表演艺术120节戏剧活动课 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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张晓华主编周笑莉丛书主编 著

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出版社： 中国戏剧出版社

ISBN：9787104044352

商品编码：11015122968

出版时间：2016-10-01

作  者:张晓华 主编;周笑莉 丛书主编 著作 定  价:68 出 版 社:中国戏剧出版社 出版日期:2016年10月01日 页  数:305 装  帧:平装 ISBN:9787104044352 ●暂无

内容简介

暂无

舞台的召唤：深度解析戏剧表演的理论与实践 一部全面探索戏剧艺术精髓的权威著作 本书旨在为戏剧爱好者、专业演员、导演、编剧以及戏剧教育工作者提供一个系统、深入且富有洞察力的理论与实践指南。我们跳脱出具体的课程设计框架，专注于提炼戏剧艺术的核心要素、发展历程、美学原则及其在当代语境下的创新与应用。 第一部分：戏剧的起源与哲学基石 (The Roots and Philosophical Foundations) 本部分将追溯戏剧艺术的源头活水，探究其如何在人类早期社会中萌芽，并最终发展成为一种成熟的艺术形式。 第一章：从祭祀到剧场——戏剧的史前回响 仪式与模仿的本质： 分析人类早期对自然力量的敬畏与模仿行为如何孕育出戏剧的雏形。探讨萨满教仪式、丰收庆典中蕴含的叙事结构和角色扮演的早期形态。 原始剧场的空间性： 研究古老的圆形剧场、祭坛和特定聚会场所的布局，这些空间如何定义了早期的观众与表演者的关系，以及这些空间如何影响了戏剧内容的表现方式。 神话与史诗的奠基： 深入剖析古希腊悲剧在神话叙事中所承载的文化意义。探讨荷马史诗、俄狄浦斯王等经典文本如何确立了戏剧冲突、命运主题和人物悲剧性的核心范式。 第二章：亚里士多德的遗产与西方戏剧理论的演变 《诗学》的再解读： 详细拆解亚里士多德提出的“模仿论”、“三一律”（时间、地点、情节的统一性）以及“净化”（Catharsis）概念。分析这些理论在不同历史时期如何被推崇或挑战。 中世纪的宗教戏剧： 考察神秘剧、奇迹剧和道德剧在教会体系内的功能，及其在推动欧洲语言戏剧发展中的关键作用。 文艺复兴的复兴与规范的打破： 重点研究意大利文艺复兴对古典理论的回归（如戏剧建筑的规范化），以及伊丽莎白一世时代（莎士比亚时期）对“三一律”的自觉背离所带来的艺术解放。 第二部分：表演本体论与演员的内在工作 (The Actor's Core Work) 本部分将聚焦于演员的内心构建、身体释放和舞台呈现的深层技术研究，探讨如何实现“真诚的瞬间”。 第三章：身心合一的训练体系 “外部”技术精修： 探讨古典语境下的形体训练——从芭蕾对线条的精准要求到哑剧对空间和意象的表达。分析身体的姿态、步法和手势（Gestures）如何成为角色语言的延伸。 “内部”情感的挖掘与控制： 深入研究斯坦尼斯拉夫斯基体系的精髓，如“感同身受”（Affective Memory）、“魔术般的‘如果’”（Magic If）以及“超责任”（Superobjective）的建立。讨论如何避免情感的滥用与虚假。 梅耶荷德的生物力学与动作美学： 介绍生物力学（Biomechanics）作为一种反自然主义的表演方法，强调演员身体的节奏感、精准性与机械化的美学张力。 第四章：文本的解构与角色的建构 剧本的语言学分析： 教授如何通过分析剧本的句法、词汇选择和节奏模式来揭示潜藏的社会背景和人物动机。区分独白（Monologue）、对白（Dialogue）和内心独白（Aside）在推动情节中的功能差异。 人物动机链的构建： 引导读者超越简单的“好人”与“坏人”标签，通过深度挖掘人物的“需求”（Needs）、“障碍”（Obstacles）和“情境”（Circumstances）来建立一个复杂、可信的人物行动链条。 “表演距离”的艺术： 探讨不同戏剧流派（如写实主义、表现主义、荒诞派）对演员与观众之间距离的不同要求，以及这种距离如何影响观众的代入感和批判性思维。 第三部分：导演的视界与舞台的构建 (Directing and Spatial Realization) 导演作为戏剧的统筹者，其核心工作在于将文本转化为具有统一美学风格的舞台事件。 第五章：导演的艺术——从概念到实现 导演的概念化： 阐述导演如何通过核心主题、视觉风格和音乐氛围来确立整部作品的“概念”。讨论概念在不同文本（如对经典文本的现代重读）中的必要性与风险。 排练过程的结构化管理： 详细剖析高效排练的阶段划分——从案头工作、初步走位、技术彩排到带妆合成。重点讨论如何处理演员间的冲突和技术部门的整合。 空间调度（Staging/Blocking）的逻辑： 不仅仅是移动，而是意图的体现。探讨如何利用舞台的深、广、高三个维度，配合灯光和布景，来象征权力关系、心理状态或叙事转折点。 第六章：舞美设计与技术元素的融合 布景设计的美学功能： 分析布景不再是背景，而是表演环境的延伸。研究象征性布景（如表现主义的扭曲空间）与写实性布景的辩证关系。 灯光设计的叙事力量： 探讨光线如何塑造时间、天气和情绪。研究色彩温度、光束角度和明暗对比在引导观众视线和强化戏剧高潮中的关键作用。 音景的构建与音乐的介入： 区分“背景音乐”与“音景”（Soundscape）。分析声音设计如何作为一种无形的“角色”，介入对话，暗示潜意识或未来事件。 第四部分：当代戏剧的探索与前沿趋势 (Contemporary Explorations) 本部分将目光投向二十世纪中叶至今，戏剧形式如何回应社会剧变，并不断拓展其艺术边界。 第七章：现代主义的突破与反思 自然主义的局限与反叛： 剖析自然主义剧场（如易卜生的社会问题剧）在追求绝对真实性方面所遇到的挑战，以及表现主义、象征主义如何从内部瓦解了“第四堵墙”。 荒诞派的哲学反抗： 深入研究贝克特和尤内斯库的作品，分析其对传统因果逻辑的颠覆，以及在语言失灵和存在性焦虑中寻找的独特剧场语言。 戏剧的社会批判功能： 重点分析布莱希特的“疏离效应”（Alienation Effect）——探讨这种方法如何旨在唤醒观众的批判意识，使其不再沉溺于情感共鸣，而是积极参与对社会结构的审视。 第八章：后戏剧剧场与跨媒介实验 “后戏剧剧场”的定义与特征： 介绍彼得·瓦斯纳对后戏剧剧场的界定，即文本中心地位的弱化，以及对视觉元素、身体、空间和时间本身的关注。 表演与日常生活的边界消融： 研究环境剧场、探戈剧场（Site-Specific Theatre）如何打破传统剧场的物理限制，将观众卷入到非传统空间中的叙事体验。 新媒体与数字技术的融合： 探讨互动媒体、虚拟现实（VR）和增强现实（AR）技术在当代戏剧创作中的应用潜力，及其对未来观众参与模式的深远影响。 结论：永恒的对话 戏剧艺术的生命力在于其不断与时代对话的能力。本书旨在提供一个坚实的理论框架，激发读者对戏剧本体的深层思考，鼓励他们在继承优良传统的基础上，勇敢探索属于自身时代的舞台语言。 --- 本书特色： 理论的广度与深度兼备： 覆盖从古希腊到后戏剧的完整谱系，对关键理论家和流派进行深入剖析。 实践导向的视角： 虽非教学手册，但分析了大量表演、导演和设计中的核心技术与决策过程。 批判性思维的培养： 鼓励读者不仅学习“如何做”，更要思考“为何如此做”以及“这种做法在当代意味着什么”。

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这本书的名字听起来就充满了活力和创意，我一直在寻找那种能真正触动人心的戏剧入门读物，而这本《表演艺术120节戏剧活动课》似乎正是我的不二之选。首先，从书名就能感受到其内容的丰富性和实践性，120节课的设定，意味着它绝不仅仅是理论的堆砌，而是满满的实操指南。我猜想，这本书的核心价值可能在于它如何将晦涩的戏剧概念，转化为孩子们可以亲身参与、乐在其中的游戏和活动。我特别期待看到它在激发想象力、培养团队协作能力方面的具体设计。比如，书中会不会有专门针对声音训练的环节，或者是通过即兴表演来提升反应速度的巧妙练习？对于那些希望将戏剧教育融入日常教学的老师们来说，这样一本结构清晰、内容详实的手册无疑是宝贵的资源。我设想，每一“课”都可能对应着一个具体的目标和一套完整的流程，从热身到高潮，再到最后的复盘总结，每一个步骤都经过了精心设计，确保学习者能够循序渐进地掌握表演的基本技巧。如果书中还能配上一些生动的案例或者成功的教学场景插图，那就更完美了，能让人立刻感受到那种舞台上迸发的生命力。

评分☆☆☆☆☆

我对这本书的期待，更多集中在它如何打破传统课堂的沉闷感，真正将“表演”的魅力传递给每一个参与者。想象一下，如果每一节课都像一场精心编排的迷你探险，充满了惊喜和发现，那么学习过程本身就成为了享受。我很好奇，书中对于如何处理排练过程中的“瓶颈期”或“创意枯竭”有没有给出实用的“急救包”方案。是提供一些打破常规的思维导图工具，还是鼓励参与者进行更大胆的尝试和犯错？一个真正好的戏剧活动指南，应该教会人们如何从失败中学习，如何将每一次NG（NG：No Good，意为不满意）转化为下一次进步的动力。我尤其希望能看到书中对“舞台安全”和“情绪管理”的强调，因为戏剧表演涉及情感的释放，必须确保参与者的心理和身体都是健康且受到尊重的。这本书如果能在这方面有所建树，无疑会大大提升其专业性和可信度。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构设计无疑是其最大的亮点之一，它似乎成功地平衡了“艺术性”与“教育性”这两个看似矛盾的要素。我推测，它不是简单地罗列了120个游戏，而是形成了一个完整的、有逻辑递进的教学体系。从最基础的肢体语言、舞台空间感训练开始，逐步过渡到情节构思、对白排练，最终可能导向完整的片段呈现。这种层层递进的设计，对于任何想系统学习表演基础的人来说，都是至关重要的。我特别关注书中对“非语言沟通”的重视程度，因为在舞台上，一个眼神、一个停顿往往比华丽的辞藻更具力量。这本书是否提供了大量关于如何捕捉和放大这些细微瞬间的练习？此外，优秀的戏剧教育往往与人文素养的培养紧密相连，我希望能看到书中将一些文学经典或哲学思考巧妙地融入到活动设计中，让孩子们在玩乐中不仅学会了表演，更学会了思考和理解世界。

评分☆☆☆☆☆

拿到这本书，我首先被它那种直击核心、不绕弯子的叙事方式所吸引。它不像那些学院派的教科书那样故作高深，而是带着一种天然的亲和力，仿佛一位经验老到的戏剧指导老师，正耳提面命地在你身旁，手把手地教你如何打开自己的身体和声音。我尤其好奇的是，它对于“冲突构建”和“角色情感挖掘”这些核心戏剧要素的处理。优秀的戏剧活动不应只是机械地完成任务，而应引导参与者深入到角色的内心世界。这本书会不会提供一些创新的方法，比如利用蒙太奇的手法来快速建立场景，或者通过“情感银行”的概念来储备表演能量？我非常看重活动的可操作性，即便是零基础的初学者，能否在短时间内通过书中的指引，搭建起一个初步的戏剧框架？如果它能提供不同年龄段或不同主题（比如历史剧、寓言剧）的活动模块切换，那就更体现了其设计的精妙和实用价值了。我甚至在想，这些活动是否可以灵活地组合和拆分，以适应不同课时的长度和资源限制，展现出教材本身的适应性和弹性。

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这本书给我的感觉，是那种能够让人立刻卷起袖子、拉着朋友们就想开始尝试的实用手册，而不是束之高阁的理论著作。我非常好奇它在“即兴创作”环节的设置是否足够灵活和开放。即兴表演是创造力的温床，但如果没有明确的引导，很容易流于混乱。我猜想，书中可能会提供一些结构化的即兴框架，比如“如果-那么”的逻辑链条，或者是一些设定了特定情境和限制条件的挑战，从而在自由与规范之间找到完美的平衡点。此外，对于如何对同伴的表演进行建设性的反馈，这本书想必也有独到的见解。有效的反馈是成长的催化剂，它既要指出问题所在，又不能打击积极性。如果书中能提供一套成熟的“赞美与建议”公式，那就太棒了。总而言之，我期待这本书能成为一本激发灵感、指导实践、并且充满人文关怀的表演艺术活动宝库。

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