题。作者没有空泛地谈论什么“艺术的崇高”，而是从最微小的“身体感知”入手。比如，书中花了大量的篇幅去解析如何通过呼吸的控制来影响情绪的释放，这一点对我触动极大。我以前总觉得表演就是“做戏”，但这本书告诉我，真正的表演是内在体验的外化。它详细描述了如何进行“情境植入”——不是去模仿别人的痛苦，而是去理解并重构角色在特定情境下的心理活动。书中提供的那些小练习，比如“静默十分钟，只专注于听觉的感知”，虽然简单，但极大地锻炼了我的环境敏感度和非语言沟通的能力。我甚至觉得，这本书对提升日常人际交往中的共情能力都有奇效。它教会了我如何“慢下来”，如何真正地“在场”，而不是仅仅站在那里念台词。这种由内而外的构建方式，让我对表演这个学科有了一种全新的、扎实的认知基础，远超出了我预想中的那种流于表面的技巧罗列。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，我之前看过一些市面上流行的表演速成指南，那些书往往充斥着各种夸张的口诀和速成秘籍，读完后总感觉像吃了速食面，味道是有了，但营养和回味全无。然而，《表演基础》完全是另一种画风——它更像是一部严谨的学术研究与亲身实践经验的结晶。这本书的结构安排非常精妙，它似乎故意将“方法派”和“体验派”的理论巧妙地糅合在一起，却又保持了各自的独立性和严谨性。 最让我惊喜的是书中关于“潜意识驱动”那一章的论述。作者引用了大量的心理学案例来佐证表演动机的形成过程，而不是简单地用“代入角色”来一笔带过。例如，书中对比了两种不同的“意图”如何在舞台上产生不同的能量场，这种细致入微的分析，让原本模糊的“表演动机”变得清晰可见、可操作性极强。特别是书中对“舞台调度与空间利用”的讨论，它不是告诉演员应该站在哪里，而是分析了舞台上不同位置对观众心理产生的影响，这简直是为导演系和演员系的学生量身定做的深度解析。读完这一部分，我开始明白为什么有些演员看似什么都没做，却能牢牢抓住所有人的目光——那是因为他们对舞台空间拥有绝对的“所有权”和“理解力”。这种对表演底层逻辑的挖掘，使得这本书的价值远远超越了一本“入门”读物。

评分☆☆☆☆☆

说句公道话，这本书的语言风格可以说是相当“克制”，它既不谄媚读者，也不故作高深，但其内核的厚度绝对是顶级的。我特别欣赏作者对待“模仿”这一话题的立场。在很多初级读物中，“模仿”常被视为洪水猛兽，但《表演基础》却用了整整一节篇幅来探讨“有意识的借鉴与去风格化”。作者提出，模仿不应是最终目的，而应是探索角色可能性的一种“试错工具”。 书中详尽地拆解了西方戏剧史中几个标志性流派（如布莱希特的疏离效果与斯坦尼斯拉夫斯基的魔术圆圈）的内在冲突点，并提出了一个极具启发性的观点：成熟的表演是两种看似矛盾的需求之间的动态平衡。对我这样一个正在尝试寻找自己表演声响的个体来说，这种平衡哲学实在太重要了。它让我意识到，风格的形成不是一蹴而就的，而是从对各种技法的掌握与扬弃中自然涌现的。书中对“即兴”的论述也摆脱了以往那种散漫的印象，它被系统地梳理成一系列有目的的训练，每一个即兴片段都有其清晰的“目标导向”，这极大地提升了我对即兴训练的严肃性认识。

评分☆☆☆☆☆

我必须得提一下这本书的“自我审查与反思机制”部分，这几乎是我认为它能脱颖而出的核心原因。很多表演书籍只关注如何“做得好”，却很少谈论如何“看得清”自己的表演。这本书提供了一套非常完整的“排练日志结构范本”和“自我评估量表”。 它强迫读者在每一次练习或排练结束后，都要从“外部观察者视角”、“内在体验视角”和“观众接收视角”三个维度进行交叉审视。书中提出的“三问法”——“我真正想传达的是什么？”“我的身体是否诚实地表达了它？”“观众会如何解读我的沉默？”——直到现在还在我脑海中回响。这套系统性的反思工具，将原本感性的表演过程，变成了一个可以被量化、分析和迭代的“项目”。它教会我，真正的专业人士，不仅是舞台上的演员，更是自己表演的首席研究员。这本书不是提供捷径，而是搭建了一个长远的、可持续成长的框架，让我确信，只要遵循书中构建的方法论，我的表演之路会走得更加坚实和有方向感。

评分☆☆☆☆☆

同学爱表演，买来当生日礼物送给他的

评分☆☆☆☆☆

属于使用教材，适合老师和学生一起用。主要为播音主持表演。

评分☆☆☆☆☆

不错

评分☆☆☆☆☆

书很不错，我非常的喜欢啊

评分☆☆☆☆☆

看不懂

评分☆☆☆☆☆

我个人觉得还不错，还挺适合用的

评分☆☆☆☆☆

还没来得及看。。。。。

评分☆☆☆☆☆

那一刻我是多么羡慕他，羡慕他沉沉的满满的担子，羡慕他那可以让人心安的肩膀。

评分☆☆☆☆☆

东西不错，发货速度也非常快。