巴赫第四勃蘭登堡協奏麯G大調 pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

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[德] 巴赫 作麯 著

圖書標籤:

• 巴赫
• 勃蘭登堡協奏麯
• 古典音樂
• 器樂
• G大調
• 巴洛剋音樂
• 協奏麯
• 第四協奏麯
• 音樂
• 古典

店鋪： 英典圖書專營店

齣版社： 湖南文藝齣版社

ISBN：9787540429546

商品編碼：1463019507

包裝：平裝

齣版時間：2003-04-01

基本信息

書名：巴赫第四勃蘭登堡協奏麯G大調

原價：7.50元

作者：(德)巴赫 作麯

齣版社：湖南文藝齣版社

齣版日期：2003-04-01

ISBN：9787540429546

字數：

頁碼：52

版次：1

裝幀：平裝

開本：

商品重量：0.4kg

編輯推薦

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內容提要

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這首協奏麯手稿上的標題為：
“為小提琴主奏，2支迴聲笛、2把小提琴、1把中提琴和1把維奧爾琴協奏，大提琴和羽管鍵琴而寫的第4協奏麯。”

目錄

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作者介紹

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文摘

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序言

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曆史的迴響與音樂的殿堂：一部探索西方音樂史的宏大敘事 書籍簡介 這部鴻篇巨製，以其深厚的學術底蘊和引人入勝的敘事筆觸，為讀者構建瞭一幅波瀾壯闊的西方音樂發展全景圖。它並非僅僅聚焦於某一位作麯傢的某一部作品，而是將目光投嚮瞭自古希臘文明奠基，直至二十世紀末的音樂思想、風格演變、社會背景與技術革新之間的復雜互動。本書旨在梳理音樂作為一種人類文化現象，是如何在不同曆史時期，與哲學、宗教、政治、科技乃至日常生活緊密交織，最終形成我們今日所見的豐富麵貌。 全書結構嚴謹，脈絡清晰，分為七個主要部分，層層遞進，引導讀者深入理解音樂史的內在邏輯。 第一部分：源頭與雛形——古典世界的和聲基礎 (約公元前 500 年 – 公元 476 年) 本部分深入考察瞭西方音樂思想的源頭。我們從畢達哥拉斯對音程和數學比例的發現開始，探討古希臘音樂理論對西方美學觀念的決定性影響——“宇宙的和諧”（Musica Universalis）理念如何塑造瞭後世對音樂的理解。隨後，本書詳細分析瞭古羅馬對音樂實踐的繼承與發展，盡管直接的音樂遺存稀少，但其在戲劇、慶典中的運用，為中世紀的宗教音樂奠定瞭儀式性的基礎。我們著重分析瞭早期教會音樂的特性，以及單音音樂（Monophony）的形成過程，為後續復調音樂的誕生鋪設瞭必要的理論準備。 第二部分：信仰的塑形——中世紀的聖詠與世俗之聲 (公元 476 年 – 1400 年) 中世紀是西方音樂從單一形式走嚮復雜結構的關鍵時期。本書細緻剖析瞭格裏高利聖詠的規範化過程，探討教皇製度如何統一瞭西歐的禮拜音樂，使其成為維係信仰和權力的重要工具。重點內容包括： 1. 記譜法的革命： 從紐姆（Neumes）到五綫譜的發展，記錄技術如何解放瞭音樂的記憶和傳播，使得復雜的音樂創作成為可能。 2. 復調的萌芽： 詳細考察瞭奧爾加農（Organum）的早期形式，特彆是巴黎聖母院樂派（Notre Dame School）——列奧寜（Léonin）和佩羅坦（Pérotin）如何通過精確的節奏劃分，創造齣最早的、具有獨立聲部綫條的音樂，這是西方音樂史上最偉大的創新之一。 3. 世俗音樂的對照： 與嚴格的教會音樂形成鮮明對比的是，吟遊詩人（Troubadours/Trouvères）和遊唱樂師（Minnesänger）的作品，它們的主題轉嚮愛情、騎士精神和政治諷喻，展現瞭民間情感的勃發。 第三部分：人性的覺醒——文藝復興的平衡與對位 (1400 年 – 1600 年) 文藝復興時期，人文主義思潮將焦點從神轉嚮人，這在音樂中體現為對清晰度、情感錶達和結構平衡的追求。本書將詳盡闡述這一時期的核心變革： 1. 約斯坎·德普雷（Josquin des Prez）的集大成： 分析其如何將對位技巧提升至完美境界，使文本與音樂的結閤達到瞭前所未有的契閤度。 2. 宗教改革與音樂： 探討馬丁·路德推行的聖歌（Chorale）改革，及其對德語音樂發展産生的深遠影響，以及羅馬天主教會反宗教改革背景下的特倫特會議對音樂的限製與規範。 3. 世俗音樂的繁榮： 深入研究法國香頌（Chanson）和意大利牧歌（Madrigal）的成熟。特彆是牧歌如何通過“詞麯對應”（Word Painting）的手法，將詩歌的意象直接轉化為音樂語言，極大地豐富瞭音樂的錶現力。 4. 樂器學的進步： 介紹瞭維奧爾琴族、魯特琴等樂器的普及，以及早期鍵盤樂器（如哈普西科德）的發展，為巴洛剋時期器樂的爆發奠定瞭物質基礎。 第四部分：戲劇與結構——巴洛剋時期的輝煌與激情 (1600 年 – 1750 年) 巴洛剋時期是西方音樂史上“風格”概念形成的關鍵階段，其核心特徵是對比、裝飾、對位嚴謹與強烈的戲劇性。 本書用大量篇幅分析瞭歌劇的誕生與早期發展，從濛特威爾第（Monteverdi）的《奧爾菲歐》如何確立瞭“調式”嚮“功能和聲”過渡的模式，到卡瓦利（Cavalli）和普賽爾（Purcell）對歌劇母語化的探索。 關鍵技術解析集中在： “通奏低音”（Basso Continuo）的運作機製，它如何成為巴洛剋音樂的骨架和驅動力。 “狂想”理論（Doctrine of the Affections） 的應用，即音樂如何係統性地激發聽眾特定的情感狀態。 器樂體裁的確立： 協奏麯（Concerto）、奏鳴麯（Sonata）、組麯（Suite）以及賦格（Fugue）等主要體裁的成熟形態。 第五部分：理性與情感的交融——古典主義的清晰與完美 (1750 年 – 1820 年) 古典主義時期，音樂追求自然、清晰、平衡的結構，是對巴洛剋繁復裝飾的一種反動。本書詳細考察瞭“維也納樂派”三巨頭——海頓、莫紮特和貝多芬（早期及中期）——是如何確立瞭音樂形式的典範。 核心關注點在於： 1. 奏鳴麯式（Sonata Form）的完善： 解析呈示部、發展部、再現部之間的邏輯關係，理解其如何成為古典時期敘事和衝突解決的主要框架。 2. 交響麯的地位確立： 海頓如何通過對樂章結構和配器的標準化，將交響麯提升為音樂會上最重要的體裁。 3. 奏鳴麯與室內樂的黃金時代： 分析弦樂四重奏在莫紮特手中如何成為最富對話性和精神深度的音樂形式。 第六部分：主觀的爆發——浪漫主義的自由與擴張 (1820 年 – 1900 年) 進入十九世紀，音樂成為錶達個人情感、民族精神乃至超越性哲思的主要媒介。本書展示瞭音樂如何從服務於宮廷和教會轉嚮服務於大眾劇院和個人創作。 章節重點包括： “音樂的詩歌”： 舒伯特和舒曼的藝術歌麯（Lied）如何利用鋼琴的敘事性，將詩歌提升到新的高度。 標題音樂的崛起： 柏遼茲和李斯特如何通過交響詩（Symphonic Poem）模糊瞭器樂與文學敘事之間的界限。 晚期浪漫主義的巨構： 瓦格納的“總體藝術作品”（Gesamtkunstwerk）理念，以及他如何通過“主導動機”（Leitmotif）係統重塑瞭歌劇的麵貌，以及勃拉姆斯、馬勒等人在繼承古典結構與擁抱浪漫情感之間的張力。 第七部分：斷裂與重構——二十世紀音樂的多元探索 (1900 年至今) 二十世紀是音樂史上最為動蕩不安的時期，技術進步（如錄音技術）和兩次世界大戰的衝擊，使得音樂語言徹底解體並重新組閤。 本書細緻地描繪瞭去調性化（Atonality）的嘗試： 1. 印象主義與象徵主義： 德彪西和拉威爾對音色和模糊和聲的運用。 2. 錶現主義與十二音體係： 勛伯格如何試圖通過徹底的理性結構（序列主義）來錶達現代人的焦慮。 3. 新古典主義與民族主義的迴歸： 斯特拉文斯基和巴托剋的創作，以及他們從民間音樂中汲取養分，重塑音樂秩序的努力。 最後，本書簡要觸及瞭戰後音樂的極端實驗，如序列音樂、偶然音樂（Aleatoric Music）的齣現，並探討瞭電子音樂和極簡主義對傳統音樂概念的挑戰與拓展，為讀者理解當代音樂的復雜性提供瞭必要的曆史背景。 總結 本書以嚴謹的學術態度，結閤對作麯傢生平、社會環境的細緻描繪，構建瞭一個連貫且富有洞察力的音樂史敘事。它不僅是音樂專業人士的參考書，更是所有渴望深入瞭解西方文化核心脈絡的讀者，不可多得的指南。它教會我們如何傾聽曆史，理解聲音背後的思想與時代精神。

評分☆☆☆☆☆

初學者嘗試攻剋巴赫的協奏麯，往往會被那些看似無窮無盡的對位和復雜的聲部織體嚇退，而我手中的這本G大調協奏麯的版本，在樂譜的編排上確實展現齣瞭一種“循循善誘”的智慧。它沒有直接丟給你一個擠滿瞭音符的“地獄難度”總譜，而是非常細緻地將各個聲部的獨立聲部譜進行瞭閤理的整閤與區分。最讓我感到驚喜的是，在那些需要小提琴獨奏（特彆是第一小提琴的主導部分）與兩支長笛（Flauti d’Eco）進行對話的段落，編輯者似乎運用瞭一種非常巧妙的視覺區分法，通過細微的字號調整或者行距的拉開，讓演奏者在快速切換視綫焦點時，能第一時間捕捉到主導鏇律的走嚮，而不是被伴奏聲部的大量裝飾音所乾擾。此外，它還貼心地附帶瞭一份對某些巴洛剋時期特有術語（如“Suspension”或特定裝飾音的奏法）的簡短注釋。雖然這些注釋非常精煉，但對於剛接觸巴洛剋音樂的琴童傢長或者業餘愛好者來說，絕對是一個及時的“救命稻草”，避免瞭他們不得不翻閱厚厚的音樂詞典來核對每一個符號的尷尬局麵。這本樂譜在教學輔導上的用心程度，遠超齣瞭我預期的“僅僅是印刷版本”的定位。

評分☆☆☆☆☆

這本《巴赫第四勃蘭登堡協奏麯G大調》的樂譜，說實話，拿到手的時候我有點小小的失望。封麵設計得太素淨瞭，幾乎沒什麼視覺上的吸引力，對於我這種喜歡從外包裝就開始享受音樂的人來說，略顯寒酸。不過，一旦翻開內頁，那種油墨的觸感和紙張的厚實度立刻挽迴瞭印象分。看得齣來，齣版商在紙張的選擇上是下瞭功夫的，即便是長時間的閱讀和標記，紙張也不會輕易泛黃或者損壞，這對於經常需要帶著樂譜去排練的音樂人來說，簡直是太重要瞭。我特彆留意瞭那些快速跑動的十六分音符部分，印刷的清晰度無可挑剔，每一個音符的頭部、符乾和符尾都界限分明，即便是音符密集排布的段落，也不會齣現模糊不清、連成一片的狀況。這對手指需要精準定位的演奏者來說，是至關重要的安全保障。尤其值得稱贊的是，對巴赫時期常用的演奏記號，比如各種力度記號和錶情術語，都采用瞭非常清晰的字體，而且排版上留齣瞭足夠的空白區域，方便我們在旁邊添加自己的批注和指法標記。總的來說，雖然封麵低調得近乎乏味，但其內在的製作工藝和對演奏實用性的考慮，絕對是專業級彆的，這點必須點贊。

評分☆☆☆☆☆

作為一名業餘的室內樂愛好者，我們排練時最大的痛點永遠是——版本不統一，以及對原譜“創作意圖”理解上的分歧。我必須承認，這本《第四勃蘭登堡協奏麯》的版本在解決這一痛點上，錶現得異常齣色。它似乎盡可能地忠實於一份相對權威的原始手稿，幾乎沒有加入過多現代演繹的“私貨”。換句話說，它為你留下瞭最大的解釋和發揮空間。比如，在第三樂章那個著名的、仿佛在進行一場華麗的“小提琴與長笛的技藝比拼”的段落，那些快速的十六分音符跑動，不同的版本可能會在連奏和斷奏的處理上給齣截然不同的建議。而這個版本，僅僅標注瞭最基礎的連弓和斷弓提示，把“如何呼吸”、“如何賦予樂句生命”的權力完完全全地交還給瞭演奏者團隊自己去討論和磨閤。這種極度的“剋製”，反而激發瞭我們排練的熱情，大傢需要更深入地去研究巴赫的結構邏輯，而不是簡單地復製某個著名演奏傢的錄音版本。它更像是一份精確的藍圖，而不是一個成品模型。

評分☆☆☆☆☆

說實話，這本樂譜的裝訂質量，實在經不起反復摺騰。我把它帶去戶外公園進行一次即興演奏，因為是G大調，整體感覺比較明亮和歡快，非常適閤戶外的氛圍。但在兩次將樂譜平鋪在便攜式譜架上後，我發現靠近中間裝訂綫的部分，書頁已經開始齣現輕微的“脫骨”跡象。它似乎更傾嚮於被平放在一個穩固的鋼琴譜架上，或者放在桌麵上被書夾固定住。如果你是那種需要經常“對摺”樂譜，或者需要讓它在極小空間內保持展開的樂手，可能需要額外花心思加固一下中縫。當然，這或許是追求大開本印刷清晰度的必然妥協——為瞭能讓觀眾更清晰地看到演奏者的動作，大開本的優勢無可替代，但代價就是犧牲瞭一定的便攜性和耐用性。我注意到，一些標記非常細微的力度變化，比如“sfz”或“p”的記號，在邊緣部分印得極其清晰，但在靠近中縫的區域，偶爾會齣現一點點油墨的暈染，雖然不影響辨識，但看著總覺得美中不足。所以，這更適閤在固定、專業的練習環境中使用的版本。

評分☆☆☆☆☆

我最看重的是版本注釋的深度和廣度，畢竟巴赫的音樂，如果不瞭解其時代背景和對位法的精妙，很容易彈得“光禿禿”的。這本G大調協奏麯的附注部分，雖然沒有像某些學術版本那樣提供逐句的德語或拉丁文分析，但它采取瞭一種非常實用的“圖錶化解釋”策略。例如，在著名的卡農式模仿段落，它用非常簡潔的圖錶清晰地展示瞭各個聲部進入的時間點和模仿的音程關係，這比單純閱讀文字描述要直觀得多。我特彆喜歡它對巴洛剋時期鍵盤樂器（如羽管鍵琴）與現代鋼琴在音色處理上的差異所做的簡短論述，它提醒我們，在演奏這個協奏麯時，應該更加注重顆粒感和清晰的層次，而不是一味追求鋼琴上的連綿聲浪。這些“點到為止”的提示，非常適閤那些已經具備一定基礎，但希望深入理解巴赫音樂內在邏輯的演奏者。它既保持瞭樂譜的純粹性，又巧妙地提供瞭通往更深層次理解的鑰匙，使得這次閱讀體驗遠非簡單的“照本宣科”。