古典建筑与雕塑装饰艺术 第5卷 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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[奥] 理格耐特（A.Raguenet） 著

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• 古典建筑
• 古典雕塑
• 装饰艺术
• 建筑装饰
• 雕塑艺术
• 艺术史
• 西方艺术
• 建筑设计
• 艺术设计
• 文化艺术

出版社： 江苏凤凰科学技术出版社

ISBN：9787553755311

版次：1

商品编码：11827473

包装：平装

开本：16开

出版时间：2015-12-01

用纸：胶版纸

页数：456

正文语种：中文

编辑推荐

　　古典艺术分门别类，但却皆闪耀着人类智慧的光芒。其中建筑与雕塑这两个重要的分支在人类文明的发展历史中，相互辉映，紧密联系。在不同的政治、宗教、地域以及文化的影响下，构成了世界文明艺术中独特而耀眼的篇章。古典建筑与雕塑最早追溯到尼罗河畔的建筑浮雕，从古埃及到古希腊，再到法国路易王朝，以及整个欧洲文艺复兴时期，其艺术的魅力不仅影响了十几个世纪人们的审美修为，其实用价值更是深入到整个欧亚大陆的街头巷陌——屋檐、壁饰、外墙建筑以及室内装饰。直至今日，这些古典的建筑与雕塑也对现代人的生活和艺术水平起着不可磨灭的影响。现代的很多种艺术形式，包括绘画、雕塑以及建筑和室内装饰无不受到古典风格与流派的影响，在此基础上才得到发展和延伸。古代建筑大师和雕塑家的作品是人类文明发展历史上无价的瑰宝。

内容简介

　　本套汇编丛书《古典建筑与雕塑装饰艺术》是欧洲建筑师及雕塑家Raguenet历经长达十多年的时间游历欧洲等多个国家和地区，精心挑选并编纂的一套古典建筑与雕塑手绘图片资料合集。收录了从公元10世纪以前至20世纪初的不同风格国家和地区的建筑雕塑作品，介绍了埃及、印度、希腊以及欧洲大陆其他国家不同时期的建筑雕塑风格。内容详尽，分类详细，从宏大的城堡、闻名的雕塑作品，到窗饰、门柱等细节的内部装饰。这些画作大都出自各个时代著名的建筑师和雕塑家，绘画精美，表现力丰富，真实记录了20世纪以前大量珍贵而杰出的艺术作品。本套汇编按照不同种类的英文名称首字母顺序排列，内容丰富，可以说是古典建筑雕塑艺术的百科辞典，为当代建筑师、设计师、雕塑家甚至考古学家提供了极具价值的参考资料。

　　本书是本套汇编丛书的第5卷，收集了千张古典建筑与雕塑艺术珍贵的手绘资料，详细分类包括了顶饰、悬饰、葱行饰、心形叶饰、海豚饰、穹顶、门、天窗、帷幔、鹰饰、柱上楣钩、室外半圆环绕雕塑、垂饰、壁炉、百合花饰、花朵以及花头饰。

作者简介

　　A.Raguenet，是19世纪末20世纪初欧洲著名的建筑师、画家及雕塑家。他多年游历于欧亚大陆很多国家，研究古典建筑的风格和特色。实地写生的同时，也收集大量的手绘资料。同时A.Raguenet也是当时欧洲著名的雕塑家、画家。

内页插图

精彩书评

　　★建筑师必定是伟大的雕塑家和画家，如果他不是雕塑家和画家，他只能算个建造者。

　　——贝聿铭

　　★所谓大师，就是这样的人，他们用自己的眼睛去看别人见过的东西，在别人司空见惯的东西上能够发现出美来。

　　——罗丹

目录

顶饰

悬饰

葱行饰

心形叶饰

海豚饰

穹顶

门

天窗

帷幔

鹰饰

柱上楣钩

室外半圆环绕雕塑

垂饰

壁炉

百合花饰

花朵

花头饰

前言/序言

　　序言

　　从起源至今，建筑雕塑的发展历程可以大体分为三个阶段：

　　1. 宗教风格；

　　2. 自然主义雕塑风格；

　　3. 现实主义雕塑风格。

　　第一种雕塑风格——宗教风格有几种主要的雕塑样式，并从中生化出变化无穷的风格，其艺术灵感来源于那些历史悠久的东方文明：埃及文明和印度文明。

　　宗教风格的雕刻手法看起来完美无缺，但它的艺术创造性却经常被无法摆脱的狭隘思想所包围、禁锢，往往沦为模式化的复制。

　　建筑一旦丧失了创造性，便缺少了触动心灵的力量，注定不会拥有持久的生命力。

　　第二种雕塑风格——自然主义雕塑风格应归属于希腊艺术的范畴。希腊人很早就开始探索和研究大自然，并尝试着表达他们对大自然的印象。可以说希腊人在古埃及的宗教风格中注入了大自然的灵气和精髓。

　　在法国，早期的雕刻作品水平还比较低，只能算是对外国建筑的粗略模仿、对古罗马建筑的简单复制。

　　直到11世纪，在拜占庭艺术和高卢罗马艺术的影响下，法国建筑雕塑艺术开始觉醒。

　　12世纪中期，法国建筑雕塑艺术才真正自成一体，克吕尼（Cluny）在其中发挥了举足轻重的作用。这一时期的建筑尽管依然尚未完全摆脱拜占庭艺术的影子，但其自我意识已经越来越明确，取得了长足的进步。雕刻的素材不再局限于传统因素，而是开始从大自然中汲取灵感，雕刻技艺也取得了重大发展。

　　随着13世纪的到来，法国雕塑艺术达到了前所未有的高峰。艺术家们自觉地从大自然中获取创作灵感，而不再原班照抄外国既有的雕塑风格。这一时期出现了植物装饰图案，各种本土植物激发了艺术家们的创作潜力。

　　14世纪，法国出现了现实主义雕塑风格。这一时期的植物装饰图案几乎看不出人工雕琢的痕迹，活灵活现，巧夺天工，仿佛是雕刻师信手摘下直接安放在石头上一样。

　　15世纪，建筑雕刻技艺本身看起来完美无缺，但构图样式开始矫揉造作，日渐繁芜。

　　随着16世纪的到来，法国进入了文艺复兴时期。这是属于意大利花叶饰风格的建筑时代，也是属于锯齿状叶饰的时代，花叶饰的枝条极其纤巧，这样的雕塑风格集中体现在弗朗索瓦一世时期的都兰地区。

　　在亨利二世时期，沉重的几何元素占据了主导地位。

　　17世纪，也就是路易十三时期，建筑雕塑的特点是艺术形式夸张而烦冗，这一时期是锯齿状装饰艺术的统治时期。

　　路易十四时期，建筑物上的雕塑出现了复古样式的图案。在路易十四统治初期，雕刻样式稍显凝滞，但到了末期，雕刻样式开始灵动起来，变得越来越优美，为路易十五时期的风格转变埋下了伏笔。

　　18世纪，雕塑艺术的发展可以分为两个完全不同的时期。第一个时期的特点是雕刻线条柔美顺和、蜿蜒玲珑，这个时期被称为“洛可可风格”时期或“岩石风格”时期，但这段追求极致的风格只持续了很短的时间。不久之后，复古风潮再度兴起，为人们带来了源源不断的创作灵感。到了路易十六时期——准确地说，自路易十五时期就已开始——艺术风格日趋优雅完美、收放有度而饶有品位。路易十六时期的装饰性雕刻，其精美程度足以与文艺复兴时期的花叶饰相媲美。

　　到了拿破仑帝国时期，虽然建筑水平越发完善，但艺术的创造力趋于贫乏，灵感枯竭，一直在复制罗马时期的古建筑，几乎没有任何新的艺术表现力。

　　从拿破仑帝国时期至今，没有再出现新的雕刻形式。但艺术家们为创造出一种完全不同于以往的风格而殚精竭虑，做了大量值得称道的努力。

　　如今，艺术家们重新回到大自然中，不断寻找新的植物装饰图案。或许他们并没能创造出全新的现代艺术形式，但从某种程度上来说，他们的工作体现了充分的创造性和品味。从另一角度来看，路易十六时期的雕塑风格在当前的复苏，让我们似乎看到了希望——现在的努力都不会白费，我们会在未来见证雕刻艺术的复兴。

　　***

　　下面让我们谈谈这套汇编集录。没有任何同类作品能够与本套丛书丰富而全面的文献相匹敌。这套集录不仅涵盖了法国雕塑一路走来的重要艺术家的作品，还包含了其他国家不同时期的大约14 000幅图样，为建筑师、雕刻师、装饰工作者以及考古学者提供了珍贵的资料。

　　本套丛书以字母顺序排列，检索更为方便。想要查阅关于柱头、梁托、檐口、檐壁、雕像等装饰艺术的文献，打开本套丛书即可坐拥这一切。该“词典”可以非常便捷地让您查找到所需要的内容，不同时期、不同国家的大量作品会一一呈现在您眼前。

　　辑录本套丛书的目的是希望它能够为艺术家所用，为其研究工作提供便利，使其无须花费巨大代价即可拥有丰富而实用的素材。这便是我们一以贯之的追求。

摩登时代的视觉交响：20世纪初欧洲设计与工艺的革新 图书名称：《摩登时代的视觉交响：20世纪初欧洲设计与工艺的革新》 作者： [虚构作者姓名，例如：艾德里安·福斯特] 出版社： [虚构出版社名称，例如：欧陆艺术史研究社] 字数： 约1500字 --- 内容简介 《摩登时代的视觉交响：20世纪初欧洲设计与工艺的革新》深入剖析了在剧烈社会变革与技术飞速发展背景下，欧洲设计领域从传统向现代主义转型的关键历史阶段。本书聚焦于1900年至1939年间，特别强调了艺术思潮如何渗透并重塑日常生活的物质文化，从家具、建筑的内部装饰到工业产品的造型，全面揭示了“为生活而设计”这一核心理念的诞生与实践。 本书摒弃了对古典主义的简单复述与继承，转而关注那些勇敢打破陈规、拥抱新材料、新技术的先锋力量。它不是对巴洛克或文艺复兴时期雕塑细部的考据，而是对新艺术运动（Art Nouveau）、青年风格（Jugendstil）、维也纳分离派（Vienna Secession）、德意志制造联盟（Deutscher Werkbund）以及最终的国际主义风格（International Style）如何相互作用、互相影响的宏大叙事。 第一部分：从曲线的挽歌到直线的宣言（1900-1914） 本部分详尽考察了“美好年代”末期，传统装饰艺术的最后辉煌及其随之而来的疲态。我们首先探讨了新艺术运动在比利时（如维克多·霍塔）和法国（如埃米尔·加莱）如何将自然形态的有机曲线推向极致，这标志着对19世纪学院派僵硬教条的第一次有力反抗。然而，这种对细节、手工技艺的过度迷恋，也使其在面对工业化大众生产的需求时显得力不从心。 随后，视角转向德语区。本书深入剖析了奥地利维也纳分离派，特别是古斯塔夫·克里姆特和约瑟夫·霍夫曼，他们如何通过“形式追随功能”的早期尝试，力求将艺术融入日常用品的结构之中。霍夫曼设计的“波茨坦沙发”和“黑白方块”图案，是早期现代设计语汇中简洁与几何化的重要里程碑。 同时，德国的德意志制造联盟扮演了至关重要的角色。本书详细分析了彼得·贝伦斯如何以AEG涡轮工厂的设计，将工业建筑提升至艺术高度，并首次在企业品牌形象中系统地运用了现代主义的原则。这标志着设计从服务于精英阶层的“装饰品”，开始转向服务于现代工业的“工具”。 第二部分：战争的阴影与实用主义的崛起（1918-1928） 第一次世界大战的爆发彻底粉碎了旧欧洲的幻想，设计界迫切需要一种新的、更诚实、更符合战后社会需求的表达方式。这一时期的重点是功能性、社会责任感和材料的真实性。 本书详细考察了荷兰风格派（De Stijl）运动。皮特·蒙德里安和特奥·凡·杜斯伯格对水平线、垂直线以及原色的执着追求，不仅是绘画上的革命，更是对空间组织、建筑立面乃至室内布局的结构化重构。我们分析了格里特·里特维尔德的“红蓝椅”，如何将家具分解为纯粹的几何元素，彻底颠覆了传统椅子的概念。 在德国，魏玛共和国时期的包豪斯（Bauhaus）成为绝对的核心议题。本书超越了对包豪斯校舍建筑的简单描述，而是侧重于其课程体系的变革——如何将工艺训练与艺术理论相结合，培养出既懂技术又具美学视野的“新工匠”。特别关注了瓦尔特·格罗皮乌斯对工业化生产的拥抱，以及马塞尔·布鲁尔利用钢管材料制造的轻盈、可批量生产的家具，这些都是对古典木制家具的彻底告别。 第三部分：装饰的祛魅与国际化的浪潮（1928-1939） 本书的后半部分，聚焦于现代主义的成熟与最终的全球化扩散，即国际主义风格的形成。 在法国，勒·柯布西耶的“新建筑五点”——底层架空、自由平面、自由立面、横向长窗和屋顶花园——不仅仅是建筑规范，更是一种生活哲学的宣言。本书详细分析了萨伏伊别墅如何体现了机器美学和对卫生、光照的极致追求，它完全摒弃了任何历史性引证或传统装饰母题。 同时，本书对比分析了密斯·凡·德罗在德国后期及移居美国前夕的设计哲学。如果说柯布西耶追求的是机器般的功能与体量，那么密斯的“少即是多”（Less is More）则指向一种更精炼、更注重材料质感与空间透明度的美学。柏林巴塞罗那世界博览会上的德国馆，其空间流动性与对优质材料（如缟玛瑙和铬钢）的运用，是现代设计语言达到顶峰的体现。 本书还特别设立章节，探讨了斯堪的纳维亚地区（如芬兰的阿尔瓦·阿尔托）如何在一个相对温和的背景下，将现代主义的简洁性与本地区丰富的木材资源相结合，创造出更具人性化温度的现代设计——这是一种对纯粹工业逻辑的微妙修正。 结论：现代性的遗产 《摩登时代的视觉交响》的结论部分，总结了20世纪初欧洲设计革新对后世的深远影响。它揭示了这场运动的本质：并非是对“古典建筑与雕塑装饰艺术”的简单迭代或修补，而是一场彻底的、以社会功能和技术进步为驱动力的范式转移。本书旨在让读者理解，我们今天所习以为常的简洁、实用、模块化的生活方式，正是由百年前这些艺术家、设计师和建筑师在对传统的大胆决裂中构建起来的。这是一部关于如何用理性、几何和新材料，重塑人类居住环境和日常体验的史诗。

评分☆☆☆☆☆

这部作品的体量感着实惊人，光是捧在手里，就能感受到其中蕴含的厚重历史分量。初翻开扉页，便被其严谨的学术态度所折服。我本来是带着对古典美学一种泛泛的喜爱来接触的，想找点赏心悦目的图册，结果却一头扎进了对古希腊神庙的柱式演变的细致考证中。作者似乎将毕生的精力都倾注在了对帕特农神庙那些精微尺度的计算上，每一张拓印图都仿佛经过了激光的精确测量。我尤其欣赏其中对于爱奥尼柱式和科林斯柱式在不同地域的适应性所做的对比分析，那份对细节的执着，简直让人不得不佩服。书中对建筑材料的选取、采光的设计，甚至是对当时工匠的组织方式都有所涉猎，这已经超越了一般的艺术鉴赏范畴，更像是一部古典建筑的社会学和工程学史。读完关于罗马万神殿穹顶结构的那几章，我甚至忍不住去查阅了现代混凝土技术的历史，试图理解古人是如何在没有先进设备的条件下，完成如此宏伟而精确的工程。这本书的价值，不在于它提供了多少华丽的彩色插图（事实上黑白图占了多数，更显其专业性），而在于它提供了一套系统而深刻的分析框架，让你真正理解“古典”二字背后所蕴含的理性与秩序。

评分☆☆☆☆☆

阅读过程中，我最大的感受是此书对于“古典”范畴的界定极其审慎和开放，它并未将古典艺术僵化为某种不可逾越的黄金标准。相反，它不断地在探讨“古典性”是如何被重新定义和诠释的。例如，书中有一部分深入探讨了新古典主义复兴运动中，对古罗马帝国衰亡历史的隐喻式应用，这已然超出了纯粹的美学范畴，触及到了政治意识形态的层面。我发现，作者在论述特定雕塑家对人体比例的处理时，会引用到当时医学界对于人体解剖学的最新发现，这表明作者试图构建一个全方位的文化生态系统来解释艺术的诞生。这本书的图版选择也十分独特，很多都是早期摄影师对遗址的测绘照片，而非后世的精修图，这保留了一种粗粝的、未被过度美化的真实感。它成功地引导我思考，所谓的“永恒的古典之美”，其实是无数技术、哲学、政治和材料限制下的复杂妥协与爆发。读完后，我感觉自己不再是简单的欣赏者，而更像是一个试图解读古老密码的同行者。

评分☆☆☆☆☆

这本书的章节划分逻辑，呈现出一种非线性的、主题驱动的结构，这与我习惯的从古至今的时间轴叙事大不相同。它似乎更关注“装饰母题”在不同文化中的迁移和变异，比如其中有一章专门讨论了“茛苕叶纹饰在拜占庭与伊斯兰建筑中的符号转换”。这种跨越时空的横向对比，极大地拓宽了我的视野。我原以为“装饰艺术”最终会收束于欧洲古典主义的巅峰，但书中对巴尔干半岛和东欧地区的古典遗产的收录，展现了惊人的广度。它不满足于介绍那些被奉为圭臬的“大师之作”，反而对那些常常被教科书忽略的、地方性的、过渡性的艺术风格给予了同等的关注。我尤其欣赏它对“仿古”潮流的研究，探讨了18、19世纪欧洲对古典元素进行挪用和解构的过程，这部分内容充满了对艺术史自我指涉现象的深刻洞察。这本书真正做到的，是将装饰从建筑的“附属品”提升到了与结构同等重要的“研究对象”，充满了前沿的艺术人类学意味。

评分☆☆☆☆☆

这本书的阅读体验，与其说是在“看书”，不如说是在进行一场漫长而精密的“考古挖掘”。我原以为这种专注于“装饰艺术”的著作，会充斥着大量对雕塑细节的描绘，比如对巴洛克时期人物服饰褶皱的解析或者洛可可风格花饰的符号学解读。然而，它却以一种近乎冷峻的、结构主义的视角，将装饰从纯粹的视觉愉悦中剥离出来，还原其在特定历史语境下的功能性和象征意义。比如，书中对中世纪哥特式大教堂尖拱上的浮雕的处理方式，没有过多渲染其宗教的神秘性，而是着重探讨了这些装饰元素如何服务于建筑的整体力学平衡，以及它们如何在不同教派间进行微妙的意识形态传递。这种去浪漫化的处理，对于希望深入理解艺术史脉络的读者来说，无疑是一股清流。它要求你放下对“美”的直观感受，转而去探究“为什么是这样”的逻辑链条。我时常需要停下来，对照着书中的剖面图和空间布局图，在脑海中重新构建当时的场景，那种学术的严谨感，让人感觉像是直接坐在了教授的案头，共同审阅那些尘封已久的手稿。

评分☆☆☆☆☆

坦率地说，这本书的文字密度非常高，阅读起来需要极大的专注力，绝非那种可以用来放松的睡前读物。它更像是一部艺术史的工具书或专著，如果你对文艺复兴早期佛罗伦萨雕塑的材料学或者意大利文艺复兴盛期湿壁画的技法演变缺乏基础知识，可能会感到吃力。我曾试图跳过其中关于不同时期大理石矿脉产地对雕塑风格影响的论述，结果发现后面关于米开朗基罗作品的分析逻辑链条就断裂了。作者对细节的挖掘到了令人发指的地步，例如，他会用数页篇幅来比较古罗马和古希腊在表现“胜利女神”时，翅膀的羽毛纹理上所体现的时代精神的差异。这种深度挖掘，对于我这种业余爱好者来说，既是挑战也是一种极大的满足。它迫使你重新审视那些你以为已经看透的经典作品，发现其中隐藏的技术革新与哲学思辨。我合上书时，感觉脑海里充斥的不是优美的画面，而是密密麻麻的年代标注、人名缩写和技术术语，非常过瘾。