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徐昭 著

图书标签:

• 国画
• 山水画
• 绘画入门
• 艺术
• 启蒙
• 技法
• 教程
• 中国画
• 绘画
• 艺术学习

出版社： 安徽美术出版社

ISBN：9787539876092

版次：1

商品编码：12077547

包装：平装

丛书名： 国画启蒙

开本：24开

出版时间：2017-04-01

用纸：胶版纸

正文语种：中文

内容简介

　　《国画启蒙》这是一套简单易学的儿童国画启蒙书，全套共四册，分别为《国画启蒙：动物》《国画启蒙：鱼虫》《国画启蒙：花果》《国画启蒙：山水》，内容包括国画知识介绍、工具材料、用笔用墨、色彩知识和大量课例。课例选取常见的动物、鱼虫、花果、山水题材，每个课例都配有详细的分解步骤和分析文字，书后附有示范作品供欣赏和学习临摹。课例由浅入深，笔墨变化生动，富有情趣，文字浅显易懂。通过本套书的学习，可以让儿童初步掌握简单的国画理论知识，丰富其作画技巧，将传统精神融入孩子心中，，激发他们对传统国画的喜爱。

《笔墨乾坤：写意山水意境探微》 一、 序言：山水画的呼吸与灵魂 中国山水画，绝非简单描摹自然景物的静态复制，而是一种流淌着生命气息、饱含人文精神的动态表达。它以笔墨为媒介，以山川为载体，倾注画家的胸臆，传递出对宇宙、对人生、对美的深刻感悟。山水画不仅仅是视觉的享受，更是一种精神的寄托，一种情感的共鸣。它教会我们如何“读山”、“听水”，如何在天地之间寻觅内心的宁静与力量，如何在自然的壮丽中体悟生命的渺小与伟大。 《笔墨乾坤：写意山水意境探微》并非一本循序渐进的“入门指南”，它不是为了让你在短时间内掌握某种绘画技巧，也不是为了教授一套僵化的笔法口诀。恰恰相反，本书致力于带领读者深入探索写意山水画的深层意境，解构其背后蕴含的东方哲学思想、中国文人的审美情趣以及艺术家在创作过程中对自然与心灵的对话。我们希望通过这本书，唤醒你内心深处对山水画的感知力，让你不再仅仅停留在“看”，而是学会“悟”，学会“品”，学会“与画对话”。 本书的诞生，源于我们对中国传统山水画独有的精神魅力的一份敬畏与热爱。在日新月异的现代社会，我们更容易被表面的光鲜所吸引，却可能忽略了那些历经千年沉淀的文化瑰宝。写意山水画便是其中一颗璀璨的明珠，它以其独特的东方韵味，连接着古老的智慧与当下的心灵。我们相信，无论时代如何变迁，对自然的敬畏、对生命的思考、对美的追求，永远是人类共同的语言。 二、 意境：山水画的魂魄所在 “意境”是中国山水画创作的灵魂，也是理解和欣赏其精髓的关键。它不是简单的画面内容，而是画面所营造出的一种超越具象的、具有感染力和引发联想的“气象”。这种气象，是物质形态与精神内涵的完美融合，是客观景物与主观情感的有机结合，是“景”与“情”的交织，是“形”与“意”的共生。 本书将从多个维度深入剖析“意境”的构成要素。我们将探讨： “形”的超越： 写意山水画并非拘泥于对自然景物的精确描摹，而是提炼、概括、夸张，以笔墨的挥洒来传达物象的精神特质。例如，一棵古松，我们不只画出它的枝干形态，更要画出它的苍劲、挺拔、历经风霜的生命力；一条山溪，我们不只画出它的流淌，更要画出它的灵动、清澈、涤荡尘埃的韵味。我们将分析艺术家如何通过笔墨的虚实、浓淡、干湿，以及墨法的积、染、破、涨等技法，来塑造具有生命力的“形”，使其超越物质，抵达精神的层面。 “墨”的哲学： “墨分五色”，并非指墨的颜色多样，而是指水墨在宣纸上通过不同的用墨方式所呈现出的丰富层次和微妙变化。墨的浓淡、干湿、枯润，既是技法的体现，更是情感的流露。浓墨厚重，象征沉稳与力量；淡墨轻盈，寓意空灵与飘渺；湿墨润泽，透出生命的生机；干墨涩笔，则显露出苍劲与老辣。本书将追溯墨在中国哲学中的象征意义，探讨墨色变化如何与中国人的情感世界紧密相连，以及艺术家如何运用“写”的笔法，将抽象的“意”融入具体的“墨”中。 “气”的流动： “气韵生动”是中国绘画的最高境界。山水画中的“气”，是指画面所散发出的整体生命力、精神气质和感染力。这种“气”，可以是大山磅礴的气势，可以是流水潺潺的生机，可以是云海翻腾的壮阔，也可以是幽谷深处的宁静。本书将深入探讨如何通过笔墨的“走”和“停”，线的“曲”和“直”，墨的“聚”和“散”，来营造画面的“气韵”。我们将分析构图的安排，景物的穿插，虚实的处理，如何共同构成一个具有内在生命力的整体，让观者仿佛能感受到山风的吹拂，溪水的低语，甚至闻到泥土和草木的芬芳。 “境”的营造： 意境的营造，离不开画家对自然细致入微的观察和深刻的情感体验。它是一种“胸中丘壑”的再现，是心灵与自然的深度契合。画家通过移情于景，将个人的情感、哲思、学养融入到山水的描绘之中，使得画面超越了简单的自然风光，成为一种能够触动人心的精神景观。我们将通过解析不同风格的山水画作品，来体会艺术家如何通过对山石的皴法、树木的画法、水法的处理，以及点景人物的设置，来营造出或雄浑壮阔、或秀丽淡雅、或高远深邃、或平远开阔的不同意境。 三、 溯源：从古人笔下的山水看精神流脉 要深入理解写意山水画的意境，就必须回溯其悠久的历史，品味历代大师们的精神传承。本书将选取不同时期、不同风格的代表性山水画作品，进行深度解读，展现中国山水画精神内涵的演变与发展。 先秦的朴素与象征： 我们可以从早期壁画、青铜器纹饰中窥见古人对自然景物的早期认知，虽然稚拙，却已蕴含着人与自然和谐共生的朴素愿望。 魏晋南北朝的玄思与精神独立： 这一时期，士人阶层受到老庄思想的影响，山水画开始脱离纯粹的写实，融入了更多的哲学思考和对自由精神的追求。我们将在作品中探寻那种“魏晋风度”的精神内核。 唐代的雄浑与气象万千： 以李思训的“金碧山水”和王维的“水墨山水”为代表，唐代山水画展现出宏伟壮阔的气势，以及对天地万物深刻的体悟。我们将分析唐代山水画如何承载着盛世的雄心与文人的理想。 宋代的理法与笔墨精进： 宋代是中国山水画的黄金时期，范宽的“古木怪石”、郭熙的“云山画意”、李唐的“斧劈皴”，无不体现出对自然规律的严谨探索和笔墨技法的精湛运用。我们将深入探讨宋人如何将“理”融入“法”，将“情”寄于“景”，以及对“三远法”的运用如何拓展了观者的视觉体验。 元代的逸趣与文人画的崛起： 元代，文人画独立发展，赵孟頫等艺术家将山水画的重点从写实转向写意，强调笔墨的趣味和个性的表达。我们将品味元代山水画中那种超然物外、寄情山水的文人情怀。 明清的创新与地域风格： 明清时期，山水画流派纷呈，沈周的“疏淡明净”、文徵明的“秀润清雅”、董其昌的“以书入画”，以及黄公望的“笔墨苍茫”，都展现了山水画在继承基础上的创新与地域风格的形成。我们将分析这些大师如何在传统的基础上，走出自己的艺术道路。 四、 技法：笔墨的语言与意境的表达 虽然本书并非一本技法教程，但理解笔墨作为语言的表达力，是体悟意境的必要基础。我们将从宏观的角度，揭示笔墨如何服务于意境的表达。 皴法的演变与精神内涵： 披麻皴、雨点皴、斧劈皴、米点皴……不同的皴法，不仅是表现山石纹理的技巧，更是画家情感与理解的载体。例如，斧劈皴的刚劲，象征山石的坚毅；米点皴的细腻，描绘出云雾的迷蒙。我们将分析不同皴法在不同山水画作品中的运用，以及它们所传达的独特意境。 用墨的奥秘： “墨分五色”并非虚言。淡墨的空灵，浓墨的厚重，湿墨的润泽，干墨的苍劲，如何在画面中达到微妙的平衡与对比，从而营造出丰富的空间感和层次感。我们将探讨如何运用墨色的变化来表现不同的光影、气候和季节。 线条的生命： 中国画的线条，如龙蛇盘舞，刚柔并济。无论是勾勒山体的轮廓，还是描绘树木的枝叶，线条都蕴含着生命的力量和情感的起伏。我们将分析线条的粗细、曲直、顿挫，如何赋予画面灵动与活力。 构图的智慧： 山水画的构图，并非简单地将景物堆砌，而是通过“经营位置”，达到“疏可跑马，密不透风”的艺术效果。远、中、近景的安排，虚实的对比，高低错落，聚散有致，都直接影响着画面的意境和观者的视觉体验。我们将分析不同构图方式所营造的视觉引导和情感氛围。 五、 赏鉴：如何“读懂”一幅山水画 “读懂”一幅山水画，需要调动观者的多种感知能力，需要历史的积淀，更需要心灵的共鸣。本书将提供一套赏鉴山水画的思维框架。 从“形”到“意”的转换： 学习如何透过画面中的具体形象，去感受画家所要传达的深层含义。例如，一处瀑布，不仅是水的形态，更是生命力的象征，是奔腾不息的时代洪流。 感知画面的“气韵”： 尝试去感受画面所散发出的整体精神气质，是雄浑壮阔，还是秀丽淡雅？是高远深邃，还是平远开阔？这种感受，往往是超越语言的。 体会画家的情感： 尝试去理解画家在创作时的心境，他描绘这片山水时，是怀着怎样的情感？是寄托了怎样的理想？ 连接个人经验与画面： 将自己的生活经验、人生感悟与画面中的景物进行对照，寻找情感的共鸣点。也许画面中的一棵松，能让你想起故乡的山；也许画面中的一处云海，能让你体会到人生的渺小与伟大。 了解画家的生平与时代背景： 适当了解画家的生平经历、思想观念以及所处的时代背景，有助于更深入地理解作品的内涵。 六、 结语：山水画的当代回响 在当代社会，物质文明飞速发展，人们的生活节奏加快。写意山水画，以其返璞归真、宁静致远的特质，为我们提供了一个远离喧嚣、回归内心的精神家园。它提醒我们，在追逐外在成就的同时，也要关注内心的成长与精神的丰盈。 《笔墨乾坤：写意山水意境探微》并非一本“标准答案”的书，它更像是一扇开启的门，引导你去探索山水画那无尽的奥秘。我们希望这本书能激发你对中国传统山水画的兴趣，让你在欣赏和品味的过程中，获得心灵的滋养，拓展精神的视野。愿你在笔墨乾坤中，寻找到属于自己的那片山水，感悟生命的真谛，体味东方美学的独特魅力。 让我们一同走进写意山水画的世界，倾听古老笔墨的呼吸，感受天地间永恒的意境。

评分☆☆☆☆☆

我一直觉得国画里的山水画特别有味道，有一种沉静的美，但自己画起来总是不得要领，不是山没骨，就是水没韵，总感觉缺了点什么。最近偶然看到了《国画启蒙：山水》这本书，本来只是想随便翻翻，看看能不能找到点灵感，没想到这本书给我带来了很多惊喜。它不像市面上那些枯燥的理论书，上来就讲各种技法，而是从最基础的笔墨、构图讲起，循序渐进，非常适合我这样的初学者。我最喜欢的是它对“皴法”的讲解，之前总觉得这些名词听起来就很难，但书里用了很多图例，把不同的皴法，比如披麻皴、斧劈皴、点皴等等，都讲得清清楚楚，甚至还配有视频二维码，扫码就能看到老师演示，这简直太方便了！看着老师示范，我好像一下子就明白了那些抽象的笔触背后到底是怎么回事。而且，书里还讲了很多关于“意境”的塑造，怎么通过墨色的浓淡、线条的疏密来表现山水的不同气质，比如巍峨、秀丽、苍茫等等。这让我明白，画山水不只是描摹形体，更重要的是要传达出画家内心的感受。我试着按照书里的方法去练习，虽然画出来的东西还很稚嫩，但感觉比以前有了进步，起码我知道该从哪里下手，该往哪个方向去努力了。这本书真的就像一个循循善诱的老师，让我对山水画的学习充满了信心。

评分☆☆☆☆☆

我一直觉得自己有点“文青”情结，特别喜欢那些有文化底蕴的东西，而中国画，尤其是山水画，无疑是其中的佼佼者。但一直以来，我都觉得学习国画山水画门槛太高，没有机会接触。直到我发现了《国画启蒙：山水》这本书，我才发现，原来学习国画并没有那么难。这本书的语言风格非常平易近人，不像一些专业书籍那么枯燥乏味。它从最基础的“笔墨”讲起，讲解了毛笔的种类、如何握笔、如何用笔，以及不同笔触能够产生的效果。我之前总觉得画山水就是画石头，但书里讲的“皴法”，让我明白了如何用不同的笔触来表现山石的不同质感，比如披麻皴的柔和，斧劈皴的刚劲。这一点对我来说是颠覆性的。然后是“墨法”，书中详细讲解了墨的浓淡干湿变化，以及如何运用不同的墨法来表现山水的层次感和立体感。我尝试着按照书中的指导去调墨和用墨，感觉自己的画作一下子就有了质感，不再是灰蒙蒙的一片。最让我惊喜的是，这本书还专门讲了“章法”，也就是构图。我之前画画总是想到哪画到哪，画面显得很零散，没有整体感。这本书让我明白了，好的构图能够引导观者的视线，能够营造出画面的和谐与统一。它讲解了多种构图原则，并且结合山水画的特点进行了阐释，让我对如何安排画面中的景物有了全新的认识。

评分☆☆☆☆☆

我总觉得，中国人骨子里就有一种对山水的眷恋，那种崇山峻岭、云海翻腾的景象，总能触动我们内心深处最柔软的地方。我一直想亲手去描绘出这样的画面，但苦于没有门路。《国画启蒙：山水》这本书，就像是给我点燃了一盏明灯。我非常喜欢书中对“写意”的阐释。我之前总是想着要把眼前的山水画得一模一样，但那样反而失去了中国画的韵味。这本书让我明白，国画山水更注重的是“意”，是画家通过对景物的观察和提炼，将自己的情感和理解融入到画面之中。书里讲到，如何通过笔墨的浓淡、干湿、虚实来表现山水的精神气质，比如用苍劲的笔触表现山的巍峨，用灵动的墨迹表现水的流动，用朦胧的笔法表现云雾的变幻。这一点对我来说太重要了，我以前画的山总是“硬邦邦”的，现在我尝试着去理解山“是什么样的”，而不是“像什么”，通过笔墨去赋予它生命。另外，书中对“设色”的讲解也让我耳目一新。我以前以为山水画就是水墨画，但这本书让我看到了，用色是如何能够进一步升华画面的意境。它讲到了如何运用“三远法”来处理画面空间，如何通过色彩的搭配来烘托画面的氛围，比如用青绿来表现春的生机，用赭石来表现秋的萧瑟。我试着按照书中的指导去给自己的画上色，虽然还很生涩，但感觉画面一下子就“活”了起来，不再是单调的黑白灰。这本书让我对山水画的理解进入了一个新的层次，也让我对未来的创作充满了期待。

评分☆☆☆☆☆

我一直觉得，山水画不仅仅是一种绘画形式，更是一种生活态度，一种与自然对话的方式。《国画启蒙：山水》这本书，就像是我踏入这个艺术殿堂的敲门砖。它没有上来就讲那些复杂的理论，而是从最基本、最容易理解的“形”开始。我之前画山水，总是拘泥于对景物的准确描绘，但这本书让我明白，山水画更注重的是“神”，是传达出山水的精神气质。它讲到了如何通过“勾、皴、擦、点”等基本笔法，来表现山石的骨骼和肌理，如何运用“墨”的浓淡干湿变化，来表现山水的层次和空间感。这一点对我来说非常重要，我以前画的山总是显得“死板”，现在我尝试着用不同的笔触去表现山石的“筋骨”，用不同的墨色去营造“云雾”。另外，书中对“意境”的阐述让我耳目一新。它不仅仅是讲如何画山水，更是讲如何通过笔墨来抒发情感，如何将自己的内心感受融入到画面之中。书中讲到，如何通过“留白”来营造画面空灵悠远的意境，如何通过“构图”来引导观者的情绪。我尝试着按照书中的指导去构图，去运用留白，感觉自己的画作一下子就有了“气韵”，不再是简单的堆砌。这本书让我明白，学习山水画，不仅是学习绘画技巧，更是学习一种观察世界、感受世界的方式。

评分☆☆☆☆☆

我平时工作很忙，很少有时间静下心来做些什么，但内心深处总有一种对传统文化的向往，尤其是中国画。山水画对我来说，一直是一种遥不可及的美，总觉得那是大师才能驾驭的领域，我这种业余爱好者根本没法触碰。直到我偶然发现了《国画启蒙：山水》这本书，我才发现原来学习山水画并没有想象中那么难。这本书的编排非常人性化，它从最基础的工具介绍开始，比如毛笔的选择、墨的研磨、纸的特性等等，这些看似琐碎的细节，对于初学者来说却至关重要，让我少走了很多弯路。然后，它逐步深入到笔墨技法，用非常直观的方式讲解了勾、皴、擦、点、染等基本笔法，并且结合大量的范例，让我能够清晰地看到每种笔法的运用效果。我尤其欣赏的是书中对“留白”的讲解，这在中国画中是一个非常重要的概念，通过大量的留白，可以营造出山水的空灵感和意境，这一点在这本书里得到了非常充分的阐释，并且配有相应的练习方法。我尝试着按照书中的指导去画，虽然画出来的山峦还没有那么挺拔，云雾还没有那么飘渺，但我能感觉到自己的笔触变得更加自信，对水墨的掌控力也略有提升。这本书让我意识到，学习国画是一个循序渐进的过程，只要掌握了正确的方法，并且持之以恒地练习，每个人都有可能画出属于自己的山水意境。

评分☆☆☆☆☆

对于我来说，学习国画就像是打开了一个全新的世界，而《国画启蒙：山水》这本书，则是我探索这个世界的钥匙。我一直对中国山水画情有独钟，但苦于没有入门的途径，总觉得那些飘逸的笔墨、深远的意境是遥不可及的。这本书的出现，就像一位慈祥的长者，耐心细致地引导着我。它没有一开始就抛出复杂的理论，而是从最基础的“点”和“线”开始。我以前以为“点”就是随便点一下，但书里讲到，山水画中的点，比如“梅花点”、“苔点”，都有着特定的形状和画法，能够表现出山石的纹理和植被的生机。而“线”就更不用说了，书里详细讲解了勾、皴、擦等各种用线方法，并且区分了不同的皴法，如披麻皴、斧劈皴、雨点皴等，还配有大量的范例，让我能够直观地感受到它们之间的区别和应用。最让我惊喜的是，书中还专门辟出了章节讲解“构图”。我之前画画总是想到哪画到哪，构图混乱，画面缺乏整体感。这本书让我明白了，好的构图能够引导观者的视线，能够营造出画面的纵深感和平衡感。它讲解了“黄金分割”、“S形构图”等多种构图原理，并且结合山水画的特点进行了阐释，让我对如何安排画面中的景物有了全新的认识。我尝试着运用书中的构图方法来创作，虽然画出来的作品还很简单，但整体的感觉比以前好了很多，起码不再是杂乱无章的一堆线条和墨点。

评分☆☆☆☆☆

随着年龄的增长，我越来越喜欢一些能让人静下心来的事物，国画山水画便是其中之一。那种“天人合一”的意境，那种“笔墨当随时代”的精神，都深深地吸引着我。《国画启蒙：山水》这本书，恰恰满足了我学习的愿望。它的编排非常科学，从最基础的“点、线、面”开始，层层递进。我之前总是觉得画山水就是画线条，但这本书让我明白，每一个点，每一个面，都有其独特的表现力。比如，书中讲到的“苔点”，不同的点法能够表现出山石上苔藓的形态和生长情况，极大地增强了画面的质感。而“面”的运用，则体现在如何用墨色来表现山体的体积感和光影变化，这一点在书中得到了非常细致的讲解。我还特别喜欢书中关于“空间感”的阐述。我之前画的画总是显得很扁平，缺乏纵深感。这本书运用“三远法”的原理，讲解了如何通过高远、深远、平远来处理画面的层次，如何通过景物的远近关系来营造空间。我尝试着运用这些方法来构图，感觉画面一下子就变得有层次感了，仿佛能够带领观者走进画中。此外，书中还讲到了“季节”的描绘，如何通过色彩和笔墨来表现春的生机、夏的葱茏、秋的萧瑟、冬的静谧，这一点让我对山水画的理解更加深入。

评分☆☆☆☆☆

我一直认为，中国人对于山水的感情是刻在骨子里的，我们追求的不是简单的复刻，而是通过笔墨来抒发一种情怀。但要做到这一点，需要深厚的功底和独到的见解。《国画启蒙：山水》这本书，给了我一个非常好的起点。它没有上来就讲那些高深的理论，而是从最朴实的“写”开始，教我们如何观察山水，如何捕捉它的神韵。我之前画山水，总是在纠结于细节，但这本书让我明白，重要的不是把每一块石头都画出来，而是要抓住山水整体的气势和特点。它讲到了如何运用“虚实”来表现山水的空间感，如何用“留白”来营造意境，这一点对我启发很大。我曾经画过一幅小景，按照书里的方法，留出了大片的空白，感觉画面一下子就有了呼吸感，不再是那么拥挤。另外，书中对“景”的讲解也让我印象深刻。它不仅讲了如何画山、画水，还讲了如何画树、画屋，并且强调了这些景物在山水画中的作用，如何衬托山水，如何增强画面的故事性。我试着按照书里的指导，在自己的画中加入一些树木和茅屋，感觉整个画面一下子就丰富了起来，不再是孤零零的山石。这本书让我明白，山水画是一个整体，每一个元素都扮演着重要的角色，需要相互呼应，共同营造出画面的意境。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我之前对山水画的理解一直停留在“好看”这个层面，觉得那些山峦叠嶂、云雾缭绕的画面特别美，但具体是怎么画出来的，我就一无所知了。《国画启蒙：山水》这本书的出现，彻底改变了我的认知。它不像其他一些教程那样，上来就让你模仿名家作品，而是从最根本的“用笔”讲起。我之前觉得画国画就是用笔画线，但这本书让我明白了，中国画的笔触是有生命的，是能够表达情感和意境的。比如，书里讲到“中锋用笔”和“侧锋用笔”的区别，以及如何在勾线时运用不同的力度和速度来表现山石的质感和形态。这一点对我启发很大，我以前画的线条总是死板板的，现在我尝试着去感受笔尖的运行，去体会墨色在纸上的变化，感觉画出来的东西有了些许生机。此外，书里对“墨法”的讲解也让我受益匪浅。我一直以为国画就是用水墨画的，但实际上，墨法的变化非常微妙，有浓淡干湿之分，有焦墨、淡墨、宿墨之别。这本书用大量图例，清晰地展示了不同墨法的效果，并且指导我们如何在画面中运用这些墨法来营造层次感和空间感。我曾经画过一幅小景，用书里讲的“淡墨破浓墨”的方法，立刻就让画面有了呼吸感，不再是死气沉沉的一团。这本书真的让我看到了国画山水背后更深的学问，也让我对自己的绘画之路有了更清晰的认识。

评分☆☆☆☆☆

最近迷上了中国画，尤其是山水画，觉得那种意境特别美，但自己尝试画起来，总是差那么点意思。看了不少教程，但总觉得有些晦涩难懂，要么就是太基础，学不到什么东西。直到我翻到《国画启蒙：山水》这本书，感觉就像是找到了救星一样。这本书的语言风格特别亲切，就像一个经验丰富的朋友在手把手地教你。它从最基础的“笔”开始讲，讲如何握笔，如何运笔，如何用笔触来表现山石的肌理，这一点让我受益匪浅。我以前总觉得画线就是画线，但书里讲的“顿、挫、提、按”，让我的线条一下子就有了生命力，不再是死板板的。然后是“墨”，这本书对墨的讲解非常详细，从墨的种类，到如何调墨，如何用墨来表现山水的层次感和体积感，都有非常直观的图解。我之前画山水，总是把墨色弄得很“脏”，看完这本书，我才明白，原来墨的运用可以如此丰富，浓淡干湿，焦淡枯湿，变化万千。我尝试着去运用书里讲的“墨分五色”的原理，感觉画面一下子就有了层次，不再是平面的。最让我惊喜的是，这本书还专门讲了“皴法”。之前我一直对皴法很头疼，觉得名字听起来就很难，但书里用大量的图例，把披麻皴、斧劈皴、牛毛皴等等都讲得明明白白，甚至还附上了二维码，扫码就能看老师的演示，这简直太方便了！我跟着书里的演示去练习，感觉自己对山石的描绘能力有了质的飞跃。