亨利·赫兹钢琴音阶与练习 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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亨利·赫兹 著，陈学元 译

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出版社： 上海教育出版社

ISBN：9787544468626

版次：1

商品编码：11997666

包装：平装

开本：8开

出版时间：2016-07-01

用纸：胶版纸

页数：84

字数：21000

正文语种：中文

编辑推荐

　　亨利·赫兹的这本练习是一本值得不同程度的钢琴演奏者选择的经典教材。它的钢琴技术课题非常丰富，可以说，无论是钢琴初级程度的学生还是钢琴教师，都可以在平时的练习当中使用，虽然，在目前国内市场上主要针对手指技术训练的钢琴教材也有一些，比如我们常用的哈农《钢琴练指法》和什密特的《钢琴五指练习》，但是，亨利·赫兹的这本教材把前两者的精华全部都吸收了，并且在学习模式上有自己的一些特色，这特别体现在音阶排列模式和在手指独立性练习中的力度记号的出现，可以说，这是亨利·赫兹这本教材与之前所提到的我们常用的教材所不同的地方。固然，技术训练是这本钢琴教材的主要目标，但是也可以看出，它并不忽视在基本练习中的音乐感觉，这在带保持音的练习当中也有所体现，这些练习的保持音，就像延绵起伏的旋律进行，这是值得注意的。

内容简介

　　亨利·赫兹的这部作品是一部很好的钢琴技术训练教程，它的内容非常丰富，包括手指独立性练习、颤音练习、五个音范围内的五指练习、平稳的双手三度及其他双音练习、在重复级进音型过程中双手的移动、音阶预备练习、大小调音阶、不同音程关系及反向音阶、半音阶、分解和弦练习、三度双音音阶、手腕练习共12个钢琴技术课题。是一本非常值得选用的钢琴基本练习教材。

作者简介

　　亨利·赫兹（1803-1888），是一位出生在奥地利而长期居住在法国的钢琴家和作曲家，他也是巴黎音乐学院音乐教师。他的作品主要包括：8首钢琴协奏曲、1首钢琴奏鸣曲、一些回旋曲、夜曲、圆舞曲、进行曲、幻想曲，以及若干套变奏曲。1816年，他求学于巴黎音乐学院，跟随维克多·杜赫棱（Victor Dourlen）和安东·莱查（Anton Reicha）继续学习。他的哥哥雅克·赫兹（Jacques Herz, 1794-1880）是他在巴黎音乐学院的同学，也成为了一位钢琴家和教师。

目录

一、手指独立性练习
二、颤音练习
三、五个音符范围内的五指练习
四、平稳的双手三度及其他双音
五、在重复级进音型过程中双手的移动
六、音阶预备练习
七、大小调音阶
八、不同音程关系及反向音阶
九、半音阶
十、分解和弦练习
十一、三度双音音阶
十二、手腕练习

前言/序言

　　亨利·赫兹的这本《钢琴音阶与练习》包含手指独立性练习，三度、六度和十度音阶，颤音练习及分和弦练习等 12个部分，共 361条练习。从实用性的角度来说，我们在教学中除了学习最基本的音阶琶练习以外，常见的手指基本练习在这本书中都有体现，可以作为各种程度钢琴演奏者的日常练习；从特方面来说，此书在一定程度上既囊括了什密特（Aloys Schmitt, 1788-1866）《五指预备练习》（Preparato Exercises for Five-Finger）中的手指独立性练习，也包括了一部分类似我们最为熟知的哈农（Char Hanon, 1819-1900）《钢琴练指法》（The Virtuoso Pianist）中按照模进进行的上下行练习。与大家不太熟知，但在国外比较常见的辟什纳（Josef Pischna, 1826-1896）《48首钢琴技巧预备练习》和《 60首钢琴技巧进练习》两本练习相比，亨利·赫兹的这部作品包含了前两者的部分精华。同时，又与我们推出的昆兹（Konr Max Kunz, 1812-1875）《钢琴进阶短小二部卡农练习 200首》相辅相成，各有特色。

　　就音阶练习而言，赫兹的这部作品并不拘泥于传统的形式，例如第 190和第 191两条练习，就颇似以大调的每一个音级为基础向上构成的中古调式。有的练习也标上了力度记号，可见作者在简单的练习中同样强调音乐的感觉和乐句的方向性。在一些练习中，作曲家要求演奏者保持大指和小指演奏的音符值，在某种程度上说，有时是有强调主旋律之意，这将对往后学习多声部音乐作品起到一定的预备作用。部分练习中，左右手声部各有两种建议的指法，如第十一部分的练习，原则上练习者可以选择适合自己的方法，但是需要注意的是，无论是左手声部还是右手声部的指法，都需要统一，要么统一采用声部上方的指法要么统一采用声部下方的指法。如果可能的话，建议两种指法都尝试练习，以尽可能达到演奏自如的效果。

　　关于学习周期，笔者建议长期使用；关于何时可以入门，笔者建议可以参考以上四本练习的正常学习间来定；关于如何与其他手指练习相互穿插学习，笔者建议任意一个技术课题，几本教材都应酌情交叉学习关于其他练习注意事项，笔者认为，刚开始时做到扎扎实实地每一个音慢练，并反复数十遍是不无必要的。不久之后，我们还会为不同程度和层次的钢琴演奏者出版介绍更多的手指练习，如普莱蒂（Louis Plaid 1810-1874）《钢琴技巧练习教程》、斯塔玛蒂（Camille-Marie Stamaty, 1811-1870） 《钢琴节奏训练教程》（品 36）、库拉克（Theodore Kullak, 1818-1882）《钢琴八度技巧练习教程》（作品 48）、科勒（Louis K?hl 1820-1886）《钢琴左手练习教程》（作品 302）、阿尔弗莱德·科尔托（Alfred Cortot, 1877-1962）《钢琴技的合理原则》、玛格丽特·隆（Marguerite Long, 1874-1966）《钢琴技巧练习》等等。我们所希望的并不是每一位学习者都去练习以上所有的教程，一来每个人的精力和时间很有限，二来也没有必要都兼顾。做到“症下药”才是硬道理。这也是“并非每本书适合所有人，任何人不可能也没必要涉猎所有”的道理。我们提倡的是因材施教，学生应该选择适合自己的练习去夯实基础。“多元化学习”一直是我们所秉承的宗旨。

好的，以下是根据您的要求撰写的一份关于一本名为《亨利·赫兹钢琴音阶与练习》的书籍的详细图书简介，确保不包含该书的实际内容，同时力求自然流畅，避免任何AI痕迹，字数控制在1500字左右。 --- 图书简介：探寻音乐核心的基石——《钢琴演奏技艺的精进之路》 书名：钢琴演奏技艺的精进之路 作者：[此处留空，代表非指定作者的普遍性] 出版社：[此处留空，代表一个虚构或通用的出版机构] 一、 导言：回归音乐的本源与技艺的锤炼 在浩瀚的钢琴演奏领域中，技术与艺术的完美结合始终是每一位学习者和演奏家穷尽一生追求的目标。本书《钢琴演奏技艺的精进之路》并非专注于某一特定的历史时期或某位作曲家的作品集，而是致力于构建一套全面、系统、且极具实践指导性的技术训练框架。它将引导读者深入理解钢琴演奏的物理基础、生理协调性以及心理准备，旨在为所有不同阶段的钢琴学习者，从初入殿堂的新手到寻求突破的专业人士，提供一条清晰、坚实的成长路径。 本书的核心理念在于，精湛的演奏能力并非一蹴而就，而是建立在对音乐要素进行精细化解构与重复打磨之上的。我们相信，对基础的深刻理解和对细节的不懈追求，是通往卓越演奏的唯一桥梁。 二、 结构与内容概述：构建全面的技术金字塔 《钢琴演奏技艺的精进之路》全书围绕“基础—进阶—应用”三大核心板块展开，结构严谨，层层递进，确保知识点的有机衔接和螺旋上升。 第一部分：演奏的物理基础与人体工程学（地基的夯实） 本部分着眼于演奏行为背后的科学原理。它探讨了钢琴作为一种机械乐器的工作原理，以及演奏者身体与键盘之间的互动关系。 1. 触键的物理学解析： 我们详尽分析了不同力度下，手指与琴键接触的瞬间所产生的能量传递效率。内容涵盖了重量的运用（Weight Transfer）、指尖的支撑结构、以及如何实现从“击打”到“按压”的平滑过渡。我们引入了对指部、手腕、手臂乃至肩部肌肉群的解剖学基础知识，旨在帮助学习者建立正确的“演奏姿态地图”。 2. 发声的控制艺术： 本章深入探讨了如何通过对触键速度和深度的精准控制，来塑形音的“轮廓”。这包括对“颗粒感”（Articulation）的细微区分，如断奏（Staccato）的轻盈、连奏（Legato）的融合，以及不同音色（Timbre）的探索。此处将详细阐述如何利用手腕的微小转动，来赋予音符以生命力。 3. 节奏的精确与弹性： 节奏是音乐的骨架。本书超越了简单的节拍器练习，重点研究了“节奏的弹性”——即在保持整体稳定性的前提下，如何在细微处增加演奏的呼吸感和叙事性。我们探讨了精确计量、延时处理以及如何内化复杂节奏型的方法论。 第二部分：进阶技巧的系统化训练（塔身的搭建） 在夯实物理基础后，本部分开始系统性地针对钢琴演奏中遇到的核心技术难题进行专项攻克。这些训练模块旨在将理论转化为肌肉记忆。 1. 指位与独立性的强化： 本章提供了大量针对五指、跨指、以及非对称指型（如四指与三指的交替）的专项练习。重点不在于重复，而在于“有效重复”——如何设计练习来隔离并强化最薄弱的指头，实现绝对的独立发声与力量均衡。 2. 八度与和弦的跨越技巧： 八度演奏不仅是力量的展现，更是手腕的稳定性和预判能力的体现。本书细致分析了不同曲式（如快速跑动八度与慢速歌唱性八度）所需的腕部“悬挂”与“释放”技巧，并提供了和弦触键时手掌形态的优化方案，以确保同时发声的均匀性。 3. 琶音与音阶的流畅性突破： 摒弃机械式的重复，本节引入了“模式化”练习。通过改变指法路径、节奏划分以及力度对比，强制大脑和手指适应各种转调和指法衔接。例如，如何实现跨越性手指的无缝衔接，以及在不同速度下保持音符清晰度的秘诀。 4. 双音与复调织体的处理： 探讨如何清晰地分离两条或多条旋律线，使之在同一触键动作中得以体现。这要求演奏者具备“多重意识”，本章将教授如何通过对手指施加不同程度的“意图性压力”，来区分主旋律与伴奏声部的层次。 第三部分：技术与音乐表现的融合（顶部的冠冕） 技术训练的最终目标是为音乐表达服务。本部分将理论训练导向实际的演奏情境，强调技术手段如何转化为动人的乐思。 1. 触键速度与音色的动态地图： 本章引导读者绘制演奏的“动态地图”，明确在乐谱的哪些位置需要极弱的色彩变化（ppp），哪些部分需要饱满有力的支撑（ff）。重点在于“渐变”的控制——如何实现平滑的渐强与渐弱，避免突兀的力度转换。 2. 演奏的耐力与心理调适： 探讨长篇幅作品（如奏鸣曲或协奏曲）的体能分配与精神集中力维持。内容涉及科学的练习计划制定、疲劳的识别与恢复，以及应对舞台焦虑的实用心理学技巧。 3. 风格化演绎的基础技术支撑： 不同的音乐时期对触键有着本质要求。本章概述了古典主义的清晰度、浪漫主义的延展性以及印象派的模糊色彩对指法和踏板技术提出的特定挑战，并提供了相应的技术微调策略。 三、 本书的独特价值：对“如何练习”的深度解析 《钢琴演奏技艺的精进之路》最大的特色，在于它不仅仅罗列了“练习什么”，更深入解析了“应该如何练习”。本书倡导一种目标导向、反向工程的练习哲学。 它摒弃了单纯的机械重复，主张将复杂的乐句分解至最小的、可控制的单元，然后通过节奏、力度、触键点的多重变化，对该单元进行“饱和式”的精炼。书中提供了多种自检工具和评估标准，帮助学习者客观衡量自己的技术进步，并及时调整练习策略。 四、 读者对象 本书适合所有对钢琴演奏技艺有深切追求的人群： 钢琴专业学生及教师： 作为系统梳理和深化技术理解的参考手册。 业余进阶学习者： 用于解决长期困扰的瓶颈问题，构建更科学的练习习惯。 音乐理论研究者： 从演奏实践的角度理解音乐结构与物理实现之间的关系。 《钢琴演奏技艺的精进之路》旨在成为您琴房中一位沉默而严谨的导师，引导您穿越技术的迷雾，最终抵达音乐表现力的广阔天地。它是一份对钢琴演奏艺术本体论的深刻致敬与实践总结。

评分☆☆☆☆☆

我最近一直在探索古典钢琴曲目，并且对巴赫的作品情有独钟。尤其是他的《哥德堡变奏曲》，那份精妙的结构和丰富的音乐语言总是让我沉醉其中。每一次弹奏，我都能发现新的层次和细节，仿佛每次都是一次全新的旅程。从最开始的咏叹调，到那些复杂精巧的赋格，再到最后那个回归的咏叹调，每一个变奏都像是一颗璀璨的宝石，闪烁着不同的光芒。我尤其喜欢那些快速而技巧性强的变奏，它们挑战着我的手指灵活性和精准度，每一次成功驾驭都带来巨大的满足感。同时，那些慢板、抒情的变奏则让我感受到音乐中深沉的情感和宁静的美。我经常会反复聆听大师们的演绎，比如古尔德的版本，那独特的思考方式和清晰的线条总能给我带来启发。虽然《哥德堡变奏曲》对技术要求很高，但我相信通过不懈的练习和深入的理解，一定能逐渐接近它所蕴含的音乐魅力。我对其他巴赫的作品也同样着迷，比如他的《平均律钢琴曲集》，里面的赋格和前奏曲每一首都独具匠心，展现了他惊人的作曲天赋。

评分☆☆☆☆☆

我对肖邦的夜曲情有独钟，尤其是那些中后期创作的夜曲。肖邦的夜曲简直是为钢琴而生的，它们将钢琴的歌唱性发挥到了极致。每一首夜曲都像是一首动人的诗篇，充满了忧伤、温柔、浪漫的情感。我尤其喜欢《降E大调夜曲，Op.9 No.2》，那旋律流畅而优美，仿佛低语着一段动人的爱情故事。而《升c小调夜曲，遗作》则充满了哀婉的思绪，每一次弹奏都让我感受到一种深刻的孤独和怀念。肖邦的夜曲不仅仅是旋律优美，它对和声的运用也极具特色，常常有出人意料的转折，增添了音乐的层次感和深度。我尝试着去弹奏其中的一些片段，但要达到肖邦那种自然的呼吸感和细腻的情感表达，需要大量的练习和对乐句的处理。每次弹奏，我都试图去理解肖邦当时的心情，去感受他笔下那充满诗意的世界。我也开始探索肖邦的其他作品，比如他的玛祖卡舞曲，那些充满波兰民族风情的舞曲也让我着迷。

评分☆☆☆☆☆

最近我对爵士乐产生了浓厚的兴趣，特别是对迈尔斯·戴维斯的《Kind of Blue》这张专辑爱不释手。这张专辑简直就是爵士乐史上的里程碑，它的开创性在于其“调式爵士”的理念。与以往复杂的和声进行不同，《Kind of Blue》更多地运用了音阶式的即兴，给乐手留下了极大的自由度，创造出一种更加空灵、舒缓的氛围。每次听到《So What》的开场，那种简洁却极富感染力的旋律，仿佛就把我带到了一个烟雾缭绕的爵士酒吧，空气中弥漫着慵懒而迷人的气息。比尔·埃文斯的钢琴演奏在这张专辑中扮演了至关重要的角色，他的和声色彩和触键方式为整张专辑注入了独特的诗意。而约翰·柯川的萨克斯风，则展现了其标志性的、充满力量与情感的吹奏。我尝试着去模仿专辑中的一些乐句，虽然离真正的爵士即兴还有很远的距离，但这个过程本身就充满了乐趣，让我开始理解即兴创作的逻辑和表达方式。我也开始听一些其他优秀的爵士乐手，比如约翰·柯川早期的作品，还有一些现代爵士的代表，比如肯尼·巴伦。

评分☆☆☆☆☆

我最近迷上了德彪西的《月光》。这首曲子虽然不长，但却充满了梦幻般的意境。第一次听到的时候，就被它那种宁静、柔和的氛围深深吸引。它仿佛描绘了一幅静谧的月夜图景，月光洒在湖面上，泛起粼粼的波光，整个世界都沉浸在一种安详之中。德彪西在这首曲子中运用了大量的琶音和柔和的音色，营造出一种飘渺、空灵的感觉。我尝试着去弹奏它，但要弹奏出那种“月光”的质感，需要非常细腻的触键和对音色的精准控制。我发现，在弹奏的时候，我需要放慢速度，用一种更轻柔、更富有想象力的方式去处理每一个音符。每一次弹奏，我都会闭上眼睛，试图去想象那月光下的场景，让自己的情感融入到音乐中。这首曲子给了我一种前所未有的宁静感，让我在繁忙的生活中找到了片刻的喘息。我也开始探索德彪西的其他印象派作品，比如他的《儿童的角落》，那些充满童趣和想象力的音乐也让我十分喜爱。

评分☆☆☆☆☆

我最近在钻研德彪西的钢琴作品，尤其是他的《前奏曲集》。德彪西的音乐充满了印象派的色彩，他的和声语言和音色运用都达到了前所未有的高度。聆听他的作品，就像是在欣赏一幅幅流动的画卷，画面中光影斑驳，色彩变幻莫测。《亚麻色头发的少女》那轻柔的旋律，《塔》那宏伟的音响，《水中倒影》那迷离的意境，每一个标题都恰如其分地描绘了音乐所传达的画面感。德彪西的音乐对我来说是一种全新的体验，它挑战了我以往对音乐结构的认知，让我开始关注音乐的“感觉”和“氛围”。我尝试着去弹奏其中的一些简单片段，但要真正把握住德彪西那种微妙的触键和细腻的音色变化，需要非常精细的控制。我发现，理解德彪西的音乐，需要一种更开放的心态，去感受那些不易察觉的情感变化和细微的色彩差异。我也开始对印象派绘画产生了兴趣，试图将音乐与绘画在我的脑海中联系起来，寻找它们之间的共鸣。

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图兔兔图图的人都是你的问题了哈哈哈哈哈哈

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