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刘懋善 著

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出版社： 天津杨柳青出版社

ISBN：9787807386629

商品编码：1069462184

出版时间：2011-01-01

作  者:刘懋善 著作 定  价:39 出 版 社:天津杨柳青出版社 出版日期:2011年01月01日 页  数:74 装  帧:平装 ISBN:9787807386629 ●一、创作随感
●  小镇长廊
●  姑苏水巷
●  教堂一瞥
●  鲁昂的教堂
●  巴黎一瞥
●  巴黎街道一瞥
●  巴黎小镇
●  即到圣母院
●  雨后
●  初秋
●  法国南部小镇风光
●  初秋
●  晚秋
●  山塘老屋
●  奥斯陆印象
●  萨吉诺的冬天
●  紫烟
●  深秋季节
●  郊外的深秋
●部分目录

内容简介

刘懋善，是有名山水画家。现为苏州国画院副院长，国家一级美术师，苏州大学艺术学院教授。早年学习西洋画，对欧洲古典艺术大师的作品和现代印象派绘画有深刻而广泛的研究。后来转学中国画，从事山水画创作。刘懋善的山水画酣厚绵邈，写江南风光，清新朴茂，恬静抒情，别具一格，并吸收了西洋画的光、色处理方法，增强了国画的时代感。许多作品的笔墨和布局，深具传统，用笔雄浑深秀。善于通过对比、渲染和节奏的变化，精细刻画自然界的声色动静。本书包括了创作随感、作品步骤解析、作品欣赏三个部分的内容。

刘懋善 著作     刘懋善，1942年出生，苏州人，有名山水画家。现为中国美术家协会会员，苏州国画院副院长，国家一级美术师，苏州大学艺术学院教授。美国萨吉诺大学访问学者。享受特殊津贴。1962年毕业于苏州工艺美术专科学校。早年学习西洋画，对欧洲古典艺术大师的作品和现代印象派绘画有深刻而广泛的研究。后来转学中国画，从事山水画创作。刘懋善的山水画酣厚绵邈，写江南风光，清新朴茂，恬静抒情，别具一格，并吸收了西洋画的光、色处理方法，增强了国画的时代感。许多作品的笔墨和布局，深具传统，用笔雄浑深秀。善于通过对比、渲染和节奏的变化，精细刻画自然界的声色动静。

《中国水墨画的意境营造与笔墨精神》 引言：笔墨丹青，意韵悠长 中国水墨画，不仅仅是线条与色彩的组合，更是中国传统文化深厚底蕴的载体。它承载着文人雅士的精神追求，寄托着对自然万物的深刻感悟，以“笔墨”为灵魂，以“意境”为核心，构建了一个超越形似的精神世界。本书《中国水墨画的意境营造与笔墨精神》旨在深入探究水墨画的精髓，从技法、观念、精神等多个维度，揭示中国水墨画为何能够历久弥新，散发出独特的艺术魅力。 第一章：水墨的物质性与精神性——墨色的变奏与情感的流淌 水墨画的根基在于“墨”。墨，由松烟、桐烟等炭化物与胶质熬制而成，其本身就蕴含着丰富的物质信息。然而，在水墨画家的手中，墨却能呈现出千变万化的色彩和质感。一块浓墨，可以厚重如山峦；一笔淡墨，可以轻盈如云烟。这种“墨分五色”的奥秘，并非简单的物理变化，而是艺术家情感与精神的投射。 墨的生成与变化： 从宣纸对墨的吸附性，到水与墨的融合程度，都决定了墨色在画面上的表现力。理解墨的“干、湿、浓、淡、焦”，是掌握水墨表现力的第一步。干墨苍劲，富于力量；湿墨滋润，充满生机；浓墨浑厚，质感强烈；淡墨空灵，意境悠远；焦墨枯涩，刚毅独特。这些墨色的层次与对比，构成了画面的骨架与血肉，传递着画家对物象的理解与情感。 水与墨的共舞： 水在中国水墨画中扮演着至关重要的角色。水不仅是调和墨色的媒介，更是赋予画面生命力的关键。蘸水后的笔触，能够产生晕染、飞白等效果，使得线条不再是单一的平面，而是充满了立体感和呼吸感。水与墨的巧妙结合，能够营造出烟雨朦胧、水汽氤氲的自然景象，让观者仿佛置身其中，感受到自然的灵动与生命的气息。 情感的晕染： 墨色的变化，不仅仅是技法的表现，更是画家内心情感的自然流露。画家在创作时，会将自己的喜怒哀乐、对自然的敬畏与热爱，融入到每一笔、每一墨之中。一幅饱含深情的画作，能够触动观者的内心，引发共鸣。例如，描绘山川的壮丽，可以运用浓重苍劲的墨色，表达对祖国山河的热爱；描绘花鸟的灵动，可以运用轻盈灵巧的笔触，展现生命的美好。 第二章：笔墨的骨骼与筋脉——线条的生命力与造型的张力 “笔墨”是中国画的灵魂，而“笔”则是构成画面的骨骼和筋脉。一笔下去，不仅仅是留下痕迹，更是注入了生命的活力。中国水墨画的线条，讲究“以形写神”，注重线条的力度、速度、韵律和变化，力求在寥寥几笔之间，勾勒出物象的内在精神。 用笔的八法： “永字八法”是中国书法中关于用笔的基本法则，虽然侧重于书法，但其精神内核同样适用于中国水墨画的用笔。点、横、竖、钩、屈、折、挑、捺，这八个基本笔画的训练，能够帮助画家掌握用笔的力度、方向、速度和节奏，从而使线条具有刚柔并济、变化无穷的生命力。 线条的性格： 不同的线条，具有不同的性格。粗犷有力的线条，可以表现山的巍峨、树的苍劲；细腻流畅的线条，可以描绘水的柔美、花的娇嫩；疾风骤雨般的线条，可以展现生命的动感；轻柔舒缓的线条，可以传递宁静致远的意境。画家通过对线条的精准运用，赋予了画面独特的表情与气质。 骨法用笔，气韵生动： “骨法用笔”强调的是线条的结构和力量感，使物象有筋骨，不至于软弱无力。“气韵生动”则是指通过笔墨的运用，使画面充满生命力，能够引起观者的共鸣。画家在挥洒笔墨时，需要将对物象的观察、理解与自身的精神融为一体，才能达到“气韵生动”的境界。一幅好的水墨画，即使只是一些简单的线条，也能让观者感受到生命的存在与力量。 第三章：意境的营造——“虚”与“实”的对话，留白的空间美学 中国水墨画最令人着迷之处，在于其“意境”。意境，是将画面中的“形”与“神”融为一体，通过有限的笔墨，引发观者无限的联想，达到“言有尽而意无穷”的艺术效果。而“虚”与“实”的巧妙运用，以及“留白”的空间美学，则是营造意境的关键。 “实”的描绘： “实”指的是画面中具体描绘的物象，可以是山川、花鸟、人物等。然而，即使是“实”的描绘，在水墨画中也并非完全写实，而是经过艺术家的提炼与概括。例如，描绘一棵古松，画家可能只会勾勒出其盘根错节的枝干和苍劲的虬髯，而不会去描绘每一片松针的细节。这种“实”的描绘，目的是抓住物象的本质特征，使其更具表现力。 “虚”的运用： “虚”则指画面中未曾描绘的空间，是通过笔墨的留白所产生的效果。留白并非“空白”，而是“有意思的空白”。它为观者提供了想象的空间，让观者能够自行填充画面之外的内容。例如，在山水画中，一片留白，可以是缥缈的云雾，可以是深邃的天空，也可以是观者内心的宁静。这种“虚”的运用，极大地拓展了画面的深度与广度。 “虚实相生”的哲学： “虚实相生”是中国哲学中的重要观念，在水墨画中得到了充分的体现。虚实之间相互依存，相互补充，共同构成了完整的艺术画面。画家通过对虚实的精妙处理，使得画面既有实在的支撑，又有飘渺的遐想，达到了一种和谐的统一。例如，一幅描绘秋江的画作，可能只有几笔枯黄的芦苇，一片淡墨的江面，以及大片的留白，但观者却能从中感受到秋风的萧瑟，江水的辽阔，以及一丝淡淡的惆怅。 空间的情感： 留白所创造的空间，不仅仅是视觉上的空间，更是情感上的空间。这片空白，可以承载观者的思绪，引发观者的共鸣。画家通过引导观者的视线，让他们在画面中的“实”与“虚”之间穿梭，感受画面的节奏与韵律，最终进入画家所营造的情感世界。 第四章：中国水墨画的精神内核——“天人合一”的宇宙观与“师造化”的艺术观 中国水墨画之所以能够流传千古，其深厚的哲学思想和人文精神是不可或缺的支撑。它不仅仅是技艺的展现，更是艺术家内心世界的表达，是对宇宙人生真谛的探索。 “天人合一”的哲学： “天人合一”是中国传统文化的核心理念之一，强调人与自然的和谐统一。在中国水墨画中，这种理念体现在画家对自然的观察与感悟上。画家并非机械地模仿自然，而是试图通过笔墨，将自己融入到自然之中，感受自然的脉搏，体会自然的生命力，并将这种感受升华，转化为艺术作品。山水画中的崇山峻岭，并非仅仅是地貌的呈现，更是画家对宇宙宏大与自身渺小的思考；花鸟画中的一草一木，也并非仅仅是生物的描绘，更是画家对生命顽强与美好瞬间的赞叹。 “师造化”的艺术观： “师造化”是中国画的重要创作原则，意为“以自然为师”。然而，这里的“师造化”，并非简单的“照搬自然”。它要求画家深入观察、体验自然，理解自然的规律，然后用自己的笔墨语言，将其转化为艺术。正如古语所云：“外师造化，中得心源。” 仅仅模仿自然，是“形似”；而将对自然的感悟与自身的精神融合，才能达到“神似”，创造出具有生命力的艺术作品。 文人画的精神追求： 中国水墨画，尤其是在文人画兴起之后，更是承载了深厚的文人情怀。文人画注重“诗、书、画、印”的结合，强调“逸笔草草”、“写意传神”，以画作为载体，抒发个人情怀，表达人生感悟，追求精神的自由与超脱。水墨画成为了文人雅士寄情山水、抒发胸臆的重要方式，也成为了他们精神世界的一种映射。 结论：笔墨当随时代——传承与创新的融合 中国水墨画，以其独特的魅力，在世界艺术之林中独树一帜。它承载着中华民族的审美情趣与哲学思想，至今依然散发着蓬勃的生命力。然而，艺术并非一成不变，传承与创新是艺术发展的永恒主题。 本书《中国水墨画的意境营造与笔墨精神》旨在通过对水墨画技法、观念与精神的深入解读，帮助读者更好地理解中国水墨画的博大精深。在当今时代，我们更应在继承优秀传统的基础上，勇于探索与创新，让中国水墨画在新的时代背景下，焕发出更加璀璨的光彩。未来的水墨画，或许会有新的材料、新的表现手法，但其核心的精神内核——对自然的热爱，对生命的感悟，对人文情怀的抒发，将永远是其不竭的源泉。 通过对水墨画意境营造与笔墨精神的探究，我们不仅能欣赏到一幅幅精美的画作，更能从中体悟到中国传统文化的智慧与魅力，感受到艺术家们对宇宙人生的深刻洞察。这，便是中国水墨画永恒的价值所在。

评分☆☆☆☆☆

拿到《刘懋善水墨画技法解读》这本书，我第一时间就被其精美的装帧和丰富的插图所吸引。然而，真正让我爱不释手的是书中对水墨画“神韵”的深刻挖掘。刘懋善先生在阐述如何表现飞禽走兽的灵动时，有着独到的见解。他不是简单地描摹动物的外形，而是通过观察动物的眼神、姿态、动作，去捕捉它们的生命力。例如，他如何描绘鹰隼的锐利目光，如何表现骏马的奔腾姿态，都充满了生命力和动感。书中对“神韵”的解释，让我意识到，水墨画的精髓在于“得其神，遗其形”。刘先生通过大量的范例，细致地讲解了如何运用线条和墨色来表现动物的内在精神。他对笔墨的变化和运用，不仅仅是为了表现物体的形态，更是为了传达一种情感，一种生命的气息。我尤其欣赏他对“留白”的运用，他如何利用空白来营造空间感和氛围感，让画面富有呼吸和生命力。这本书就像一位循循善诱的老师，引导我一步步走进水墨画的殿堂，让我领略到中国水墨画的独特魅力和深厚底蕴。

评分☆☆☆☆☆

读完《刘懋善水墨画技法解读》这本书，我真的感到受益匪浅，尤其是书中对于线条的细腻描绘和运用，简直是开启了我对水墨画的新认识。刘懋善先生的笔触，不是那种随意的挥洒，而是充满了力量和生命力。他如何通过不同的墨色变化，从浓重的焦墨到淡雅的宿墨，描绘出物体的质感和体积感，这一点我以前很少注意到，或者说，即使注意到了，也无法像书中这样系统地学习和理解。他对于皴法的讲解，例如披麻皴、荷叶皴等等，不仅展示了其在不同山石、树木上的应用，还深入剖析了每一种皴法的精神内涵，以及如何通过这些皴法来传达画家的情感和意境。我特别喜欢书中关于“骨法用笔”的章节，它让我明白，水墨画的线条不仅仅是轮廓，更是骨架，是支撑整个画面的灵魂。刘先生通过大量的实例，示范了如何以“书写”的心态来对待用笔，让每一笔都饱含力量，同时又疏朗有致。他的讲解清晰易懂，即便是我这样初学者，也能从中找到切入点，并且感受到水墨画的魅力所在。这本书就像一个宝藏，每一次翻阅都能挖掘出新的惊喜，让我对刘懋善先生的艺术造诣有了更深的敬意，也对自己未来的水墨学习之路充满了信心。它不仅仅是一本技法书，更是一本关于如何理解和感受水墨艺术的书，我强烈推荐给所有热爱水墨画的朋友们。

评分☆☆☆☆☆

《刘懋善水墨画技法解读》这本书，彻底颠覆了我对水墨画的传统认知。刘懋善先生在解读如何表现山水的“气势”时，展现了其磅礴的艺术胸怀。他不仅仅是描绘山川的形态，更是捕捉其内在的“精神”。书中关于“写意”的讲解，让我明白了水墨画的精髓在于“似与不似之间”。他如何通过简练的笔墨，传达出山水的雄浑壮阔，让我看到了中国传统山水画的无穷魅力。我对书中关于“墨法”的讲解印象深刻，它不仅仅是颜色的运用，更是对光影、空间和体积的表现。刘先生对“虚实”的巧妙运用，让画面充满了呼吸和生命力。他不仅仅是在画画，更是在描绘一幅幅流动的诗篇。这本书让我明白，真正的水墨画，是能够“胸有丘壑”的。

评分☆☆☆☆☆

《刘懋善水墨画技法解读》这本书，为我打开了通往中国水墨画的另一扇大门。刘懋善先生在解读如何表现水墨画中的“动感”时，展现了其非凡的艺术功力。他不仅仅是描绘静态的景物，更是捕捉那些稍纵即逝的瞬间，并将它们定格在画面之中。书中关于“行笔”和“用墨”的讲解，让我明白了如何通过笔墨的变化来表现物体的动势。例如，他如何描绘风吹柳枝的摇曳，如何表现流水潺潺的动态，都充满了生命力。我对书中关于“飞白”的运用印象深刻，它不仅仅是笔触的断裂，更是力量的释放，是动感的体现。刘先生对“节奏感”的把握，让画面充满了律动，如同音乐一般。他不仅仅是在画画，更是在创作一种生命的气息。这本书让我明白，水墨画的动感不仅仅是物理上的运动，更是精神上的流动。

评分☆☆☆☆☆

当我翻阅《刘懋善水墨画技法解读》这本书时，我深切地感受到刘懋善先生对于水墨画的“意”的追求。他不仅仅是讲解“形”，更强调“意”的传达。他在解读如何表现景物的“意境”时，所提出的“画山必有山之魂，画水必有水之灵”的理念，对我触动很大。他如何通过对景物的细致观察，捕捉其最独特的“神韵”，并将其融入到画面之中，让我看到了水墨画的写意精神。书中对于“墨分五彩”的深入讲解，让我明白墨色不仅仅是黑白灰的简单堆叠，而是蕴含着丰富的情感和表现力。刘先生如何运用浓、淡、干、湿、润等不同的墨色变化，来表现景物的质感、空间感和光影变化，都让我惊叹不已。他对“留白”的运用，更是达到了出神入化的境界，让画面充满了无限的想象空间。这本书不仅仅是一本技法指南，更是一本关于如何理解和感受水墨画“意境”的哲学著作，让我对艺术的理解更加深刻。

评分☆☆☆☆☆

翻开《刘懋善水墨画技法解读》，我立刻被书中那股沉静而厚重的艺术气息所吸引。刘懋善先生在构图上的独到之处，书中给予了详尽的解读。他不仅仅是简单地介绍“三分法”或“黄金分割”，而是将构图上升到了意境营造的高度。他如何运用“虚实相生”的原则，在画面留白处赋予生命，让观者在想象的空间中得到无限延展，这一点给我留下了深刻的印象。书中对于“气韵生动”的论述，更是让我醍醐灌顶。我一直以为水墨画的“气韵”是可遇不可求的，但通过刘先生的讲解，我才明白，原来这是一种可以通过对自然万物的细致观察和深刻理解，再通过娴熟的笔墨技法来表达的。他如何捕捉花鸟的动态之美，如何表现山水的磅礴气势，都离不开他对“气韵”的把握。书中关于“笔墨情趣”的探讨，也让我受益匪浅。我以前总觉得水墨画是严肃的、高雅的，但刘先生却展现了笔墨中蕴含的活泼与生机，让冰冷的墨点与线条充满了情感和温度。他对枯笔、飞白的运用，以及如何通过这些看似“不完美”的笔触来增强画面的表现力，都让我看到了水墨画的无限可能。这本书不仅仅是技法的堆砌，更是一种艺术理念的传递，让我明白了如何在创作中注入自己的情感和思考，让每一幅作品都拥有独特的生命力。

评分☆☆☆☆☆

《刘懋善水墨画技法解读》这本书，着实让我领略到了中国水墨画的博大精深。刘懋善先生在解读山水画的创作意境时，所展现出的那种深厚的人文情怀和对自然的敬畏之心，令人动容。他关于“外师造化，中得心源”的阐释，不仅让我理解了写生对于水墨画的重要性，更强调了画家需要将自然之形转化为内心的情感和精神。书中对于山石肌理的刻画，并非千篇一律，而是根据山石的形态、年代、纹理，采用不同的皴法和墨色，赋予山石不同的生命。例如，他对陡峭山崖的描绘，用苍劲有力的笔触，展现其险峻；对连绵起伏的山峦，则用温润的墨色，表现其秀美。这种对细节的极致追求，让我看到了刘先生作为一位艺术家对自然的敏锐洞察力。此外，书中关于“意境”的探讨，让我明白水墨画不仅仅是技巧的展示，更是画家对世界的一种理解和表达。他如何通过画面的虚实对比、疏密有致，来营造一种引人入胜的意境，让我感受到了中国传统美学的魅力。这本书为我打开了一扇了解水墨画意境之美的窗户，让我更加热爱这门古老的艺术。

评分☆☆☆☆☆

《刘曼善水墨画技法解读》这本书，让我对花鸟画的理解上升到了一个新的高度。刘懋善先生在解读如何表现花卉的娇艳和枝叶的生机时，展现了其炉火纯青的技艺和深厚的文化底蕴。他不仅仅是简单地描绘花朵的色彩和形态，更是深入地挖掘花卉在不同季节、不同状态下的美。书中对于“勾勒”技法的讲解，让我看到了线条的无限可能。他如何运用粗细、刚柔、疾徐的线条，来表现花瓣的轻柔、枝干的挺拔、叶片的舒展，都充满了生命力。我对书中关于“没骨法”的阐述印象深刻，它打破了传统的勾勒束缚，直接用色彩和墨色来表现花卉的形态，显得更加生动和写意。刘先生在用墨用色上的大胆尝试，以及对色彩与墨色的巧妙融合，让我看到了花鸟画的现代感和创新性。他对于花卉的“神态”把握，不仅仅是外形上的相似，更是内心情感的抒发。这本书让我明白，创作不仅仅是模仿，更是对自然的热爱和对生命的赞美。

评分☆☆☆☆☆

阅读《刘曼善水墨画技法解读》，我最大的收获是对中国水墨画“气韵”的重新认识。刘懋善先生在解读如何表现画面的“气韵”时，将哲学、美学和绘画技法融为一体。他不仅仅是讲解笔墨的技巧，更是强调“得气”的重要性。他如何通过对自然万物的细致观察，捕捉其内在的“生命之气”，并将其赋予笔下的画面，让我看到了水墨画的灵动与生命力。书中关于“笔墨意趣”的探讨，让我明白了水墨画不仅仅是技巧的展示，更是画家情感和精神的寄托。刘先生对“枯笔”、“飞白”等看似“不完美”的笔触的运用，更是将画面的表现力推向极致。他不仅仅是在画画，更是在表达一种对生命的感悟。这本书让我意识到，真正的水墨画，是能够“言有尽而意无穷”的。

评分☆☆☆☆☆

这本书《刘懋善水墨画技法解读》，给我带来的不仅仅是绘画技法的提升，更是一次精神的洗礼。刘懋善先生在解读如何表现水墨画中的“韵味”时，展现了其深厚的文化底蕴和人文情怀。他不仅仅是描绘物体的形似，更是注重其“神似”。书中关于“笔墨情趣”的讲解，让我明白了水墨画的魅力在于其“言有尽而意无穷”。他如何通过对线条、墨色的微妙变化，传达出画面的意境和情感，让我看到了中国传统美学的独特魅力。他对“意境”的追求，不仅仅是外在的描摹，更是内在精神的抒发。这本书让我明白，真正的水墨画，是能够“与万物同情”的。