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陈师曾 著

图书标签:

• 文人画
• 中国画
• 艺术史
• 绘画史
• 文化研究
• 美术史
• 传统艺术
• 书画
• 中国文化
• 绘画理论

出版社： 浙江人民美术出版社

ISBN：9787534048951

版次：1

商品编码：11949622

包装：平装

开本：32开

出版时间：2016-04-01

用纸：胶版纸

页数：72

字数：37000

正文语种：中文

编辑推荐

适读人群 ：国画研究者 国画爱好者
　　陈师曾论艺代表作，文人画研习必读书

内容简介

　　余绍宋《书画书录解题》认为，《中国文人画之研究》一书，“专论文人之画亦南宗之一派。文凡两篇，一为《文人画之复兴》，日本人大村西崖所作，师曾译录。二为《文人画之价值》，则师曾自著也。日人论画之书，原不在采录之例，兹编以其为大村西崖与师曾合撰，大村之文又为师曾所译，故仍为著录。大村之文大旨谓绘画必离于自然，始极其妙，而甚诋洋画之写实逼真，持论至为透澈，足为俗学针砭。吾国近者艺术之衰落，其病正与日本十余年前相同，国人乃无起而拯救，以发挥斯义者，展读此篇，曷胜感愧。师曾之文则发挥其未尽之义，于文人画之研究益无遗蕴，其于谢赫六法别具见解，亦可备一说也”。

作者简介

　　陈师曾，名衡恪，字师曾，以字行，号槐堂，又号朽道人，祖籍江西义宁县，出生于湖南凤凰县，中国画画家，陈三立长子，陈寅恪长兄。梁启超称他为“现代美术界具有艺术天才、高人格、不朽价值的第1人”。

前言/序言

《中国文人画之研究》这本学术专著，深入探究了中国文人画这一独特艺术形式的渊源、发展脉络、核心美学特质及其在历史长河中的流变。本书并非对文人画技法的浅尝辄止，而是力求从文化、哲学、社会等多元视角，揭示文人画背后所承载的士大夫阶层的精神世界与审美理想。 第一部分：溯源与肇始——文人画的文化基因 本书首先追溯了中国文人画的文化基因，将其置于中国传统哲学思想与文学传统的宏大叙事之中。远在文字与绘画尚未完全分化的早期，图画已承担了记录、象征以及表达情感的功能。从史前岩画的原始图腾，到商周青铜器上神秘的纹饰，再到秦汉画像石、墓室壁画中生动的生活场景与神话传说，都可视为文人画萌芽期的遗迹。这些早期图像虽然粗犷质朴，却已蕴含着对自然万物的观察、对神灵鬼怪的想象以及对社会生活的描绘，为后来的绘画发展奠定了基础。 随后，本书将目光聚焦于春秋战国时期，特别是道家、儒家等哲学思想的勃兴。老子“道法自然”的哲学观，强调回归本真，体悟宇宙的内在规律，这与文人画追求“写意”而非“写形”的精神不谋而合。庄子“天人合一”的境界，则为文人画提供了超越现实、寄情山水的审美情趣。《诗经》中对自然景物的细腻描摹，楚辞中奔放浪漫的想象，以及先秦散文的自由洒脱，都为文人画的抒情言志奠定了文学基础。这些思想与文学的滋养，如同土壤，孕育了文人画最初的种子。 同时，本书也探讨了早期士大夫阶层的出现及其文化地位。他们在乱世之中，或隐居山林，或参与政治，对人生有着更为深刻的体悟。一部分人将自己的情感、抱负、忧愤通过文字表达，而当文字不足以尽意时，绘画便成为另一种更为直接、更为含蓄的载体。虽然此时的绘画作品尚未明确冠以“文人画”之名，但其追求雅趣、寄托情怀的特质已隐约可见。例如，汉代宫廷壁画中虽然多为写实描绘，但其中对人物精神状态的刻画，以及对某些象征意义的运用，已显露出超越单纯记录的功能。 第二部分：孕育与成熟——魏晋南北朝至唐宋的嬗变 进入魏晋南北朝，中国社会经历了动荡与融合，思想文化也呈现出多元活跃的局面。佛教的传入，为中国艺术带来了新的图式与精神内涵，但也并未完全取代本土的审美传统。玄学盛行，士人名士们追求清谈玄远，崇尚自然，钟爱山水。顾恺之的“以形写神”理论，以及其《洛神赋图》中人物飘逸的精神气质，被认为是文人画早期的重要探索。他对“欲写精神，形似已不足论”的强调，标志着中国绘画从注重外在形似向内在精神性的转变。 本书详细分析了东晋至南北朝时期，山水画的独立与发展。虽然此时的山水画尚多与人物画相结合，但如宗炳、王微等名士的山水画论，已明确提出“山水之乐，聊以 the 养生耳”的观点，将山水画与个人情操、人生理想联系起来。他们主张“澄怀观道”，在山水中体悟大道，这种精神上的契合，正是文人画得以形成的关键。 唐代是绘画艺术空前繁荣的时期，宫廷画、佛教画、人物画等都达到了极高的成就。然而，在这一时期，文人画家群体开始逐渐形成。王维作为唐代杰出的诗人、画家、音乐家，其“画中有诗，诗中有画”的艺术理念，以及他所倡导的“笔墨”观念，被认为是文人画走向成熟的里程碑。他的山水画，注重诗情画意，意境悠远，为后世文人画树立了典范。本书深入剖析了王维的艺术风格，以及他对水墨技巧的运用，指出他将绘画从工匠式的描摹提升到了士大夫阶层的自我表达。 宋代是中国文人画发展的黄金时期。宋代文人普遍具有较高的文化素养，他们身居官场，但又对仕途有着复杂的态度，因此，他们将绘画作为一种寄托情怀、修身养性的重要方式。本书重点探讨了宋代文人画的几个关键发展方向： 山水画的意境化与哲学化： 以范宽、郭熙、李唐为代表的宋代山水画家，在继承唐代山水画的基础上，更加注重表现自然景物的宏大、壮丽和深邃，同时融入了更为复杂的哲学思考。郭熙的《林泉高致》是中国古代绘画理论的瑰宝，书中对山水画的构图、用笔、用墨、意境的论述，深刻影响了后世。本书详细分析了这些画家作品中蕴含的“天人合一”、“道法自然”的思想，以及他们如何通过笔墨来传达自然万物的生命力。 花鸟画的写意与象征： 宋代花鸟画，尤其是文人画家笔下的花鸟，不再仅仅是作为装饰或写实的对象，而是被赋予了更为丰富的象征意义。如赵佶的《芙蓉锦鸡图》虽然工整，但其所传达的吉祥寓意，已显露出文人化的倾向。而北宋末至南宋的文人画家，如梁楷、牧溪等，则将花鸟画推向了更为写意、更为简练的境地，注重以寥寥数笔勾勒出物象的生命神韵，例如梁楷的《泼墨仙人图》，以洒脱的笔墨表现仙人狂放不羁的神态。 书法与绘画的融合： 宋代文人更加重视书画同源的观念，认为书法中的笔墨线条，可以运用到绘画之中，而绘画的意境，也可以通过题跋来升华。本书详细分析了宋代文人如何将自己的诗词、书法与绘画相结合，形成一种多位一体的艺术形式，增强了作品的思想性和艺术感染力。 第三部分：精神内涵与审美范式——文人画的核心特质 本书的核心部分，致力于深入解析文人画区别于其他画种的独特精神内涵与审美范式。 “意”的至上性——写意与传神： 文人画最显著的特征是“写意”，而非“写形”。本书通过梳理历代画论，如“以形写神”、“得意忘形”、“笔墨游戏”等概念，阐释了文人画追求的并非是对客观物象的逼真模仿，而是要通过笔墨来传达对象内在的精神、情感与生命力。即使是写景，也并非单纯的山水风光，而是借景抒情，寄托画家自身的情怀与人生感悟。这种“意”的追求，使得文人画具有了更强的哲学深度与人文关怀。 笔墨的本体性与表现力： 书法与绘画在中国艺术中的紧密联系，使得“笔墨”成为文人画重要的构成要素。本书详细探讨了文人画如何将书法的用笔、用墨技巧融入绘画，例如飞白、渴笔、宿墨等技法的运用，不仅能够表现物象的质感与形态，更能传达画家的情感与心性。笔墨的挥洒，成为画家自我情感的直接宣泄，是画家心灵的外化。 “士气”与“雅趣”——人格与审美的统一： 文人画是“文人”之画，因此，画家的个人品格、修养、情感，直接影响着作品的艺术水准。本书强调了“士气”在文人画中的重要地位。“士气”指的是文人身上所特有的高洁、旷达、不媚俗的精神气质。这种人格特质，通过笔墨得以体现，使得文人画作品具有一种超凡脱俗的“雅趣”。这种雅趣，体现在构图的简洁、笔墨的疏淡、题材的选择以及画外之音的暗示等方面，与宫廷画、民间画的富丽堂皇、热闹非凡形成了鲜明的对比。 “逸笔草草”的自由境界——从形似到神似，再到“不似之似”： 本书追溯了文人画从早期对“形似”的关注，到强调“神似”，再到追求“不似之似”的演变过程。尤其是到了明清时期，以徐渭、八大山人、石涛等为代表的文人画家，更是将写意推向极致，他们打破了物象的固有形态，以奔放、奇崛的笔墨，表现出一种更为自由、更为内在的精神世界。这种“不似之似”，并非是对物象的否定，而是通过极度的夸张与变形，达到一种更高层面的精神写照。 第四部分：流变与影响——明清至今的文人画 本书的最后部分，着眼于文人画在明清之后的流变及其深远影响。 明清时期，文人画继续发展，涌现出“吴门画派”、“松江画派”、“扬州八怪”等一批富有创造力的艺术家。本书分析了这一时期文人画在继承传统的同时，也出现了新的发展趋势，例如更加强调个性化、情感化表达，以及对题材的拓展。尤其是“扬州八怪”的出现，他们以其独特的笔墨风格和反传统的美学追求，为文人画注入了新的活力。 进入近代，随着西方艺术思潮的涌入，中国传统绘画面临着巨大的挑战。然而，文人画的精神内核并未因此消亡，反而以新的形式得以延续。一批有识之士，如吴昌硕、齐白石等，将文人画的写意精神与时代需求相结合，创造出新的艺术风格。本书探讨了近现代文人画家如何在中国画走向现代化的过程中，坚守与创新，将文人画的笔墨语言与民族精神相结合。 最后，本书总结了文人画在中国艺术史上的地位与贡献，以及其对后世艺术家和整个民族文化所产生的深远影响。文人画不仅仅是一种绘画形式，更是中国传统文人精神、哲学思想、审美情趣的一种集中体现。它所倡导的“天人合一”、“寄情山水”、“修身养性”等理念，至今仍对我们具有重要的启示意义。本书试图通过对中国文人画这一独特艺术形式的系统研究，引导读者深入理解中国传统文化的精髓，体悟中国文人的精神世界。

评分☆☆☆☆☆

阅读《中国文人画之研究》，我最为欣喜的是它对我理解“笔墨”概念的重塑。过去，我总是将笔墨简单地理解为线条和墨色的运用，认为它只是绘画的工具。然而，这本书让我深刻认识到，在文人画领域，笔墨早已超越了工具的层面，升华为一种独立的艺术语言，一种承载着画家精神和情感的载体。作者花费了大量的篇幅，从书法与绘画的关系入手，详细阐述了“用笔”和“用墨”的精微之处。他分析了不同的笔法，如“锥画沙”、“印印泥”，以及它们所能产生的不同质感和力量感。 更让我感到震撼的是，作者将“墨分五色”的原理，从技术层面上升到了哲学层面。他不再仅仅是告诉我们如何调墨，而是深入探讨了墨色浓淡干湿的变化，如何能象征着不同的心境，例如，浓墨可以表现沉郁，淡墨可以体现轻灵。他甚至将笔墨的运用与中国人的气质、品格联系起来，认为好的笔墨，往往蕴含着一种“书卷气”，一种温润如玉的气质。这本书让我明白，文人画的笔墨，是画家心性的外化，是其学养、情操、性情淋漓尽致的展现。我开始重新审视每一幅文人画，不再仅仅看其题材，而是去感受那每一笔每一画中所蕴含的勃勃生机和独特个性。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我感到“大开眼界”的，是对文人画“士大夫精神”的挖掘。过去，我总觉得“文人画”这个名字，只是说明了画家的身份，而忽略了其背后更深层的精神内涵。然而，作者在书中花费了大量笔墨，将文人画的创作，与中国古代士大夫的政治抱负、人生理想、以及他们所面临的社会压力和精神困境紧密地联系起来。他分析了文人画家为何常常选择梅、兰、竹、菊等题材，这些题材背后所象征的“高洁”、“坚韧”、“隐逸”等品质，恰恰是士大夫阶层在复杂社会环境中，试图坚守的道德情操和精神寄托。 我也从书中了解到，文人画在某种程度上，也是文人士大夫阶层在仕途失意或官场不得志时的“退隐”之道，是一种精神上的自我慰藉和情感的宣泄。画画，成为了他们表达内心独白、寄托理想情怀的重要方式。这种将绘画与人生哲学、道德修养融为一体的理解，让我对文人画的认识，从单纯的艺术欣赏，上升到了对中国传统士人精神的理解。这使得文人画不再是冰冷的艺术品，而是有了温度，有了灵魂，成为了那个时代文人心灵的真实写照。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我最大的启发，在于它让我重新思考了“写意”这个词的真正含义。很多时候，我们可能会将“写意”与“随便画画”、“不求形似”划等号，但《中国文人画之研究》这本书，彻底颠覆了我过去的认知。作者通过对大量文人画作品的细致分析，让我看到了“写意”背后所蕴含的深厚功力和严谨的艺术法则。他强调，“写意”并非放弃对物象的观察和理解，而是在充分理解物象的基础上，提炼其精神，捕捉其神韵，然后用更为简练、概括的笔墨去表现。 我记得作者在分析一幅竹子题材的画作时，详细讲解了画家如何通过观察竹子的生长姿态、枝叶的疏密、节日的清晰度，来体会竹子的“节操”和“劲节”。而最终画出来的竹子，可能并不是对每一片竹叶都进行精雕细琢，但却能给人一种生命力蓬勃、坚韧不拔的感觉。这种“似与不似之间”的艺术境界，正是文人画“写意”的精髓所在。这本书让我明白，真正的“写意”是高度提炼和概括后的精神呈现，它需要画家有极高的观察力、表现力和对生命本质的深刻理解。

评分☆☆☆☆☆

这本书让我对“留白”在中国文人画中的作用有了全新的认识。以前，我总觉得留白是画家“偷懒”的表现，或者只是为了构图的需要。但通过作者的详细讲解，我才明白，文人画中的留白，绝非是“空无”，而是“有之以为利”，是一种至关重要的艺术手法。作者将留白与中国哲学中的“虚”、“无”概念联系起来，解释了为何留白能够营造出宁静、悠远、深邃的意境，为何能够激发观者的想象力，让观者在“无”中生“有”。 我记得书中对山水画中的留白进行了特别的分析。例如，画中的天空、水面，甚至远处的山峦，往往会采用大片的留白。这些留白并非是未完成的部分，而是艺术家有意为之，它们可以是缥缈的云雾，可以是浩渺的江海，也可以是无垠的空间。这些留白，既让画面有了呼吸的空间，避免了拥挤和窒息感，更重要的是，它们为观者留下了想象的余地，让观者能够根据自己的心境和理解，去“填补”这些空白，从而与画家产生共鸣。这种“犹抱琵琶半遮面”的艺术处理方式，正是文人画含蓄、内敛、耐人寻味的精神的体现。

评分☆☆☆☆☆

在阅读《中国文人画之研究》的过程中，我最大的收获之一，是对“气韵生动”这一中国画的最高评价有了更深刻的理解。以往，我只是知道“气韵生动”是中国画的至高境界，但对于如何达到，以及它具体体现在哪里，总是一种模糊的概念。这本书通过对历代名家作品的细致品析，让我看到了“气韵生动”并非流于表面，而是需要画家在笔墨、构图、意境等多个层面达到高度的统一和和谐。 作者在分析写意花鸟画时，着重强调了画家如何捕捉花鸟的神态、生命的活力，以及它们所处的自然环境所散发出的“生机”。他会讲解，一幅画中的鸟，即使只是寥寥数笔，但如果能画出其眼神中的灵动，姿态的自然，就能感受到生命的律动。同样，在山水画中，山峦的巍峨、云水的流动，都需要通过笔墨的挥洒，来传达出一种自然的生机勃勃，一种宇宙间的灵动之气。这本书让我明白，“气韵生动”是一种整体的艺术生命力，是画家将自己对生命的感悟，通过笔墨淋漓尽致地呈现出来，让观者能够感受到一种生命的共鸣。

评分☆☆☆☆☆

这本书，在我看来，最出彩的地方在于它对“诗书画三绝”的解读。以往我总觉得，将诗、书、画结合起来，似乎更多的是一种文人的雅趣，一种附加的价值。但通过这本书的深入剖析，我才真正理解到，在文人画的世界里，诗、书、画并非简单的相加，而是三者相互渗透、相互映照，共同构成一种完整的艺术表达。作者详细阐述了诗歌如何为绘画提供意境和灵感，书法则如何通过笔墨的韵律和结构的呼应，来增强画面的表现力和感染力。 我尤其记得书中对王维、苏轼等文人画家的作品的分析。他们不仅是画家，更是杰出的诗人、书法家。他们的画，往往题有自己创作的诗句，而诗句的内容与画面意境高度契合，甚至相辅相成，互相提升。而画面中的书法，也并非简单的题款，而是与画面整体的风格、笔墨相得益彰，成为画面不可分割的一部分。这种“三位一体”的创作方式，让文人画具有了超越单一艺术门类的深度和广度。读完这部分，我才真正领悟到，文人画所追求的，是一种全方位、多维度的审美体验，一种精神的高度统一。

评分☆☆☆☆☆

这本书的阅读体验，让我感觉就像是踏上了一次穿越时空的艺术之旅。作者以一种非常平易近人的方式，为我打开了中国文人画这扇古老而迷人的艺术殿堂。我不再是那个对文人画一知半解的旁观者，而是仿佛置身于画家的创作之中，与他们一同感受山川的壮丽，竹子的坚韧，梅花的傲骨。书中对历代名家，如顾恺之、吴道子（虽然严格来说更偏向工笔，但提及了早期绘画的脉络）、董源、巨然、范宽、米芾、黄公望、倪瓒、王蒙、沈周、唐寅、仇英、八大山人、石涛、扬州八怪等等的梳理和品鉴，每一个名字都鲜活起来，他们的作品不再是博物馆里的静态展示，而是充满了生命力和情感的艺术表达。 我尤其喜欢作者对不同流派和风格的梳理，他不仅讲述了“南宗”与“北宗”的差异，更深入地探讨了不同地域、不同文人群体在绘画风格上的独特性。读完这本书，我发现自己对中国画的认识，从简单的“山水画”、“人物画”、“花鸟画”这些分类，提升到了对画家个人风格、时代精神、以及地域文化影响的更深层次的理解。这让我对中国绘画的博大精深，有了更真切的感受，也激起了我进一步探索的欲望。

评分☆☆☆☆☆

这本书的内容，让我最感到惊艳的是它对“意境”的深入剖析。以往我理解的文人画，总觉得它有些“写意”，模糊不清，但这本书却让我看到了“意境”背后所蕴含的精妙构思和深刻哲学。作者并非空泛地谈论意境，而是通过分析大量的具体画作，从构图、色彩、笔墨技法、留白等多个维度，层层剥茧地揭示了文人画家是如何运用各种艺术手段来营造和传达“意境”的。例如，他会详细讲解一幅山水画中，画家如何通过山峦的起伏、云水的流转、树木的疏密，来传达出一种宁静致远，或是雄浑壮阔的情感。 尤其令我印象深刻的是，作者将中国传统哲学，如道家的“虚静”思想、儒家的“中庸”之道，与文人画的审美追求巧妙地联系起来。他解释了为何文人画常常追求“萧疏淡远”，为何“留白”在中国画中占据如此重要的地位。这不仅仅是技巧的讲解，更是思想的阐释。读完这部分，我才真正理解，文人画的“意境”并非简单的描绘，而是画家内心世界与外部世界的交融，是将宇宙人生的感悟融入笔墨之中，留给观者无限的遐想和体味。这是一种高度精神化的艺术表达，远非一般意义上的“写实”所能比拟。

评分☆☆☆☆☆

这本书的书名很直接，是《中国文人画之研究》。我拿到这本书的时候，其实是抱着一种比较忐忑的心情。一方面，我对中国传统文化，尤其是绘画艺术一直抱有浓厚的兴趣，文人画更是其中一个我特别着迷的领域。它不像宫廷画那样富丽堂皇，也不像民间画那样直抒胸臆，文人画总有一种“画外之意”，一种士大夫阶层特有的情怀和审美。另一方面，我也担心这本书会不会过于学术化，读起来枯燥乏味，毕竟“研究”两个字有时就意味着严谨的考据和理论的堆砌，而我更希望从中获得的是一种感悟和启发。 然而，翻开第一页，我便被作者的叙述方式吸引住了。他并没有一开始就抛出晦涩难懂的理论，而是从一些非常生动的故事讲起，比如苏轼如何与友人一同赏画，画中蕴含着怎样的诗意；又比如郑板桥如何以竹为师，画出了那个时代文人的傲骨。这些鲜活的案例，如同打开了一扇扇小窗，让我得以窥见文人画背后那丰富的情感世界和人生哲学。作者的文字流畅而富有韵味，仿佛一位老友在娓娓道来，一点点地引导着我去理解文人画的精神内核。我开始意识到，文人画不仅仅是笔墨的技巧，更是一种生活态度，一种精神寄托，一种对自然、对人生、对艺术的深刻体悟。

评分☆☆☆☆☆

让我感到耳目一新的是，这本书不仅仅是罗列画家的作品和生平，而是以一种更为宏观的视角，将中国文人画置于整个中国社会、文化、历史的大背景下去审视。作者并非孤立地看待文人画，而是深入探讨了文人画的产生、发展与当时的社会政治经济状况，以及知识分子的思想观念之间的紧密联系。例如，他分析了为何在唐宋时期，文人画开始兴盛，这与当时文官制度的完善、士人阶层的崛起有着怎样的关系。 我也特别喜欢作者对于不同时期文人画风格演变的梳理。他没有简单地将各个朝代的文人画割裂开来，而是通过流畅的叙事，展现了不同时代背景下，文人画在题材、风格、表现手法上的继承与创新。比如，从唐代尚意、宋代尚理，到元代尚韵、明清时期更加世俗化和个性化的发展，每一步都与当时的时代思潮和文人精神紧密相连。这种梳理让我对文人画的发展脉络有了更清晰的认识，也更深刻地理解了为何同一题材，在不同的时代，会被赋予不同的艺术生命。

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活动买书超级划算，值得信赖，期待下次活动，继续够，还是钟爱纸媒图书！

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书太好了，装帧简单大气上档次，还便宜。重要的是内容很好。

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一本薄薄的小册子，还是自己感兴趣的内容，觉得还行吧。

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何谓文人画？即画中带有文人之性质，含有文人之趣味，不在画中考究艺术上之工夫，必须于画外看出许多文人之感想，此之所谓文人画。

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名家名作。陈师曾是清末诗坛宗师陈三立的儿子，为画坛宗师吴昌硕的及门弟子，享有盛名。

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看看前人的视角，对传统的认识不无裨益。

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学习学习再学习

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