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夏燕靖 著

图书标签:

• 中国艺术史
• 中国设计史
• 艺术设计
• 设计史
• 中国文化
• 艺术
• 设计
• 历史
• 文化
• 美学

出版社： 辽宁美术出版社

ISBN：9787531426806

版次：1

商品编码：10764198

包装：平装

丛书名： 高等艺术院校教材

开本：32开

出版时间：2001-06-01

用纸：胶版纸

页数：320

正文语种：中文

编辑推荐

用系列套书的形式将高等艺术院校专业理论教材编辑出版，在国内高等艺术教育界属重大科研究项目之一，这对于高等艺术院校的学科建设，进而推动艺术院校学生专业文化素质的全面提高，无疑有着十分重要的意义，由南京艺术学院和辽宁美术出版社首次合作推出的这套系列教材共计六本，即中国美术史、外国美术史、中国艺术设计史、外国艺术设计史、中国书法史、艺术概论，均为高等艺术院校必修的专业理论课程。

内容简介

用艺术设计的眼光和思维来审视中国漫长的农业和手工业社会活动的发展历程，是一项值得关注的新课题。这一全新课题，摆脱了沿用很久的中国工艺美术史的叙事方式和研究方法，从而注意到我们的祖先们在造物活动中的设计动机和绵延二十余世纪的封建社会将技术与艺术融为一体的“匠作之业”的设计思想和“营造法式”。同时，也着重研究这一庞大的“匠作之业”中的设计行为和设计风格的演变。对于中国古代的艺术设计思想，特别是反映在若干工艺设计典籍中诸如《考工记》、《天工开物》等，将从设计的视角予以诠释。此外，中国艺术设计史还将系统地对设计与农业经济的关系、设计与传统文化的关系、设计与古代科技的关系，以及对近代中国艺术设计落后的原因等作一次较为全面的分析，对诸多问题进行梳理，从理论思辨的深度进行研究并阐释。由此看来，中国艺术设计史与以往的中国工艺美术史的最主要的区别就在于前者侧重于设计与功能，而后者侧重于工艺与欣赏。当然，在论及中国艺术设计史的过程中还会碰到许多内容和以往的中国工艺美术史中涉及的材料有些重合，但由于视角的不同，其叙事和立论观点必然会出现新的视野。

内页插图

精彩书评

绪论
用艺术设计的眼光和思维来审视中国漫长的农业和手工业社会活动的发展历程，是一项值得关注的新课题。这一全新课题，摆脱了沿用很久的中国工艺美术史的叙事方式和研究方法，从而注意到我们的祖先们在造物活动中的设计动机和绵延二十余世纪的封建社会将技术与艺术融为一体的“匠作之业”的设计思想和“营造法式”。同时，也着重研究这一庞大的“匠作之业”中的设计行为和设计风格的演变。对于中国古代的艺术设计思想，特别是反映在若干工艺设计典籍中诸如《考工记》、《天工开物》等，将从设计的视角予以诠释。此外，中国艺术设计史还将系统地对设计与农业经济的关系、设计与传统文化的关系、设计与古代科技的关系，以及对近代中国艺术设计落后的原因等作一次较为全面的分析，对诸多问题进行梳理，从理论思辨的深度进行研究并阐释。由此看来，中国艺术设计史与以往的中国工艺美术史的最主要的区别就在于前者侧重于设计与功能，而后者侧重于工艺与欣赏。当然，在论及中国艺术设计史的过程中还会碰到许多内容和以往的中国工艺美术史中涉及的材料有些重合，但由于视角的不同，其叙事和立论观点必然会出现新的视野。诸如原始时期最具有创造性的造物活动一一原始陶器，其功能与形态的构成便是艺术设计史研究的对象；而工艺美术史一般把重点放在原始彩陶的装饰纹样上。对青铜器的研究也、是如此，从艺术设计的角度看，战国和汉代的青铜器功能突出、设计感强，具有创造性的价值，这一时期应是青铜器功能设计的最辉煌时期；而工艺
美术史则把重点放在商代晚期至西周早期的青铜器装饰纹样上。此外，对于在工艺美术史中渲染较多的以陈设欣赏性为主的工艺品，如玉器、刺绣、雕刻、景泰蓝，宣德炉等均不列入艺术设计史研究的范畴．而平面设计，包括中国古代的徽标、图形汉字设计、包装广告设计、书籍装帧设计等都凝聚着民族文化非凡的设计智慧，是中国艺术设计史中一份宝贵的财富。中国古代的生产、生活器具，如饮食炊具，家具物件、农用工具、运输及交通舟车等，由于其中蕴含着丰富多彩的生活内容、生活方式和生活哲理，正是体现着中国古代艺术设计的发展与创造的成就篇章，因而列为中国艺术设计史中的重要内容。再有环境和室内布局，如建筑空间构造、室内装修与陈设、庭园布置规划等，以往大多分散在建筑或园林史料之中，理应纳入中国艺术设计史予以讨论。当然，中国艺术设计史涵盖的范围远不止于这些项目。数千年来，中国文化典籍中的类书记载就有条目数千之多，若按照我国传统的学科分类法，设计当属“技艺”与“营造”门类。在唐代欧阳询等编纂的《艺文类聚》中，涉及设计的部卷就有“居处部”、“产业部”、“服饰部”、“舟车部”、“巧艺部”等；到了宋代，李防等奉敕编纂的《太平御览》，其中“工艺部”、“器物部”、“舟部”、“车部”、“珍宝部”等随类相从，无疑属设计门类；成书于清康熙与雍正年间的《古今图书集成》 是我国现存最大的一部类书，共一万卷，内中考工诸典诠释的材料之丰富，分类之详细得体，在类书中当首屈一指。应该说，这些丰富的古籍类书与史料记载的众多艺术设计经典项目，为中国艺术设计史提供了足够完整的材料。而中国艺术设计史的成书价值就在于力求寻找符合艺术设计自身发展规律的史料进行建构，并形成具有独特视角的研究线索，进而阐明在中国艺术设计史上每个时代设计风格的形成，都与当时的文化发展有着密切的联系。一个时代的文化、经济、技术的水平，是促进那个时代设计发展的土壤；一个时代的艺术设计，又反映了那个时代文化的面貌和特征。因此，一部中国艺术设计发展史，也是一部物化的中国文化史。

目录

绪 论
第一章 原始社会的艺术设计
一、设计的起源与石器的制作设计
二、陶器的制作与器型的设计
三、纺编织物的产生与设计形式
四、原始居住设计的雏形

第二章 夏商周时期的艺术设计
一、青铜器的出现与形制设计
二、原始陶瓷器的形成与实用设计
三、交通运输工具的设计规范
四、城建布局与建筑设计
五、丝纺织物与服饰艺术设计

第三章 春秋战国时期的艺术设计
一、冶铁的发明与铁器的制作设计
二、青铜冶铸技术的推广和提高促使其装饰设计的进步
三、青铜器的设计演变和创新
四、纺织练染业的兴旺与服饰的变化
五、制陶业的发展与陶器的设计
六、漆器工艺与设计的渐趋成熟
七、与战争密切相关的车船制造业
八、中国古代设计思想的渊源

第四章 秦汉时期的艺术设计
一、官手工业制度的完善与私营手工业的形成背景
二、规模宏大的冶铁业与冶铁技术的成熟，促使铁制工具设计的进步
三、冶铜业的发展与铜器设计
四、纺织、印染、服饰的设计
五、制陶业的进步与瓷器烧制技术的成熟，标志着陶瓷设计的日臻完善
六、漆器业的兴盛与漆艺设计
七、车船制造业的空前发展，显示着车船设计水平的提高
八、建筑设计与木作业
九、工具的使用与设计
十、古代设计理论的出现与形成
第五章 魏晋南北朝时期的艺术设计
……

前言/序言

《纹样之魂：中国古代装饰艺术的千年流转》 本书并非梳理中国艺术设计发展的宏大叙事，而是聚焦于一个看似微小却贯穿古今的元素——纹样。从新石器时代的陶器刻符，到秦汉的青铜铭纹，再到唐宋的锦绣华章，直至明清的珐琅彩绘，我们追溯中国纹样在不同时代、不同材质、不同器物上所展现出的独特魅力与文化密码。 序章：看不见的语言，千年的回响 在历史的长河中，我们往往被宏伟的建筑、精美的雕塑、磅礴的书画所吸引，却容易忽略那些如呼吸般自然地存在于器物之上、衣衫之间、宫阙墙垣之上的纹样。它们如同一种无声的语言，承载着古人的审美情趣、哲学思考、社会等级乃至宇宙观念。本书将带您一同破译这看不见的语言，聆听纹样在千年时光中的低语。 第一章：洪荒初启，生命图腾的萌芽 追溯至遥远的史前时期，当人类的双手开始在泥土上留下印记，在石头上雕刻符号，纹样的雏形便悄然诞生。本书将重点考察新石器时代仰韶文化、龙山文化等遗址出土的陶器上，那些充满几何韵律和象征意义的刻划符号。它们或许是对自然万物的抽象描摹，是对生殖繁衍的祈愿，抑或是部落氏族的图腾标识。我们将分析这些早期纹样的构成元素、表现手法，以及它们可能蕴含的原始宗教情感和早期社会结构信息。 第二章：礼制森严，等级秩序的视觉符号 进入青铜时代，尤其是商周时期，纹样不再仅仅是装饰，更成为维系社会秩序、彰显贵族身份的重要载体。本书将深入探讨青铜器上纹样的发展演变，从饕餮纹、夔龙纹、凤鸟纹等经典纹样中，解读其复杂的象征意义和宗教内涵。我们将分析不同纹样的组合方式、布局结构，以及它们在祭祀、宴饮、战争等不同礼仪场合中所扮演的角色。同时，也将触及玉器、漆器等材质上的纹样，考察其工艺特点与文化寓意。 第三章：锦绣繁华，生活美学的绽放 秦汉时期，随着帝国统一和经济文化的繁荣，纹样呈现出更加多元化和世俗化的趋势。本书将着力描绘汉代画像石、画像砖、铜镜、织锦上的纹样。我们将看到汉代纹样如何融合了神话传说、历史故事、日常生活场景，如何运用晕染、勾勒、填色等多种技法，展现出一种生动、饱满、充满活力的视觉风格。特别是织锦上复杂精美的几何纹、动物纹、植物纹，以及它们所体现出的高超纺织技艺和图案设计理念，将成为本书探讨的重点。 第四章：气韵生动，文人雅趣的传承 魏晋南北朝至隋唐时期，佛教艺术的传入和中外文化的交流，极大地丰富了中国纹样的内涵。本书将审视这一时期佛教造像、石窟壁画、铜器、金银器、陶瓷上的纹样。我们将分析飞天、宝相花、连珠纹等具有佛教色彩的纹样，以及它们如何在本土文化中被吸收和转化。同时，也将关注隋唐时期盛行的狩猎纹、胡人纹、花卉纹等，展现其雄浑大气、色彩浓烈的艺术特征，以及它们所反映出的开放包容的时代精神。 第五章：写实与意象，宋元瓷韵的变奏 宋代是中国瓷器艺术的巅峰，也是纹样发展的重要转折点。本书将重点研究宋代瓷器上的装饰纹样，包括青瓷、白瓷、景德镇窑系等。我们将分析宋代纹样如何从写意花鸟、山水画中汲取灵感，形成了细腻、淡雅、富有诗意的风格。从缠枝莲、牡丹、菊花到龙、凤、鱼，这些纹样如何通过釉下彩、釉上彩等技法淋漓尽致地展现。接着，本书将探讨元代瓷器上的纹样，如青花瓷上浓墨重彩的龙凤、八仙、缠枝花卉，以及它们如何体现出更加奔放、自由的艺术追求。 第六章：繁复精致，明清工艺的辉煌 明清时期是中国纹样发展的集大成时期，其工艺精湛、题材广泛、寓意深刻，达到了令人惊叹的高度。本书将系统梳理明清时期在陶瓷、漆器、珐琅、景泰蓝、织绣等领域的纹样表现。我们将详细解读明代洪武、永乐、宣德、成化等时期瓷器上龙纹、凤纹、莲池鱼藻纹、花鸟纹的演变。再到清代康雍乾盛世，珐琅彩、粉彩瓷器上精细的人物故事、山水花鸟、西洋番莲纹等，以及它们如何体现出皇家审美和宫廷趣味。同时，也将考察明清时期织绣、漆器、景泰蓝等工艺品上的精美纹样，分析其繁复的构图、丰富的色彩和吉祥的寓意。 结语：纹样不朽，设计永恒 《纹样之魂》并非一部中国艺术设计史的缩影，它选择了一个独特的切入点，深入挖掘了纹样作为中国传统艺术的重要组成部分，所蕴含的深厚文化底蕴和审美价值。通过对不同时代、不同材质、不同纹样的细致解读，我们得以窥见中国古代劳动人民的智慧与创造力，感受到中华民族独特的艺术精神。本书希望通过对这些“看不见的语言”的重新审视，唤醒读者对中国传统纹样的感知，理解它们在塑造器物美感、传递文化信息中所扮演的关键角色，并从中汲取灵感，为当下的设计实践提供有益的启示。纹样不朽，它们以无形之形，在每一个时代都闪耀着独特的光芒，成为连接过去与未来，东方与西方，物质与精神的永恒纽带。

评分☆☆☆☆☆

《中国艺术设计史》关于明代艺术设计的这一章节，让我看到了中国古代艺术设计走向成熟与辉煌的景象。明代，一个在经济、文化、科技上都取得了巨大成就的时代，其艺术设计也呈现出一种恢弘大气、精巧细致、集大成的特点。书中对明代瓷器的描述，特别是“永宣”时期的青花瓷，其色彩的浓郁、纹饰的繁缛，达到了前所未有的高度。我特别欣赏书中对明代官窑器物造型的严谨和纹饰的丰富性，无论是龙凤纹、缠枝莲纹，还是海水江崖纹，都寓意着皇权至上和吉祥如意。作者对明代家具的介绍也让我印象深刻，那些雕梁画栋、工艺精湛的明式家具，不仅具有实用性，更是一种艺术品，体现了那个时代高超的木工技艺和审美情趣。我喜欢书中对“明式家具”的“简素”与“繁复”并存的特点的分析，这恰恰反映了明代艺术设计的包容性。此外，书中对明代建筑、园林、丝织品、漆器等艺术设计领域都进行了详尽的介绍。故宫的宏伟壮丽，苏州园林的精致典雅，都展现了明代在建筑和景观设计上的卓越成就。我对明代丝织品上精美的图案和色彩搭配也尤为着迷，它们既是实用纺织品，也是华美的艺术品。这本书让我感受到，明代艺术设计是一种集各家之长、融会贯通的艺术，它既是对前代艺术的继承和发展，也为后世留下了宝贵的文化遗产。

评分☆☆☆☆☆

《中国艺术设计史》关于宋代艺术设计的章节，让我沉浸在一种精致、内敛、充满诗意的氛围中。宋代，以其高度发达的商品经济和文人文化的繁荣，塑造了一种独特的审美风格，这种风格在艺术设计中得到了淋漓尽致的体现。书中对宋代瓷器的描述，让我为之倾倒。无论是汝窑的温润如玉，官窑的青釉凝重，还是景德镇的青花瓷，都展现了宋代工匠对釉色、造型、纹饰的极致追求。我特别欣赏书中对宋代瓷器“简素之美”的解读，那种含蓄内敛、不事张扬的风格，恰恰体现了宋代文人“意境”的审美追求。不仅仅是瓷器，书中对宋代绘画的分析也让我受益匪浅。山水画的写实与写意相结合，花鸟画的细腻生动，都达到了极高的艺术成就。苏轼、黄庭坚等文人的审美情趣，对当时的艺术设计产生了重要影响。我喜欢书中对宋代文人画的论述，那种将诗、书、画、印融为一体的创作方式，展现了宋代文人独特的艺术修养和哲学思考。此外，书中还涉及了宋代的家具、服饰、建筑等设计，无不体现出那个时代的精致与品味。例如，宋代家具的简洁流畅，服饰的淡雅素净，都与当下追求的“轻奢”和“简约”不谋而合。这本书让我认识到，宋代艺术设计是一种将物质美与精神美完美结合的典范，它不仅仅是技术的体现，更是对生活美学的深刻理解和追求。

评分☆☆☆☆☆

这本《中国艺术设计史》真是让我大开眼界，我一直对中国古代的艺术形态有着朦胧的好奇，但总觉得散落在各个地方，难以形成一个清晰的脉络。这本书的出现，就像给我点亮了一盏明灯，让我看到了中国艺术设计并非孤立的存在，而是与历史、文化、技术、哲学息息相关，形成了一个庞大而精密的体系。尤其让我印象深刻的是书中对早期陶器纹饰的解读，那些看似简单的符号，在作者的阐释下，竟蕴含着先民们对自然、宇宙的理解，以及氏族部落的图腾崇拜。从仰韶文化的彩陶，到龙山文化的黑陶，每一种器物的造型、纹饰、工艺，都仿佛在诉说着一段古老的故事。作者并没有止步于器物的赏析，而是深入挖掘了其背后的社会功能和审美意识。例如，对于玉器的论述，不仅介绍了其材质、雕琢技艺，更着重阐释了玉在中国古代文化中“德”的象征意义，以及其在礼仪、祭祀中的重要地位。书中对青铜器鼎盛时期的描绘更是波澜壮阔，从商周的雄浑狞厉，到春秋战国的精巧华丽，每一件器物都凝聚了那个时代的最高工艺水平和艺术追求。我尤其喜欢书中对饕餮纹的分析，它既是威严的象征，也是一种神秘力量的寄托。作者还通过对不同时期墓葬出土文物的梳理，勾勒出了社会阶层、宗教信仰、生活习俗的变化，这些都深刻地影响着艺术设计的走向。总而言之，这本书让我对中国艺术设计的源头有了更深刻的理解，仿佛穿越时空，亲眼见证了那些伟大的文明是如何在手中创造出如此璀璨的艺术品。

评分☆☆☆☆☆

《中国艺术设计史》对魏晋南北朝时期艺术设计的阐释，如同拨开迷雾，让我看到了一个充满动荡却又孕育着新生力量的时代。这个时期的中国，经历了分裂与融合，各种文化思潮交织碰撞，艺术设计也因此呈现出前所未有的复杂性和多样性。书中对佛教造像艺术的分析，给我留下了深刻的印象。从早期受印度影响的犍陀罗风格，到逐渐演变出的中国本土化风格，每一次的转型都充满了戏剧性。我特别喜欢书中对石窟寺艺术的介绍，如云冈石窟、龙门石窟，那些雄伟壮丽的佛像，不仅仅是宗教的象征，更是那个时代艺术家们精湛技艺和深厚信仰的体现。作者对佛像面部表情、服饰纹样、肢体语言的细致描摹，让我感受到了艺术家们在追求神圣感的同时，也融入了对人性的观察和理解。除了佛教艺术，书中对书法艺术的论述也让我眼前一亮。王羲之等人的行书、草书，那种笔走龙蛇、意境深远的艺术风格，不仅是文字的书写，更是一种情感的抒发和个性的表达。作者通过对历代书法的演变，展现了中国传统文人阶层独特的审美情趣和哲学思考。我还对书中对魏晋时期文人雅集的描写，以及由此衍生的绘画、园林设计等艺术形式产生了浓厚的兴趣。那个时期，对自然的热爱，对精神自由的追求，都深刻地影响了艺术设计的走向。这本书让我体会到，即便在社会动荡时期，艺术设计依然能够焕发出强大的生命力，并成为连接过去与未来的重要桥梁。

评分☆☆☆☆☆

读到《中国艺术设计史》中关于清代艺术设计的章节，我感到一种复杂而又迷人的视觉冲击。清代，一个承载着中华传统文化与西方文明交汇的时代，其艺术设计也因此呈现出一种集大成、多元化、并且充满时代烙印的特点。书中对清代瓷器的描述，让我惊叹于其工艺的精湛和创新的无限。无论是粉彩的细腻柔美，还是珐琅彩的绚丽夺目，都达到了前所未有的艺术高度。我特别喜欢书中对清代“官窑”与“民窑”艺术风格差异的分析，以及“外销瓷”中融合西方审美的独特魅力。作者还对清代宫廷绘画、皇家园林、建筑设计进行了详尽的介绍。紫禁城的宏伟与庄严，圆明园的精巧与奢华，都展现了清代艺术设计的最高水准。我对清代宫廷画中写实与写意相结合的技法，以及对细节的极致追求印象深刻。此外，书中还涉及了清代家具、服饰、玉器、漆器等艺术设计领域。明式家具在继承传统的基础上，融入了更多欧式风格的元素，而清代服饰则以其华丽繁复、金碧辉煌的特点著称。我对清代玉器的精湛雕琢和吉祥寓意也尤为着迷，它们既是皇室的珍宝，也是艺术的瑰宝。这本书让我认识到，清代艺术设计是一种在传统基础上不断创新、吸收外来文化、并最终形成独具时代特色的艺术风格。

评分☆☆☆☆☆

《中国艺术设计史》关于近现代艺术设计的这一章节，让我看到了中国艺术设计从传统走向现代的转型与变革。这是一个充满挑战与机遇的时代，中国艺术家们在西方艺术浪潮的冲击下，积极探索，勇于创新，为中国艺术设计开辟了新的道路。书中对中国油画、版画、雕塑等引入和发展过程的描述，让我看到了中国艺术家们如何将西方写实主义、印象主义等艺术理念与中国本土文化相结合，形成了具有中国特色的现代艺术风格。我特别欣赏书中对早期中国现代艺术家们，如徐悲鸿、林风眠等人的作品分析，他们在中国传统文化与西方艺术之间架起了一座桥梁。作者还对中国近现代建筑、家具、平面设计等领域的发展进行了详尽的介绍。从海派建筑的融合东西方风格，到现代工业设计在产品制造中的应用，都展现了中国艺术设计在实践中的探索与进步。我对近现代中国海报设计、广告设计中，如何将民族传统元素与现代设计理念相结合，产生出独特的视觉效果，印象尤为深刻。这本书让我认识到，中国近现代艺术设计的发展，是一个在借鉴与融合中不断探索、创新、并最终走向成熟的过程，它既是对中国传统艺术的传承，也是对西方现代艺术的吸收与发展。

评分☆☆☆☆☆

读完《中国艺术设计史》的这一章节，我简直被书中对汉代艺术设计的描述所震撼。汉代，一个承载着帝国辉煌与文化自信的时代，其艺术设计更是将前朝的积淀推向了一个新的高度。书中对汉代画像石、画像砖的详尽分析，让我看到了那个时代鲜活的生活图景。那些刀刻的线条，栩栩如生地刻画了宴饮、乐舞、狩猎、出行等场景，仿佛一幅幅流动的历史画卷。我特别欣赏作者对其中人物造型、构图方式的解读，从中可以窥见汉代人对空间、叙事以及艺术表现力的独特理解。不仅仅是雕塑，汉代的漆器、金银器也让我惊叹不已。书中对司马迁《史记》中关于宫廷用器的描述，结合出土的实物，让我对汉代皇家工艺的精湛程度有了直观的认识。那些精美绝伦的漆器，在光线下流淌着温润的光泽，其绘制的图案，往往寓意吉祥，充满了对生命的热爱和对美好生活的向往。而金银器的繁复工艺，更是将贵族的奢华与艺术的精致完美结合。我一直对丝绸之路的文化交流很感兴趣，书中也对此有所提及，汉代艺术设计中吸收外来文化元素，并将其巧妙地融入本土风格，形成了一种更加多元和包容的艺术面貌。例如，对佛教艺术传入的早期影响，以及其在中国本土化过程中的演变，都做了深入的探讨。这本书让我认识到，艺术设计从来不是凭空产生的，它根植于社会土壤，承载着历史信息，反映着时代的精神风貌。

评分☆☆☆☆☆

当翻到《中国艺术设计史》关于隋唐艺术设计的篇章时，我仿佛置身于那个开放、自信、繁荣的大唐盛世。唐代，是中国历史上一个辉煌的时代，其艺术设计也达到了一个新的巅峰，不仅影响了中国，更对整个亚洲产生了深远的影响。书中对唐代绘画的描述，特别是人物画，让我领略到了那个时代仕女们丰腴的体态、华丽的服饰以及自信的神态。阎立本、吴道子等大师的作品，无论是工笔的细腻，还是写意的奔放，都展现了唐代画家对现实生活的热爱和对美的极致追求。我特别喜欢书中对“唐三彩”的介绍，那些釉色鲜艳、造型生动的陶器，不仅是墓葬艺术的杰作，更是那个时代工艺美术的代表。骆驼、马匹、乐舞俑等形象，真实地再现了唐代社会的风貌，以及与异域文化的交流。作者对“唐三彩”的烧制工艺、色彩搭配的分析，让我惊叹于古人的智慧和创造力。此外，书中对唐代建筑、园林艺术的描绘也让我心驰神往。宏伟的长安城，恢弘的宫殿寺庙，以及精致的皇家园林，都体现了唐代在城市规划、建筑结构、景观设计等方面的卓越成就。我尤其对书中关于唐代女性审美趣味的讨论产生了兴趣，那种雍容华贵、自信开放的气质，也反映在当时的艺术设计之中。这本书让我深切地感受到，唐代艺术设计是一种集大成、开放包容的艺术，它既继承了前人的辉煌，又开创了新的篇章，为后世留下了宝贵的文化遗产。

评分☆☆☆☆☆

读完《中国艺术设计史》最后几章关于当代艺术设计的论述，我仿佛看到了一幅生机勃勃、充满无限可能的新画卷。当代中国艺术设计，正以前所未有的活力和创造力，在全球舞台上发出自己的声音。书中对当代中国设计在视觉传达、工业设计、环境艺术、服装设计等各个领域的成就进行了深入的描绘。我特别欣赏书中对当代设计师们如何将中国传统文化元素与现代设计理念相融合的解读，这种“中国风”的回归，并非简单的复古，而是对传统文化的创新性转化和再创造。作者还对数字媒体艺术、交互设计等新兴设计领域的探索进行了介绍，这让我看到了中国设计在科技浪潮下的无限潜力。我对书中提到的那些富有创意和人文关怀的当代设计作品，如新媒体艺术装置、体验式空间设计、以及关注社会议题的设计项目，都留下了深刻的印象。这些作品不仅具有视觉上的美感，更蕴含着深刻的文化内涵和人文关怀。这本书让我认识到，当代中国艺术设计，是一个多元化、开放性、并且充满活力的领域，它既是对中国悠久艺术传统的继承和发展，也是对全球设计趋势的积极回应和创新。它预示着中国设计将会在未来，在全球设计领域扮演越来越重要的角色。

评分☆☆☆☆☆

读到《中国艺术设计史》中关于元代艺术设计的介绍，我感到一种前所未有的震撼与思考。元代，一个由蒙古族建立的王朝，其艺术设计在吸收和融合中，呈现出一种粗犷、奔放、具有异域风情的特色。书中对元代青花瓷的描述，让我惊叹于其色彩的鲜艳、图案的饱满以及器型的硕大。这种带有浓郁民族特色的艺术风格，是当时东西方文化交流的直接产物。我特别喜欢书中对元代青花瓷的“写意”风格的分析，那种笔触的洒脱，图案的自由，都与宋代瓷器的含蓄内敛形成了鲜明对比。作者还对元代绘画，特别是山水画的发展进行了深入探讨。赵孟頫等人的“文人画”在承袭宋代传统的基础上，融入了更多的笔墨趣味和个人情怀，展现了一种独特的艺术魅力。书中对元代服饰、建筑的描述也让我看到了不同文化背景的碰撞与融合。例如，元代服饰中蒙古族服饰元素的体现，以及建筑中草原民族风格的引入，都为中国艺术设计注入了新的活力。我还对书中关于元代戏曲、音乐等表演艺术与视觉艺术相结合的论述产生了兴趣，这种跨领域的融合，使得元代艺术设计更加丰富多彩。这本书让我认识到，一个王朝的艺术设计，往往是其社会文化、民族构成和对外交流等多重因素共同作用的结果。

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书还没有读，包装很不错

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很喜欢！而且很快就到了！效率很高！

评分☆☆☆☆☆

这本书中中国艺术设计史夏燕靖用系列套书的形式将高等艺术院校专业理论教材编辑，在国内高等艺术教育界属重大科研究项目之一，这对于高等艺术院校的学科建设，进而推动艺术院校学生专业文化素质的全面提高，无疑有着十分重要的意义，由南京艺术学院和辽宁美术社首次合作推出的这套系列教材共计六本，即中国美术史、外国美术史、中国艺术设计史、外国艺术设计史、中国书法史、艺术概论，均为高等艺术院校必修的专业理论课程。用艺术设计的眼光和思维来审视中国漫长的农业和手工业社会活动的发展历程，是一项值得关注的新课题。这一全新课题，摆脱了沿用很久的中国工艺美术史的叙事方式和研究方法，从而注意到我们的祖先们在造物活动中的设计动机和绵延二十余世纪的封建社会将技术与艺术融为一体的匠作之业的设计思想和营造法式。同时，也着重研究这一庞大的匠作之业中的设计行为和设计风格的演变。对于中国古代的艺术设计思想，特别是反映在若干工艺设计典籍中诸如考工记、天工开物等，将从设计的视角予以诠释。此外，中国艺术设计史还将系统地对设计与农业经济的关系、设计与传统文化的关系、设计与古代科技的关系，以及对近代中国艺术设计落后的原因等作一次较为全面的分析，对诸多问题进行梳理，从理论思辨的深度进行研究并阐释。由此看来，中国艺术设计史与以往的中国工艺美术史的最主要的区别就在于前者侧重于设计与功能，而后者侧重于工艺与欣赏。当然，在论及中国艺术设计史的过程中还会碰到许多内容和以往的中国工艺美术史中涉及的材料有些重合，但由于视角的不同，其叙事和立论观点必然会出现新的视野。绪论用艺术设计的眼光和思维来审视中国漫长的农业和手工业社会活动的发展历程，是一项值得关注的新课题。这一全新课题，摆脱了沿用很久的中国工艺美术史的叙事方式和研究方法，从而注意到我们的祖先们在造物活动中的设计动机和绵延二十余世纪的封建社会将技术与艺术融为一体的匠作之业的设计思想和营造法式。同时，也着重研究这一庞大的匠作之业中的设计行为和设计风格的演变。对于中国古代的艺术设计思想，特别是反映在若干工艺设计典籍中诸如考工记、天工开物等，将从设计的视角予以诠释。此外，中国艺术设计史还将系统地对设计与农业经济的关系、设计与传统文化的关系、设计与古代科技的关系，以及对近代中国艺术设计落后的原因等作一次较为全面的分析，对诸多问题进行梳理，从理论思辨的深度进行研究并阐释。由此看来，中国艺术设计史与以往的中国工艺美术史的最主要的区别就在于前者侧重于设计与功能，而后者侧重于工艺与欣赏。当然，在论及中国艺术设计史的过程中还会碰到许多内容和以往的中国工艺美术史中涉及的材料有些重合，但由于视角的不同，其

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质量好。这本书我刚一到手，纸张摸起来非常舒服，非常喜欢。

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很喜欢质量不错很喜欢质量不错

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我帮朋友买的，昨天定的货今天就到了，发货速度超快的，价格合理

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很不错的一本书，印刷还可以，纸张质量也还行

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貌似大学发过的书，可惜找不到了。