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[德] 巴赫 作曲 著

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出版社： 湖南文艺出版社

ISBN：9787540429546

商品编码：1463019507

包装：平装

出版时间：2003-04-01

基本信息

书名：巴赫第四勃兰登堡协奏曲G大调

原价：7.50元

作者：(德)巴赫 作曲

出版社：湖南文艺出版社

出版日期：2003-04-01

ISBN：9787540429546

字数：

页码：52

版次：1

装帧：平装

开本：

商品重量：0.4kg

编辑推荐

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内容提要

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这首协奏曲手稿上的标题为：
“为小提琴主奏，2支回声笛、2把小提琴、1把中提琴和1把维奥尔琴协奏，大提琴和羽管键琴而写的第4协奏曲。”

目录

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作者介绍

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文摘

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序言

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历史的回响与音乐的殿堂：一部探索西方音乐史的宏大叙事 书籍简介 这部鸿篇巨制，以其深厚的学术底蕴和引人入胜的叙事笔触，为读者构建了一幅波澜壮阔的西方音乐发展全景图。它并非仅仅聚焦于某一位作曲家的某一部作品，而是将目光投向了自古希腊文明奠基，直至二十世纪末的音乐思想、风格演变、社会背景与技术革新之间的复杂互动。本书旨在梳理音乐作为一种人类文化现象，是如何在不同历史时期，与哲学、宗教、政治、科技乃至日常生活紧密交织，最终形成我们今日所见的丰富面貌。 全书结构严谨，脉络清晰，分为七个主要部分，层层递进，引导读者深入理解音乐史的内在逻辑。 第一部分：源头与雏形——古典世界的和声基础 (约公元前 500 年 – 公元 476 年) 本部分深入考察了西方音乐思想的源头。我们从毕达哥拉斯对音程和数学比例的发现开始，探讨古希腊音乐理论对西方美学观念的决定性影响——“宇宙的和谐”（Musica Universalis）理念如何塑造了后世对音乐的理解。随后，本书详细分析了古罗马对音乐实践的继承与发展，尽管直接的音乐遗存稀少，但其在戏剧、庆典中的运用，为中世纪的宗教音乐奠定了仪式性的基础。我们着重分析了早期教会音乐的特性，以及单音音乐（Monophony）的形成过程，为后续复调音乐的诞生铺设了必要的理论准备。 第二部分：信仰的塑形——中世纪的圣咏与世俗之声 (公元 476 年 – 1400 年) 中世纪是西方音乐从单一形式走向复杂结构的关键时期。本书细致剖析了格里高利圣咏的规范化过程，探讨教皇制度如何统一了西欧的礼拜音乐，使其成为维系信仰和权力的重要工具。重点内容包括： 1. 记谱法的革命： 从纽姆（Neumes）到五线谱的发展，记录技术如何解放了音乐的记忆和传播，使得复杂的音乐创作成为可能。 2. 复调的萌芽： 详细考察了奥尔加农（Organum）的早期形式，特别是巴黎圣母院乐派（Notre Dame School）——列奥宁（Léonin）和佩罗坦（Pérotin）如何通过精确的节奏划分，创造出最早的、具有独立声部线条的音乐，这是西方音乐史上最伟大的创新之一。 3. 世俗音乐的对照： 与严格的教会音乐形成鲜明对比的是，吟游诗人（Troubadours/Trouvères）和游唱乐师（Minnesänger）的作品，它们的主题转向爱情、骑士精神和政治讽喻，展现了民间情感的勃发。 第三部分：人性的觉醒——文艺复兴的平衡与对位 (1400 年 – 1600 年) 文艺复兴时期，人文主义思潮将焦点从神转向人，这在音乐中体现为对清晰度、情感表达和结构平衡的追求。本书将详尽阐述这一时期的核心变革： 1. 约斯坎·德普雷（Josquin des Prez）的集大成： 分析其如何将对位技巧提升至完美境界，使文本与音乐的结合达到了前所未有的契合度。 2. 宗教改革与音乐： 探讨马丁·路德推行的圣歌（Chorale）改革，及其对德语音乐发展产生的深远影响，以及罗马天主教会反宗教改革背景下的特伦特会议对音乐的限制与规范。 3. 世俗音乐的繁荣： 深入研究法国香颂（Chanson）和意大利牧歌（Madrigal）的成熟。特别是牧歌如何通过“词曲对应”（Word Painting）的手法，将诗歌的意象直接转化为音乐语言，极大地丰富了音乐的表现力。 4. 乐器学的进步： 介绍了维奥尔琴族、鲁特琴等乐器的普及，以及早期键盘乐器（如哈普西科德）的发展，为巴洛克时期器乐的爆发奠定了物质基础。 第四部分：戏剧与结构——巴洛克时期的辉煌与激情 (1600 年 – 1750 年) 巴洛克时期是西方音乐史上“风格”概念形成的关键阶段，其核心特征是对比、装饰、对位严谨与强烈的戏剧性。 本书用大量篇幅分析了歌剧的诞生与早期发展，从蒙特威尔第（Monteverdi）的《奥尔菲欧》如何确立了“调式”向“功能和声”过渡的模式，到卡瓦利（Cavalli）和普赛尔（Purcell）对歌剧母语化的探索。 关键技术解析集中在： “通奏低音”（Basso Continuo）的运作机制，它如何成为巴洛克音乐的骨架和驱动力。 “狂想”理论（Doctrine of the Affections） 的应用，即音乐如何系统性地激发听众特定的情感状态。 器乐体裁的确立： 协奏曲（Concerto）、奏鸣曲（Sonata）、组曲（Suite）以及赋格（Fugue）等主要体裁的成熟形态。 第五部分：理性与情感的交融——古典主义的清晰与完美 (1750 年 – 1820 年) 古典主义时期，音乐追求自然、清晰、平衡的结构，是对巴洛克繁复装饰的一种反动。本书详细考察了“维也纳乐派”三巨头——海顿、莫扎特和贝多芬（早期及中期）——是如何确立了音乐形式的典范。 核心关注点在于： 1. 奏鸣曲式（Sonata Form）的完善： 解析呈示部、发展部、再现部之间的逻辑关系，理解其如何成为古典时期叙事和冲突解决的主要框架。 2. 交响曲的地位确立： 海顿如何通过对乐章结构和配器的标准化，将交响曲提升为音乐会上最重要的体裁。 3. 奏鸣曲与室内乐的黄金时代： 分析弦乐四重奏在莫扎特手中如何成为最富对话性和精神深度的音乐形式。 第六部分：主观的爆发——浪漫主义的自由与扩张 (1820 年 – 1900 年) 进入十九世纪，音乐成为表达个人情感、民族精神乃至超越性哲思的主要媒介。本书展示了音乐如何从服务于宫廷和教会转向服务于大众剧院和个人创作。 章节重点包括： “音乐的诗歌”： 舒伯特和舒曼的艺术歌曲（Lied）如何利用钢琴的叙事性，将诗歌提升到新的高度。 标题音乐的崛起： 柏辽兹和李斯特如何通过交响诗（Symphonic Poem）模糊了器乐与文学叙事之间的界限。 晚期浪漫主义的巨构： 瓦格纳的“总体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）理念，以及他如何通过“主导动机”（Leitmotif）系统重塑了歌剧的面貌，以及勃拉姆斯、马勒等人在继承古典结构与拥抱浪漫情感之间的张力。 第七部分：断裂与重构——二十世纪音乐的多元探索 (1900 年至今) 二十世纪是音乐史上最为动荡不安的时期，技术进步（如录音技术）和两次世界大战的冲击，使得音乐语言彻底解体并重新组合。 本书细致地描绘了去调性化（Atonality）的尝试： 1. 印象主义与象征主义： 德彪西和拉威尔对音色和模糊和声的运用。 2. 表现主义与十二音体系： 勋伯格如何试图通过彻底的理性结构（序列主义）来表达现代人的焦虑。 3. 新古典主义与民族主义的回归： 斯特拉文斯基和巴托克的创作，以及他们从民间音乐中汲取养分，重塑音乐秩序的努力。 最后，本书简要触及了战后音乐的极端实验，如序列音乐、偶然音乐（Aleatoric Music）的出现，并探讨了电子音乐和极简主义对传统音乐概念的挑战与拓展，为读者理解当代音乐的复杂性提供了必要的历史背景。 总结 本书以严谨的学术态度，结合对作曲家生平、社会环境的细致描绘，构建了一个连贯且富有洞察力的音乐史叙事。它不仅是音乐专业人士的参考书，更是所有渴望深入了解西方文化核心脉络的读者，不可多得的指南。它教会我们如何倾听历史，理解声音背后的思想与时代精神。

评分☆☆☆☆☆

这本《巴赫第四勃兰登堡协奏曲G大调》的乐谱，说实话，拿到手的时候我有点小小的失望。封面设计得太素净了，几乎没什么视觉上的吸引力，对于我这种喜欢从外包装就开始享受音乐的人来说，略显寒酸。不过，一旦翻开内页，那种油墨的触感和纸张的厚实度立刻挽回了印象分。看得出来，出版商在纸张的选择上是下了功夫的，即便是长时间的阅读和标记，纸张也不会轻易泛黄或者损坏，这对于经常需要带着乐谱去排练的音乐人来说，简直是太重要了。我特别留意了那些快速跑动的十六分音符部分，印刷的清晰度无可挑剔，每一个音符的头部、符干和符尾都界限分明，即便是音符密集排布的段落，也不会出现模糊不清、连成一片的状况。这对手指需要精准定位的演奏者来说，是至关重要的安全保障。尤其值得称赞的是，对巴赫时期常用的演奏记号，比如各种力度记号和表情术语，都采用了非常清晰的字体，而且排版上留出了足够的空白区域，方便我们在旁边添加自己的批注和指法标记。总的来说，虽然封面低调得近乎乏味，但其内在的制作工艺和对演奏实用性的考虑，绝对是专业级别的，这点必须点赞。

评分☆☆☆☆☆

作为一名业余的室内乐爱好者，我们排练时最大的痛点永远是——版本不统一，以及对原谱“创作意图”理解上的分歧。我必须承认，这本《第四勃兰登堡协奏曲》的版本在解决这一痛点上，表现得异常出色。它似乎尽可能地忠实于一份相对权威的原始手稿，几乎没有加入过多现代演绎的“私货”。换句话说，它为你留下了最大的解释和发挥空间。比如，在第三乐章那个著名的、仿佛在进行一场华丽的“小提琴与长笛的技艺比拼”的段落，那些快速的十六分音符跑动，不同的版本可能会在连奏和断奏的处理上给出截然不同的建议。而这个版本，仅仅标注了最基础的连弓和断弓提示，把“如何呼吸”、“如何赋予乐句生命”的权力完完全全地交还给了演奏者团队自己去讨论和磨合。这种极度的“克制”，反而激发了我们排练的热情，大家需要更深入地去研究巴赫的结构逻辑，而不是简单地复制某个著名演奏家的录音版本。它更像是一份精确的蓝图，而不是一个成品模型。

评分☆☆☆☆☆

我最看重的是版本注释的深度和广度，毕竟巴赫的音乐，如果不了解其时代背景和对位法的精妙，很容易弹得“光秃秃”的。这本G大调协奏曲的附注部分，虽然没有像某些学术版本那样提供逐句的德语或拉丁文分析，但它采取了一种非常实用的“图表化解释”策略。例如，在著名的卡农式模仿段落，它用非常简洁的图表清晰地展示了各个声部进入的时间点和模仿的音程关系，这比单纯阅读文字描述要直观得多。我特别喜欢它对巴洛克时期键盘乐器（如羽管键琴）与现代钢琴在音色处理上的差异所做的简短论述，它提醒我们，在演奏这个协奏曲时，应该更加注重颗粒感和清晰的层次，而不是一味追求钢琴上的连绵声浪。这些“点到为止”的提示，非常适合那些已经具备一定基础，但希望深入理解巴赫音乐内在逻辑的演奏者。它既保持了乐谱的纯粹性，又巧妙地提供了通往更深层次理解的钥匙，使得这次阅读体验远非简单的“照本宣科”。

评分☆☆☆☆☆

初学者尝试攻克巴赫的协奏曲，往往会被那些看似无穷无尽的对位和复杂的声部织体吓退，而我手中的这本G大调协奏曲的版本，在乐谱的编排上确实展现出了一种“循循善诱”的智慧。它没有直接丢给你一个挤满了音符的“地狱难度”总谱，而是非常细致地将各个声部的独立声部谱进行了合理的整合与区分。最让我感到惊喜的是，在那些需要小提琴独奏（特别是第一小提琴的主导部分）与两支长笛（Flauti d’Eco）进行对话的段落，编辑者似乎运用了一种非常巧妙的视觉区分法，通过细微的字号调整或者行距的拉开，让演奏者在快速切换视线焦点时，能第一时间捕捉到主导旋律的走向，而不是被伴奏声部的大量装饰音所干扰。此外，它还贴心地附带了一份对某些巴洛克时期特有术语（如“Suspension”或特定装饰音的奏法）的简短注释。虽然这些注释非常精炼，但对于刚接触巴洛克音乐的琴童家长或者业余爱好者来说，绝对是一个及时的“救命稻草”，避免了他们不得不翻阅厚厚的音乐词典来核对每一个符号的尴尬局面。这本乐谱在教学辅导上的用心程度，远超出了我预期的“仅仅是印刷版本”的定位。

评分☆☆☆☆☆

说实话，这本乐谱的装订质量，实在经不起反复折腾。我把它带去户外公园进行一次即兴演奏，因为是G大调，整体感觉比较明亮和欢快，非常适合户外的氛围。但在两次将乐谱平铺在便携式谱架上后，我发现靠近中间装订线的部分，书页已经开始出现轻微的“脱骨”迹象。它似乎更倾向于被平放在一个稳固的钢琴谱架上，或者放在桌面上被书夹固定住。如果你是那种需要经常“对折”乐谱，或者需要让它在极小空间内保持展开的乐手，可能需要额外花心思加固一下中缝。当然，这或许是追求大开本印刷清晰度的必然妥协——为了能让观众更清晰地看到演奏者的动作，大开本的优势无可替代，但代价就是牺牲了一定的便携性和耐用性。我注意到，一些标记非常细微的力度变化，比如“sfz”或“p”的记号，在边缘部分印得极其清晰，但在靠近中缝的区域，偶尔会出现一点点油墨的晕染，虽然不影响辨识，但看着总觉得美中不足。所以，这更适合在固定、专业的练习环境中使用的版本。