王羲之兰亭序唐摹本三种/中国书法宝库 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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上海书画出版社 编

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出版社： 上海书画出版社

ISBN：9787807259756

版次：1

商品编码：12119982

包装：平装

丛书名： 中国书法宝库

开本：16开

出版时间：2010-04-01

用纸：胶版纸

正文语种：中文

内容简介

　　王羲之《兰亭序》被称为一天下第“行书”，但《兰亭序》真迹随唐太宗陪葬昭陵后不知所终，现在为人称道的是《虞摹兰亭序》、《褚摹兰亭序》和《冯摹兰亭序》三种摹本。
　　《虞摹兰亭序》，唐虞世南摹，纸本，纵二十四点八厘米，横五十七点七厘米。此卷直至明代，一直被认为是褚遂良摹本，董其昌在题跋中称“似永兴（虞世南）所临”，后世遂认定此卷为虞世南摹本。卷中有元代天历内府藏印，故亦称“天历本”。此卷用两纸拼接，各十四行，排列较松匀，近石刻“定武本”。清代刻入“兰亭八柱”，列为。虞世南（五五八-六三八），字伯施，唐越州（今属浙江余姚）人，其书法刚柔并重，骨力道劲。
　　《褚摹兰亭序》，唐褚遂良摹，纸本，纵二十四厘米，横八十八点五厘米。卷中有米芇题诗，故亦称“米芾诗题本”。褚遂良（五九六-六五八），唐杭州（今浙江杭州钱塘）人，字登善，唐初名医，高宗时封河南郡公，故人称“褚河南”。苴书法继承王羲之传统，外柔内刚，笔致圆通，见重于世。
　　《冯摹兰亭序》，唐冯承素摹，纸本，纵二十四点五厘米，横六十九点九厘米。此本用楮纸两幅拼接，纸质光洁精细。因卷首有唐中宗李显神龙年号印，故称“神龙本”。冯承素在历史上并无书名，其与赵模、韩政道、诸葛贞等人均为唐宫廷拓书人。

好的，这是一本关于中国传统书画艺术的图书简介，内容详实，与您提供的书目《王羲之兰亭序唐摹本三种/中国书法宝库》无关。 --- 书名：《丹青遗韵：宋元明清中国绘画的流变与风格探析》 内容简介： 本书旨在全面梳理和深入探讨中国绘画自宋代至清代近千年的发展脉络、流派变迁及其独特的艺术风格特征。本书以时间为序，以地域和画派为经纬，力求勾勒出一幅宏大而精微的中国古典绘画史图景。 第一部分：宋代的绘画高峰与院体精神 宋代是中国绘画艺术的黄金时代，理学思潮的兴盛与文人阶层的壮大，共同塑造了宋代绘画兼具写实功力和精神内涵的艺术面貌。 北宋：全景式的山水与写实主义的巅峰 本部分将重点剖析北宋山水画的恢弘气象。以“北宋三大家”——范宽、郭熙、李成——的艺术成就为核心。范宽的《溪山行旅图》所展现的“雨后复 নিষ্প”般的雄伟气势与“一山不容二主”的独立性，代表了宋人对自然本体的敬畏与理解。郭熙的“可游、可居、可观”的理论，则将山水画的审美旨趣提升至哲学高度。此外，还将探讨李唐、刘松年等“院体”画家在融合“院体”的精细描摹与“文人画”的写意精神方面所做的努力。 在人物画领域，苏轼、米芾等文人对“尚意”的提倡，对后世产生了深远影响。我们详细考察了张择端的《清明上河图》中所蕴含的社会风俗记录价值与高超的构图技巧，以及院体画家在捕捉瞬间动态和刻画人物心理方面的精湛技艺。花鸟画方面，徽宗赵佶以其独到的审美趣味，将院体花鸟推向了极致的工笔写实与意趣盎然的结合，其“写生传神”的理念，成为后世评判花鸟画的重要标准之一。 南宋：迁徙中的审美转型与院体的衰微 南渡后的宋代画坛，在政治环境的压力下，审美趣味发生了显著变化。山水画从北宋的雄伟转向了“平远、深远、高远”的意境营造，强调诗意的抒发与内心的寄托。“马一角、夏半边”的南宋院体，以马远和夏圭为代表，他们偏爱“一角半边”的构图方式，营造出空灵、萧瑟、极具氛围感的意境，表达了对故土的思念与对时局的感慨。 本部分亦会探讨以梁楷为代表的文人画家的崛起，特别是其“减笔”写意风格的开创性，这种“不求形似，但求神似”的写意精神，为元代文人画的全面胜利奠定了思想基础。 第二部分：元代文人画的独立宣言与士气之争 元代，由于士人阶层对官方画院的疏离，以及“异族统治”下知识分子“以诗为画，以画为诗”的自我定位，文人画（或称“士人画”）正式确立了在中国绘画史上的主导地位。 “元四家”的风格体系构建 本书将详细分析“元四家”——赵孟頫、黄公望、吴镇、倪瓒——的艺术贡献。赵孟頫以其深厚的学养，力倡“复古”之风，强调书法用笔入画，确立了文人画的笔墨规范。黄公望的“披麻皴”和对笔墨层次的深入探索，奠定了元代水墨山水画的技法基础。吴镇以其醇厚朴拙的风格，将道家思想融入笔墨之中，风格最为“野逸”。倪瓒则将文人画的“简淡”推向极致，其“折带皴”和画面中标志性的枯树、平坡、水天相接的空寂之景，象征着文人士大夫遗世独立的精神追求。 此外，对于陈惟寅、王蒙等人的风格演变，以及钱选等“复古派”的坚守，亦做了详尽的梳理。本书力图阐明，元代文人画的核心价值在于“笔墨精神”和“自我抒写”，而非对客观物象的模仿。 第三部分：明代的画派林立与风格的多元化探索 明代绘画在继承元代文人画的基础上，呈现出前所未有的多元化格局，既有对前人风格的继承与发扬，也有大胆的创新和对世俗审美的回应。 “吴门画派”的鼎盛与“浙派”的延续 明初，由“院体”遗老戴进、吴伟等人开创的“浙派”，以其劲健有力的笔法和气势磅礴的构图，继承了南宋院体的余风。然而，中叶之后，以沈周、文徵明、唐寅、仇英为代表的“吴门画派”占据了画坛的主流地位。沈周的温润浑厚，文徵明的典雅规范，唐寅的俊逸洒脱，以及仇英的“仿古兼有写实”的细腻工整，共同构成了吴门画派的丰富面貌。本书特别探讨了仇英如何以工笔的技法，在文人画的语境下，成功复兴了青绿山水和界画的精微传统。 董其昌的“南北宗论”与晚明的书写性回归 晚明时期，以董其昌为理论旗手的松江画派影响力巨大。董其昌提出的“南北宗论”，虽然在学术界存在争议，但它极大地推动了人们对笔墨语言的自觉性思考。他推崇元代的“文人”一脉，将笔墨的书写性、结构性和韵味提升至最高地位。本书分析了董其昌如何通过对笔墨的精炼和结构的简化，构建了一种“士气”主导的绘画体系，并深入解析了其理论对清代“四王”画派的决定性影响。 第四部分：清代的“四王”与“四僧”的对峙与融合 清代绘画艺术是在前代所有流派基础上的一次总结、整合与激化。这一时期，画坛形成了两大主要阵营，它们分别代表了对笔墨规范的坚守与对个性解放的追求。 “四王”的集大成与规范化 王时敏、王鉴、王翚、王原祁构成的“四王”，在董其昌理论的指导下，系统性地整理和总结了元、明以来的笔墨技法。王鉴的富贵典雅，王翚的“集大成”式博采众长，王原祁对元代黄公望“皴法结构”的深入钻研，将文人画的笔墨语言推向了近乎程式化的顶峰。本书将重点分析“四王”如何通过临摹前人的经典作品，实现对古典意蕴的“合法性”继承。 “四僧”的叛逆与个性的张扬 与“四王”的“遵古”路线相对立的，是“四僧”——弘仁、髡残（石溪）、八大山人（朱耷）、渐江。他们因特殊的历史身份（多为明朝遗民），其作品充满了强烈的象征意义和深沉的内省情感。弘仁的孤寂清冷，髡残的厚重郁勃，尤其是八大山人“孤鸟、怪石”的符号化语言和极简的笔墨处理，代表了对传统题材的彻底重构和对个体精神状态的极端表达。 总结： 本书不仅是关于风格流变的记录，更是对中国古代知识分子在不同时代背景下，如何通过“丹青”这一媒介实现其人生价值、政治抱负与精神寄托的深刻考察。通过对近千年绘画艺术的细致剖析，读者将能够理解中国绘画艺术背后所蕴含的哲学思考、文人情怀与不朽的笔墨精神。全书配有大量高清的代表性作品图例，并附有详细的技法解析和风格比较表格。

评分☆☆☆☆☆

作为一名常年练习篆刻的爱好者，我对古代印章和文字形体之间的关联性有着执着的探索欲。这本书中关于“书印互证”的理论探讨，虽然篇幅不长，但点到了一个非常核心的问题：当文字从实用性符号逐渐演变为纯粹的审美对象时，其在不同载体上的形态是如何互相影响和渗透的。我期望能看到更多关于书家同时也是篆刻家的案例分析，比如他们如何将书法中的某些笔势转译到一方小小的印石之上，那种在方寸之间取舍的智慧，是极其迷人的。这本书的排版在字体选用上非常考究，古朴的宋体和现代的黑体交替使用，使得版面既有历史感又保持了极佳的现代阅读舒适度，这种平衡处理，体现了编辑团队深厚的专业素养，让人在阅读时感到身心愉悦。

评分☆☆☆☆☆

翻开这册装帧精美的书籍，我立刻被那种精心挑选的纸张质感所吸引，它不是那种光可鉴人的现代铜版纸，而是带有一种温润的、仿佛能吸收光线的亚光质感，这无疑是为了最大程度地还原古籍的氛围。我尤其欣赏它对“意境”表达的侧重，而非仅仅停留在对字体的结构分析上。比如，在介绍那些山水田园题材的书法家时，文字描述中融入了大量关于当时文人生活状态的描摹，让我仿佛能听见竹林下清风拂过的声音，感受到他们提笔时心境的从容与洒脱。这种将书法置于人文背景之中的叙述方式，极大地提升了阅读的趣味性，也让我明白，书法之美，绝非孤立的技艺，而是当时士大夫精神世界的具象化投射。如果能多一些对创作环境光线、空气湿度的想象性描述，那就更接近“身临其境”的感受了。

评分☆☆☆☆☆

这本书的学术深度是毋庸置疑的，它并非是那种浅尝辄止的“书法入门”手册。我尤其赞赏它在引用古代文献时的严谨态度，对那些晦涩难懂的古代书论，作者团队都附上了详尽的现代注释和背景解释，这对于像我这样，在专业领域外围徘徊的业余研究者来说，是莫大的帮助。它没有回避那些学术界存在争议的流派之争，反而将不同的观点并置，引导读者独立思考，而不是盲目接受单一的权威结论。这让整本书的阅读体验充满了一种探索的乐趣，仿佛自己也参与到了一场跨越千年的学术对话之中。唯一的遗憾是，如果能在某些特定的字体转折点，加入更多国际博物馆的馆藏信息对比，那就更加完善了其“宝库”的定位。

评分☆☆☆☆☆

这本《中国书法宝库》的选材真是让人耳目一新，虽然我还没翻到具体某一个摹本的详细解析，但从整体的装帧设计和前言的文字中，就能感受到那种扑面而来的历史厚重感。我个人对古代书法的研究兴趣点更多在于碑刻与墨迹的对比分析，特别是魏晋南北朝时期隶书向楷书过渡的那个关键阶段，那些朴拙中见筋骨的线条，总能激发出我内心深处对“法度”与“气韵”的思考。这本书的开篇部分对不同书体流变脉络的梳理，为理解后来的帖学发展提供了坚实的理论基础，它不仅仅是简单地罗列作品，更像是在构建一个宏大的中国书写艺术的演化图谱。我特别留意了其中关于“书写工具对笔法的影响”那一节的论述，作者的观点独到，指出不同年代纸张、笔毫的细微差异如何潜移默化地改变了书家运笔的力度和速度，这种细致入微的观察，远超一般普及读物的水准，让人读后对书法实践有了更深一层的敬畏。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计仿佛是一位老者在娓娓道来一段尘封已久的往事，那种不事雕琢的质感，传递出一种对历史的尊重。我个人的阅读习惯是喜欢从旁观者的角度去观察，去感受不同时代书家是如何应对材料的“限制”并最终超越限制的。这本书的选篇显然经过了精心策划，它涵盖了从早期墨迹到中晚期摹刻的不同阶段，形成了一种时间上的纵深感。我尤其关注那些被后人评价为“失真”或“走样”的摹本，它们的存在本身就是一种重要的历史信息，记录了当时学习者对原作理解的偏差与再创造。这种对“不完美”的呈现，反而更真实地反映了历史的肌理，让我对“原作精神”的理解不再是僵化的教条，而是流动的、可被解读的生命力。这种辩证的视角，是这本书最打动我的地方。