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齣版社： 上海人民美術齣版社

ISBN：9787532286980

商品編碼：1107908550

齣版時間：2014-01-01

作  者:無 著作 章藻藻 等 編者 定  價:38 齣 版 社:上海人民美術齣版社 齣版日期:2014年01月01日 頁  數:102 裝  幀:平裝 ISBN:9787532286980 章藻藻、王曉輝編著的《玉石雕刻》是一本初級應用教材，基本包含瞭玉石雕刻的各個重要領域；以傳統的玉器作坊工作習慣為主軸，導入瞭一些現代的技法和工具，並且還和現代首飾設計加工工藝結閤，試圖有所創新，為的就是要讓想學習玉石雕刻的人能從理論具體而微到操作方法。 ●前言
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●概述
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● 古代治玉
● 古代琢玉過程
●第二節 各時期琢玉工藝特點
●
●第二章 認識玉
● 玉雕常用材料
●第二節 玉雕材料購買渠道
●第三節 對初學者的建議
●第四節 玉石的初步處理
●第五節 玉石特性以及雕刻時注意的問題
●第六節 雕刻種類
●
●第三章 瞭解工具
● 工具及設備
●第二節 操作姿勢
●
●部分目錄

內容簡介

章藻藻、王曉輝編著的這本《玉石雕刻》包含瞭玉石雕刻的各個重要領域，以傳統的玉器作坊工作習慣為主軸，導入瞭一些現代的技法和工具，並和現代首飾設計加工工藝結閤，給廣大珠寶首飾愛好者開通一扇通往玉石雕刻的大門。《玉石雕刻》是一本實用性、指導性強，源於傳承又順應時代發展潮流的琢玉教本。喜歡玉雕手工藝的愛好者和廣大珠寶首飾設計的學生可以通過這本工具書，充分發揮個人動手能力以及設計創作能力，拓展大傢在玉石雕刻方麵的發展空間。

《古韻新聲：宋代文人畫的審美變遷與精神內涵》 一、 引言：時代的轉摺與藝術的萌芽 宋代，一個在中國曆史上承上啓下的關鍵時期，其文化成就之輝煌，尤以文人畫的崛起為標誌。這一時期的社會結構、思想思潮以及審美觀念的深刻變化，為中國傳統繪畫注入瞭前所未有的精神深度與哲學意蘊。本書旨在深入剖析宋代文人畫從萌芽、發展到成熟的整個曆程，探討其背後復雜的社會文化語境，並細緻描摹那些開創性的藝術手法及其對後世的深遠影響。 宋代，在經曆瞭唐代的盛世氣象之後，社會重心逐漸嚮士大夫階層轉移。隨著科舉製度的完善和理學思想的興起，知識分子的社會地位空前提高。他們不再僅僅是朝廷的工具，而成為具有獨立思考能力和文化擔當的群體。這種身份的轉變，直接催生瞭藝術觀念的革新——繪畫不再被視為匠人技藝的附庸，而成為士人抒發胸臆、寄托情誌的“詩性”載體。文人畫的誕生，本質上是一場藝術哲學層麵的革命，它將“意”置於“形”之上，將“人格”的投射淩駕於純粹的物象描摹之上。 本書將從宏觀的曆史背景入手，聚焦於宋代文人階層在審美趣味上的微妙轉嚮，以此為基點，層層遞進地解析文人畫從早期對傳統筆墨的繼承與反思，到中期對自然哲學的體悟，再到晚期對個體精神世界的深入挖掘。我們將迴避對純粹院體畫的贅述，而是將焦點集中於那些以蘇軾、米芾、李公麟等為代錶的文人士大夫，是如何通過筆墨語言，構建起一個屬於士人的精神烏托邦。 二、 思想的土壤：理學、禪宗與士人的自我建構 宋代文人畫的勃興，絕非孤立的藝術現象，而是與當時主流的思想文化思潮緊密交織的産物。 2.1 理學的內斂與“格物緻知”的藝術實踐： 程硃理學的興盛，強調“存天理，滅人欲”，要求個體在對宇宙本源的追問中實現道德的完善。這種哲學觀深刻地影響瞭文人的創作態度。他們不再滿足於描繪事物的錶麵光鮮，而是追求“理”在物象中的體現。對山水、花鳥的描繪，成為瞭“格物緻知”在藝術領域的一種特殊錶現形式。例如，通過對樹木虯麯姿態的把握，來體悟生命的韌性與宇宙的法則。這種對內在“理”的探求，使得文人畫的意境更加深遠、境界更加高古。 2.2 禪宗的空寂與“不著一筆”的境界： 自唐代以來，禪宗思想在士大夫階層中廣為流傳，其強調“直指人心，見性成佛”的觀念，與文人畫的“尚意”不謀而閤。禪宗帶來的“空”與“寂”的美學，鼓勵藝術傢在繪畫中去除繁縟的細節，追求簡潔、概括的筆墨語言。米芾“墨戲”中那種潑灑淋灕、不拘泥於物象形似的錶現，正是這種禪宗空寂美學在視覺上的直接投射。通過留白和墨色的濃淡變化，營造齣一種靜謐而又充滿生命力的哲學空間。 2.3 政治失意的“避世情懷”與精神寄托： 宋代士大夫頻繁遭受政治傾軋，屢遭貶謫。這種長期的政治挫摺，使得他們將對建功立業的熱情轉嚮瞭對精神自由的追求。山水和竹石，成為瞭他們逃避塵囂、寄托高潔情操的理想載體。竹子“虛心有節”的品格，鬆樹“歲寒不凋”的堅韌，都成為瞭士人自我身份認同的象徵符號。繪畫不再是功名路上的點綴，而是個體精神自洽的堡壘。 三、 筆墨的革命：從“描摹”到“寫意”的範式轉移 文人畫的核心，在於其獨特的技術語言——“寫意”。本書將詳盡梳理這一語言的形成過程及其技法特徵。 3.1 蘇軾的理論奠基與水墨的解放： 蘇軾是文人畫理論的集大成者。他提齣瞭著名的“論畫以形似，見與鄙人；論畫以神似，見與詩人”的論斷，徹底確立瞭意在形先的審美標準。在實踐層麵，他提倡繪畫應藉鑒書法用筆，使筆墨本身具有獨立的審美價值。他將書法中的皴法、點法引入繪畫，使得綫條不再僅僅是勾勒輪廓的工具，而成為錶達情感和精神力量的媒介。這種對筆墨自身的強調，是水墨畫脫離工匠規範的關鍵一步。 3.2 米芾的“墨戲”與率性自然的探索： 米芾對水墨的實驗性運用達到瞭一個高峰。他追求“不求形似而自得神似”的境界，尤其是在山水畫中，他大膽使用大片的濕墨，營造齣雲霧繚繞、變幻莫測的自然景象。他的“刷墨法”和“點苔法”，擺脫瞭傳統勾勒渲染的束縛，體現齣極大的自由度。這種看似漫不經心、實則精心布局的筆墨，反映瞭文人對於超越既有規範的藝術探索的渴望。 3.3 李公麟的白描與綫性的精神張力： 與追求墨色變化的米芾不同，李公麟則將文人畫的“意”注入到最簡潔的白描綫條之中。他的綫條遒勁、流暢而富有彈性，能夠精準地捕捉對象的內在氣質。無論是人物、鞍馬還是山水，李公麟的白描都展現齣極高的造型能力和極強的精神內斂性。這種對綫條的純粹化運用，為後來的元代文人畫在筆法上的精進提供瞭重要的技術參照。 四、 題材的轉譯：山水、花鳥與士人的審美選擇 文人畫的題材選擇並非偶然，每一種選擇背後都隱藏著士人對特定精神境界的追求。 4.1 山水：胸中丘壑與宇宙意識的構建： 宋代山水畫在文人手中，從唐代的雄奇壯麗轉嚮瞭對“可遊、可居”的理想化描繪。文人山水不再是客觀風景的記錄，而是“胸中丘壑”的外化。他們通過對特定構圖（如高遠、深遠、平遠）的運用，引導觀者進入一個既寫實又充滿哲思的藝術空間，達到“人在畫中遊”的精神體驗。 4.2 花鳥：象徵意義的深化與生命哲學的寓言： 與院體畫對花鳥形態逼真度的追求不同，文人花鳥更加側重於象徵意義的錶達。例如，梅花的傲骨、蘭花的幽香、竹子的虛心，這些主題在文人筆下被賦予瞭強烈的道德寓意。這些題材的描繪，成為文人以“物言誌”、進行自我品格塑造的媒介。 五、 結語：未竟的遺産與後世的迴響 宋代文人畫的成就，不僅在於它在技術層麵確立瞭“寫意”的主導地位，更在於它從根本上改變瞭中國繪畫的價值取嚮——將藝術創作提升到瞭精神修養和哲學思考的高度。它成功地構建瞭一種區彆於宮廷審美和民間審美的，屬於士大夫階層的精英文化體係。這種體係強調個體的自主性、精神的純粹性以及筆墨語言的獨立性，為後世元、明、清的文人藝術發展奠定瞭不可動搖的理論基礎和實踐範式。本書的最終目的，是使讀者能夠超越單純的視覺欣賞，深入體會宋代文人以畫筆構建的那個充滿理想主義光輝的精神世界。

評分☆☆☆☆☆

這本書真正打動我的地方，在於它對“留白”和“取捨”哲學的深刻闡述，這簡直是洞悉一切藝術創作的通理。在雕刻領域，如何“不刻”與如何“刻”同樣重要。書中用大量的篇幅解釋瞭在構思階段，如何根據石料的天然紋理走嚮和顔色分布來決定哪些部分應該被保留、被凸顯，哪些部分應該被巧妙地隱去或順應。作者強調，最好的作品，往往是人與自然共同完成的作品，雕刻師的功力體現在能否準確地“讀懂”石頭想要錶達什麼，而不是強行將自己的意誌灌輸進去。這種“順勢而為”的思想，貫穿於從選料到最後拋光的全過程。這不僅僅是關於雕刻的知識，它更像是一本關於如何與世界建立和諧關係的人生指南。它教導我，麵對復雜的問題時，有時候最有效的方法不是硬碰硬地解決所有細節，而是找到那個核心的“韻律點”，然後讓其他元素自然地圍繞它展開，這種智慧讓我受益匪淺，遠超齣瞭我最初對一本工藝書的期待。

評分☆☆☆☆☆

這本書，說實話，我完全是抱著一種“試試看”的心態拿起來的，畢竟我對這方麵的信息涉獵不多，很多時候關於傳統手工藝的書籍都顯得過於學術化或者過於側重於商業推廣，讓人望而卻步。然而，這本書卻齣乎我的意料。它沒有一上來就堆砌那些晦澀難懂的專業術語，反而是從一種非常生活化的角度切入，仿佛是一位經驗豐富的老匠人，坐在你麵前，慢慢悠悠地跟你聊起他這些年的心得體會。我特彆欣賞它對材料特性的那種細膩觀察，比如不同玉石的“性情”——有的溫潤如脂，有的則帶著一種清冷堅韌的脾氣，作者沒有簡單地羅列它們的化學成分，而是用一種近乎詩意的語言去描繪它們如何迴應雕刻刀的觸碰，這種描述極大地激發瞭我對材質本身的敬畏之心。更難得的是，書中對“意境”的探討，它不僅僅是教你如何把石頭變成一個具體的形象，更重要的是如何讓這個形象融入一種文化和精神的內涵。讀完第一部分，我就感覺自己仿佛被拉入瞭一個古老而寜靜的空間，那裏隻有工具的細微摩擦聲和石料溫潤的光澤，這種沉浸式的閱讀體驗，讓我對“手藝”這個概念有瞭全新的理解，它不再僅僅是技巧的堆砌，而是一種與自然、與材料進行深度對話的過程。

評分☆☆☆☆☆

我一直認為，好的工藝書籍，其價值不僅僅在於記錄技術，更在於傳承一種精神氣質。這本書在這點上做得極為齣色，它讓我深刻體會到傳統手工藝背後那種近乎苛刻的耐心和對完美的執著。書中對工具的描述部分，簡直像是一份精細的“工具譜係圖”，從最基礎的砣具到那些極為細微的修飾工具，每一樣都有其特定的使用場景和操作的微妙之處。我尤其對其中關於“轉摺與過渡”的論述印象深刻。作者沒有簡單地說“要打磨圓潤”，而是詳細闡述瞭在不同硬度和紋理的玉石上，如何通過控製力度、角度和速度，實現那種“不著痕跡”的過渡，那種讓光綫可以柔和地滑過錶麵的質感，這需要多麼長的時間和多少次的失敗積纍啊！這種對細節的極緻追求，讓我聯想到現代社會中一切追求快速和量産的反麵。閱讀過程中，我甚至能想象齣作者握著工具時的那種專注，那種手、眼、心閤一的狀態，這不僅僅是技術層麵的教學，更是一種對匠人品格的無聲塑造，讓人在不知不覺中，對自己日常工作中的那種“差不多就行”的態度産生瞭深深的反思。

評分☆☆☆☆☆

這本書的結構編排，簡直是教科書級彆的範本，邏輯流暢得令人稱奇，完全沒有那種散亂、拼湊的感覺。它似乎是沿著一位學徒的成長路徑來布局的。初期的章節，重點放在瞭基礎的識料和工具的維護上，仿佛是讓你先站穩腳跟；中期則開始引入“破形”——也就是如何將原材料的潛在形態解放齣來的過程，這裏涉及到對設計稿與實際石料之間差異的動態處理，非常實用。最讓我感到驚喜的是後麵關於“局部處理與收尾”的部分。很多同類書籍往往在主體成型後就戛然而止，但這本書卻花費瞭大量的篇幅去討論那些決定作品“生死”的關鍵步驟：比如如何利用石材本身的色彩變化來增強主題的層次感，如何處理細節部位的銳利度以避免産生“塑料感”。作者的敘述方式非常嚴謹，常常會用“如果遇到A情況，則采用B手法；但若材料是C屬性，則需調整為D側重”，這種多變量的分析框架，使得即便是初學者也能理解其中的復雜權衡，避免瞭僵硬的教條，真正做到瞭因材施藝的精髓。

評分☆☆☆☆☆

我得承認，我是在一個非常喧囂的環境中開始閱讀這本書的，但奇妙的是，隻要我翻開它，周圍的噪音似乎就自動被屏蔽瞭。這大概是因為作者的文字本身就帶著一種內在的秩序感和節奏感。他的行文風格是極其剋製和內斂的，沒有誇張的形容詞，但每一個用詞都精準到位，像一把經過韆錘百煉的刻刀，乾淨利落地切入主題，不帶一絲多餘的筆墨。這種文字風格和書籍所探討的主題——那種對“靜”和“恒久”的追求——形成瞭完美的共振。我特彆喜歡書中穿插的那些關於古代雕刻傢的小故事或軼事，這些小片段不僅提供瞭曆史背景，更重要的是，它們揭示瞭不同時代背景下，人們對藝術和永恒的理解是如何塑造瞭他們的創作。這些故事不是簡單的插科打諢，而是作為對核心技術理念的哲學支撐，使得整本書的厚度遠遠超越瞭一本技術手冊的範疇，它提供瞭一種深入思考的“文本肌理”。

評分☆☆☆☆☆

還好。。。。。。。。。。

評分☆☆☆☆☆

非常好

評分☆☆☆☆☆

裏麵圖片清晰總體很好！

評分☆☆☆☆☆

不錯的鑒賞書籍

評分☆☆☆☆☆

不怎麼樣。

評分☆☆☆☆☆

書和廠傢說的一樣 不錯

評分☆☆☆☆☆

比較實用的工具書籍，全彩頁，耐用！

評分☆☆☆☆☆

好!

評分☆☆☆☆☆

能看看的書 給五星