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[美] 艾伦·科普兰（AaronCopland）著曹 著

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店铺： 文轩网旗舰店

出版社： 百花文艺出版社

ISBN：9787530671504

商品编码：11252053311

出版时间：2017-01-01

作  者:(美)艾伦·科普兰(Aaron Copland) 著；曹利群 译 定  价:45 出 版 社:百花文艺出版社 出版日期:2017年01月01日 页  数:225 装  帧:精装 ISBN:9787530671504 ★奥斯卡配乐奖得主、美国作曲大师科普兰，亲自教我们听懂音乐

★知名古典音乐评论家?曹利群翻译

★听音乐不等于听懂音乐，听懂，需要经过学习和训练，在书中，跟随美国伟大的作曲家一起学习听懂音乐吧

★知名作曲家威廉·舒曼力荐：《如何听懂音乐》出自历目前伟大的作曲家之手，翻开它才知道，聆听大师的教诲是多么荣幸。

★附赠精美书签，特制书中推荐曲目精选集，扫码即可欣赏 ●作者为一九五七年版本所做的注释
●序
●鸣谢
●一听前准备
●二怎么听音乐
●三音乐创作过程
●四音乐的四种要素
●节奏
●旋律
●和声
●音色
●五音乐的织体
●六音乐的结构
●结构的区别
●结构的原理
●七基本曲式——乐段
●二段体
●三段体
●回旋曲
●自由的乐段曲式
●部分目录

内容简介

《如何听懂音乐》不仅是一本深入浅出、趣味十足的音乐普及读物，更是一部真正的经典作品。
音乐描述的世界比较抽象，听音乐并不等同于听懂音乐。“听懂”需要经过学习和训练。只有掌握足够的聆听方法和技巧，才能得到更多的愉悦。
如果你是初探音乐领域的爱好者，在《如何听懂音乐》里，从贝多芬和莫扎特开始，从喜爱的歌剧和乐剧开始，从电影音乐和当代电子乐开始，扎实地入门吧。
如果你已对音乐有所体会，那就跟随美国伟大的作曲家一起，从音乐的节奏、旋律、和声、音色中，深入探寻乐曲里的奥义。
听懂音乐，从这本书开始。
(美)艾伦·科普兰(Aaron Copland) 著；曹利群 译 艾伦·科普兰，1900年11月14日出生于美国纽约市布鲁林区，美国当代知名作曲家、指挥家、钢琴家、讲演者。他不仅是美国音乐目前的重要人物，还是20世纪创新者中的先锋，曾获1967年奥斯卡配乐奖。 ????每逢听当代音乐的时候，许多音乐爱好者都不明就里，至于为什么，这个问题已经问了不知多少遍。看来他们坦然接受了这种观点：当代作曲家的作品不是为他们写的。为什么？因为他们“就是听不懂。”正如一个业余的音乐工作者所说，“只要一听说是‘现代’作品，观众仍然会望而却步，这样的人太多了。”过去，也就是二十年代中期，所有具有革新精神的新音乐都会被戴上一顶“超现代”的帽子。直到今天，把“古典”和“现代”当作两种不可调和的风格的看法依然存在：“古典”提出的问题是可以理解的，而“现代”则充满了无法解决的问题。

乐章背后的密码：一部探寻声音艺术的深度指南 书名：乐章背后的密码 作者： （此处留空，或使用一个富有文学气息的笔名） 字数： 约 1500 字 --- 导言：超越旋律的聆听革命 我们生活在一个声音的海洋中，从清晨的鸟鸣到都市的喧嚣，音乐无处不在。然而，大多数人停留在“听见”的层面，而未能真正“听懂”音乐。我们依恋熟悉的旋律，被节奏所驱动，但对于那潜藏在和声进行之下的逻辑、跨越时代的情感表达，以及作曲家精心编织的结构之美，往往感到隔阂。《乐章背后的密码》并非一本教授演奏技巧的教程，也不是一部晦涩难懂的音乐理论教科书。它是一把钥匙，一把旨在开启听觉感官深层潜能的工具，引导读者从被动的接收者，转变为主动的探索者，去解码那些人类情感最精妙的载体——声音的组织形态。 本书的核心理念是：所有伟大的音乐作品，无论风格如何，都遵循着一套内在的、可被理解的结构和情感蓝图。 我们的目标是剥离那些令人望而却步的专业术语外衣，深入探讨音乐的“语法”与“修辞”，从而让每一次聆听都成为一次富有洞察力的对话。 第一部分：声音的基石——结构与形式的几何学 音乐的魅力，首先建立在秩序之上。本部分将带领读者领略构成声音大厦的“砖石”与“骨架”。 1. 节奏的脉搏与时间的雕塑 节奏不仅仅是鼓点，它是音乐的时间维度。我们将探讨复节奏（Polyrhythms）如何营造张力，以及不同文化背景下对时间感的处理差异——从巴赫赋格中精确到毫秒的对位，到爵士乐中“摇摆”（Swing）所带来的弹性与自由。我们将分析如何通过节奏的加速与减慢（Tempo Rubato），来捕捉人类呼吸的起伏和心跳的起落。 2. 和声的色彩与情感的调色盘 和声是音乐的“色彩”。本书将详细解析大小调体系的演变，理解为何一个小小的和弦变化能瞬间将喜悦转为忧郁。我们将超越基础的三和弦，深入探讨七和弦、九和弦乃至更复杂的非功能性和声（Non-functional Harmony）在浪漫主义和印象派音乐中的应用。探讨德彪西如何用全音阶创造出“水波般”的模糊感，以及瓦格纳如何通过“特里斯坦和弦”彻底打破了传统调性的束缚，开启了音乐表现力的全新篇章。 3. 主题的诞生与发展的魔力 动机（Motif）是音乐的“种子”。如何从一个短小的旋律片段，发展出一部宏大的交响曲？我们将解剖贝多芬的《命运交响曲》开篇动机的戏剧性力量，并展示奏鸣曲式（Sonata Form）作为一种内在的“冲突与解决”的叙事结构，是如何成为西方音乐数百年来的核心驱动力。读者将学习识别主题的呈示、发展、再现过程，理解结构如何服务于情感的表达。 第二部分：风格的地图——历史的洪流与地域的回响 音乐史并非简单的年代线性记录，而是一系列对既有规则的反叛与重塑。《乐章背后的密码》将提供一张详尽的风格地图，帮助读者定位特定时代的“声音指纹”。 1. 从宗教庄严到世俗的解放（中世纪与文艺复兴） 探究格里高利圣咏的纯净，以及复调音乐（Polyphony）的兴起如何标志着人声叙事的复杂化。我们将关注文艺复兴时期对位法的精妙，以及音乐如何开始从神坛走向宫廷和市民生活。 2. 理性与激情的碰撞（巴洛克与古典主义） 解析巴洛克时期对“装饰”与“力度对比”（Terraced Dynamics）的偏爱，理解巴赫的赋格是如何体现那个时代对秩序和神性完美的追求。随后，我们将对比古典主义（如海顿、莫扎特）如何通过清晰的结构和平衡感，追求“自然”与“理性”的美学标准。 3. 情感的火山爆发（浪漫主义时期） 深入探讨李斯特、肖邦、勃拉姆斯等人如何将个人情感推向极致。分析标题音乐（Program Music）的兴起，以及管弦乐队规模的空前扩大，如何成为表达“无限”与“崇高”的媒介。 4. 破碎与重构（20世纪至今） 面对工业化和两次世界大战带来的社会剧变，音乐如何反应？本章将探讨印象派的朦胧、表现主义的焦虑（如勋伯格的十二音体系），以及爵士乐、电子音乐等新兴流派如何彻底颠覆传统。读者将了解序列主义、随机音乐的哲学基础，并学习如何欣赏那些看似“不和谐”的现代声音。 第三部分：情感的解码器——跨文化与非西方音乐的对话 真正的“听懂”需要超越欧洲中心主义的视角。《乐章背后的密码》致力于拓展读者的听觉视野。 1. 东方音乐的冥想空间 详细分析印度古典音乐中的“拉格”（Raga，旋律框架）与“塔拉”（Tala，节奏循环）系统，理解其即兴创作的规则与哲学含义——即音乐是寻求精神提升的工具，而非单纯的娱乐。我们将探讨日本雅乐和能剧音乐中对“留白”和“空寂”之美的极致追求。 2. 非洲节奏的能量场 探究撒哈拉以南非洲音乐中，声音如何作为社区联系、仪式和口述历史的载体。解析复杂的通话鼓（Talking Drum）如何实现语言与音乐的完美融合，以及其多层嵌套的节奏如何构建出一种集体参与的能量场。 3. 爵士乐的即兴哲学 爵士乐不仅仅是流行音乐的先驱，它是一种关于“当下存在”的哲学实践。我们将剖析布鲁斯音阶（Blues Scale）的情感核心，并分析即兴演奏（Improvisation）如何允许乐手在既定的和声框架内，进行实时的、高度个人化的叙事。 结语：成为你自己的音乐策展人 《乐章背后的密码》的终极目标，是培养读者的“主动性聆听”。当你理解了动机的转换、和声的意图、以及结构的设计时，你便不再需要唱片封套上的文字来告诉你应该感受什么。音乐将成为一门活泼的语言，每一次播放都是一次全新的发现之旅。无论是古典交响乐的宏大叙事，还是现代电子乐的微观纹理，你都将能够洞察其背后的智慧与情感投射。拿起这本书，准备好迎接一场深度而迷人的听觉革命。你的音乐世界，将从此变得无比清晰、丰富和深刻。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我感到震撼的，是它探讨音乐与个体生命体验之间的深刻连接。它没有止步于技术分析或历史回顾，而是非常深入地触及了“音乐如何改变我们”这一核心命题。作者的文笔在某些章节会变得极其富有诗意，仿佛在进行一场深刻的哲学思辨，但这种诗意并非空洞的辞藻堆砌，而是基于扎实的音乐洞察力得出的感悟。他探讨了“记忆”与“旋律”之间的共生关系，分析了特定和弦进行如何触发人类集体潜意识中的某种情绪反应。读到关于“沉默的意义”那一章时，我深受触动，作者认为在音乐中，休止符与声音同等重要，它们是构建意义的必要留白。这让我反思了自己在日常生活中对“空隙”和“停顿”的忽略。这本书提供了一种全新的解读视角：听音乐，其实是在与时间本身对话，是在体验人类情感的极致表达。它带来的不仅仅是知识的增长，更是一种心境的沉淀和对生活细微之处的重新觉察，阅读体验是深远且富有启发性的，让人在放下书本后，依然能感受到音乐的力量在身边流淌。

评分☆☆☆☆☆

坦率地说，这本书的排版和视觉呈现是我近年来看到的书籍中最为精致的之一。它似乎非常注重读者的阅读体验，字体选择优雅且易读，段落之间的留白恰到好处，使得即便是厚厚的一本书，拿在手上也不会觉得压迫。很多理论书籍为了节省成本或追求某种极简风格，往往牺牲了图表的清晰度，但这本则完全相反。书中穿插的那些小插图和示意图，设计得非常巧妙，它们不仅仅是辅助性的视觉材料，本身也具有一定的设计美感，有效地将复杂的听觉概念可视化。我记得有一处解释“复调织体”的部分，作者没有用密密麻麻的五线谱来吓唬人，而是用了一种非常直观的、类似流程图的图形，清晰地展示了不同声部是如何独立进行又和谐统一的。这让那些原本令人望而生畏的音乐术语变得可以被“看见”。这种对细节的极致追求，让整个阅读过程变成了一种享受。它不仅在“教”我如何听，也在“展示”给我看，一个好的知识载体应该是什么样子，这种对品质的坚持，是很多同类书籍所缺乏的。

评分☆☆☆☆☆

这本书在内容组织上的宏大叙事感，让我佩服不已。它似乎不止步于教授如何分析一首曲子，而是试图构建一个完整的“听觉世界观”。从最早期的音乐形式的萌芽，到不同文化背景下音乐语言的演变，再到近现代音乐如何突破传统的束缚，作者铺陈的视野非常广阔。我特别欣赏它处理跨文化音乐时的审慎和尊重，它没有用单一的西方标准去衡量所有艺术形式，而是深入挖掘了不同音乐体系背后的哲学意涵和表达逻辑。例如，关于东方传统音乐的结构和审美取向的章节，分析得非常到位，既有深度又不失趣味性。在阅读过程中，我忍不住时常合上书本，去回想作者描述的那些听觉场景，那种将历史、文化和声音编织在一起的叙事手法，极大地丰富了我对音乐的理解边界。它让我明白，音乐的“听懂”远不止于识别调性或和弦，而在于理解其背后的时代精神和人类情感的共通性。这种全景式的描绘，让这本书的价值远远超越了一本普通的入门指南，更像是一部浓缩的音乐文化史。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计实在太抓人眼球了，封面上那种略带抽象的色彩晕染，让我想起初次接触某种复杂乐章时的那种迷茫又兴奋的感觉。拿到手里分量适中，纸张的质感也相当舒服，油墨印制清晰，即便是那些涉及乐理的图表，看起来也不费力。我本来以为这会是一本枯燥的理论教材，毕竟“听懂音乐”听起来就带着一种学术的距离感，但翻开第一页我就被吸引住了。作者的叙事节奏把握得极好，不像有些音乐书籍那样上来就抛出一堆术语，而是像一位老朋友在耳边娓娓道来，从最基础的音高、节奏概念入手，但叙述角度非常独特，不是单纯的定义堆砌，而是用生活中的场景和经验来类比，比如用色彩的深浅来描述和声的饱满度，用建筑的结构来比喻曲式的严谨性。这种接地气的讲解方式，极大地降低了入门的门槛，让我这个此前只停留在“喜欢听”阶段的听众，第一次感觉自己似乎触碰到了音乐背后的骨架。特别是关于“情绪的张力与释放”那几章，作者的分析细腻入微，将旋律的进行比作人情绪的起伏跌宕，读完后，我立刻去重听了几首平时常听的古典小品，那种“原来如此”的豁然开朗感，真是令人沉醉。它成功地将抽象的听觉体验转化为可以被理解和描述的认知过程，这本身就是一种艺术。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，这本书的写作风格对我来说简直是一种惊喜，它完全颠覆了我对“音乐鉴赏类书籍”的刻板印象。它没有那种高高在上的精英主义腔调，文字是活泼的，甚至带着一种幽默感。比如在探讨某个特定作曲家的风格特点时，作者会引用一些非常现代或出人意料的比喻，让那些听起来似乎遥不可及的大师形象瞬间变得立体可亲。阅读过程中，我发现自己常常会停下来，不是因为我没理解，而是因为我被作者的某个观点逗乐了，或者被他精妙的措辞所折服。更令人称赞的是，作者在阐述复杂的音乐现象时，总能找到一个核心的“锚点”来支撑整个论述，使得信息量巨大但结构却异常清晰。我特别欣赏其中对于“聆听的专注度”的探讨，作者强调了“主动聆听”的重要性，并提供了一系列循序渐进的练习方法，这些方法并非要求你必须学会演奏，而是教你如何训练自己的耳朵去分辨乐器组的细微差别，去捕捉对位中的线条交织。这种注重实践和体验的引导，让这本书更像是一本高级的“听力训练手册”，而非纯粹的理论说教，读完之后，我感觉自己的听觉感官似乎被重新校准了一遍，对声音的敏感度提升了一个档次。

评分☆☆☆☆☆

很不错的一本音乐启蒙书，看了一半了

评分☆☆☆☆☆

好书好服务

评分☆☆☆☆☆

好好学习音乐的一本书

评分☆☆☆☆☆

优惠很多，货品丰富，买的书多，就是包装略简陋

评分☆☆☆☆☆

好书好服务

评分☆☆☆☆☆

以前音乐课打苍蝇去了 现在来补课

评分☆☆☆☆☆

听音乐有道！

评分☆☆☆☆☆

书感觉不错

评分☆☆☆☆☆

挺好的一本书