漫畫-色彩運用&配色技巧 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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碧風羽 著

图书标签:

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• 插画
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• 教程
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出版社： 楓書坊

ISBN：9789866173486

商品编码：16041745

出版时间：2011-04-01

内容简介

表現「熱情」的顏色
角色不僅只有身體的動作和穿著風格，不同的配色方法可改變角色給人的印象。現在就讓我們一起學習配合角色個性的顏色組合方法吧！
紅色
給人熱情印象的純紅色是重點。推薦使用在女性角色中。
橘色
比起單一紅色的衣服，以相同色相的2種顏色呈現，可為整體增添變化。
橘紅色
帶有橘色的紅色，比起純紅色更能展現出年輕的氣息。
酒紅色
褲子選擇比上衣深的顏色，這樣一來可使整體的平衡感變好。
栗子色
考慮到實際穿著時的樣子，沉穩的色調可營造出自然的感覺。
暗紅色
雖然有著紅色瞳孔的人相當少見，但能夠藉此展現出強烈的熱情。

本書特色

在彩圖為主流的現在，配色是左右插圖作品優劣的重要因素。而且依照配色的不同，將會大大改變角色予人的印象，以及背景空間呈現出來的感覺。

一開始先介紹運用色彩的基礎知識，接著再介紹塗繪彩圖時的實用技巧。書中分成角色與背景兩大主題，角色是著重於個性和情感的表現，背景則是對季節、時間，以及大自然中的表現等進行解說。

收錄了許多在描繪插圖時必須事先了解的知識與範例，幫助你靈活運用各種色彩，是一本提升色彩使用技巧的實用寶典！

作者简介

作者簡介

碧風羽、べかさく

著有多本繪畫類的書籍。

目录

序言

Lesson 1
顏色的總論
色相環與配色系統
彩度與明度
影響心理的配色
顏色的混合
繪圖軟體與印刷技術
配色的基本與知覺現象
色彩的易見度
色彩的趨勢．流行色
象徵國家的配色

Lesson 2
角色與顏色
顏色與角色的關係
表現「熱情」的顏色
表現「開朗」的顏色
表現「溫和」的顏色
表現「氣氛」的顏色
表現「地域性」的顏色
表現「內心」的顏色
兄弟姐妹角色的顏色區分
少年少女角色的顏色區分
女性角色的顏色區分
男性角色的顏色區分
偶像角色的顏色區分
英雄角色的顏色區分
表現「喜悅」的顏色
表現「憤怒」的顏色
表現「哀傷」的顏色
表現「開心」的顏色
運用髮型襯托角色
運用服裝襯托角色
運用配件襯托角色
襯托情境的演出
角色配色的重點

……

前言/序言

绘图基础与透视原理精讲 本书是面向所有希望扎实掌握绘画基础，特别是透视原理与构图的艺术学习者、插画师和漫画创作者的全面指南。全书不涉及色彩理论、配色技巧或任何与“漫画-色彩运用&配色技巧”相关的内容。 --- 第一章：绘画的基石——观察与结构 1.1 什么是“看”与“画”： 本章首先探讨如何从单纯的视觉接收转化为有效的结构理解。我们不是简单地描摹表象，而是要理解物体在三维空间中的本质。通过对基础几何体（立方体、球体、圆柱体、圆锥体）的深入剖析，建立对体积感和空间感的初步认知。 1.2 解构形体：从抽象到具象： 讲解如何将复杂的人体、建筑或自然景物分解为可控的几何基础块。重点强调“结构先行”的理念，即在进行任何细节描绘之前，必须确保整体骨架的稳固性。书中提供了大量将复杂对象简化为简单几何图形的实例分析，帮助读者建立“结构视觉”。 1.3 光影与明暗关系基础（不涉及色彩）： 本章专注于理解光线的物理特性如何影响物体表面的明暗变化。深入讲解五大调子（高光、亮面、灰面、暗面、反光）的形成原理，以及如何利用单色（黑白灰）来塑造体积感和材质感。内容完全侧重于明暗的层次过渡，而非色彩的冷暖或色相。 --- 第二章：核心透视：构建可信的三维空间 透视是决定画面空间感和景深的关键技术。本章将彻底解析透视学的核心理论，确保读者能够准确地将三维世界转化为二维平面。 2.1 透视学的基本概念： 详细介绍视平线（Eye Level）、灭点（Vanishing Point）、视锥（Cone of Vision）和画面（Picture Plane）的定义和相互关系。理解这些基本元素是正确绘制任何场景的前提。 2.2 一点透视的精妙运用： 通过大量的室内场景和直线街道案例，系统演示一点透视的绘制步骤。内容涵盖如何确定灭点、如何准确绘制进深物体以及如何处理水平线上的物体尺寸变化。 2.3 两点透视：捕捉动态视角： 两点透视是描绘建筑外立面、箱体或从角落观察场景时的主要工具。本章详细讲解如何设定两条不同的灭点，如何构建垂直线群，以及如何处理斜向的轮廓线。特别强调在非水平视线（仰视和俯视）下两点透视的变化。 2.4 三点透视与极端视角： 深入探讨三点透视在表现高耸入云的摩天大楼（俯视）或仰望天空的宏大场景（仰视）时的应用。讲解第三个灭点如何产生倾斜的垂直线，从而营造出强烈的动感和视觉冲击力。 2.5 曲线透视与非欧几里得空间（选修）： 对于希望挑战复杂场景的读者，本章介绍了球形或鱼眼镜头效果下的曲线透视概念，主要用于描绘广角或特殊艺术效果，但这部分内容依然严格控制在几何变形的范畴内，不涉及任何关于视觉效果的色彩处理。 --- 第三章：构图的艺术：引导视线与平衡画面 构图是组织画面元素的策略，它决定了观者如何阅读你的作品。本章专注于线条、形状和空间分配的布局技巧。 3.1 黄金分割与三分法：经典布局框架： 详细讲解如何运用最经典的构图法则——黄金分割（斐波那契螺旋线）和三分法网格，来确定主体和兴趣点的最佳位置，确保画面具有自然的视觉流动性。 3.2 引导线与视觉流向： 解析如何利用画面中的线条（如道路、河流、肢体动作）来自然地引导观者的视线穿过整个画面，将注意力聚焦到叙事的核心。 3.3 平衡、对称与非对称性： 探讨画面重量的分配。如何通过对称的结构来创造稳定感，以及如何通过非对称的元素（如大小、形状或明暗的对比）来制造张力和动态平衡。 3.4 景深层次的构建：前景、中景与背景： 讲解如何通过元素的大小、清晰度（清晰度处理，但仅限明暗和细节，不涉及色彩的雾气效果）和位置来明确划分空间层次，增强画面的立体感和叙事深度。 3.5 框架构图与封闭式构图： 学习如何使用环境元素（如门框、树枝、窗户）来“框住”主体，使画面更聚焦；并区别于开放式构图，后者让画面内容似乎延伸出了画框之外。 --- 第四章：人体的精确描绘：比例、动态与结构解剖（侧重结构） 本章聚焦于人体绘画，但重点完全放在骨骼结构、肌肉群的体积表达和动态捕捉上，不涉及皮肤纹理或皮肤的着色处理。 4.1 标准人体比例与变形基础： 介绍古典艺术和现代漫画中常用的人体比例标准（如“头高”测量法）。同时，讲解如何有意识地对比例进行夸张或压缩，以服务于特定的叙事需求。 4.2 骨骼框架与关节的运动逻辑： 侧重于绘制作为支撑系统的骨骼。理解主要骨骼（脊柱、四肢骨骼）的形态，以及关节（球窝、铰链关节）如何限制和决定身体的运动范围。 4.3 基础肌肉群的体积表达： 讲解主要肌群（如胸肌、背阔肌、股四头肌等）的形态和它们在不同动作下的收缩与拉伸变化。目标是将肌肉视为三维的“肉块”，用光影和透视来表现其体积，而非精确的肌肉纤维纹理。 4.4 动态捕捉与动作线： 介绍如何通过捕捉“动作线”（Line of Action）快速建立人物的能量和姿态，确保无论姿势多么复杂，其基础结构依然是稳定且具有方向性的。 --- 第五章：环境与物体绘制的挑战 5.1 绘制硬质表面：建筑与机械： 针对需要精确线条的场景，详细阐述如何处理直线、平面和角度。这包括精确绘制螺丝、铆钉、窗框和复杂的机械结构，要求线条的精确性和边缘的清晰度。 5.2 绘制自然形态：树木、岩石与水的结构： 从结构角度解析自然物体的生成逻辑。例如，树木的分支结构遵循的几何规律，岩石的破碎面如何体现其受力历史，以及水体表面的波纹如何基于透视和光线反射生成规律。 5.3 材质的视觉表现（非色彩）： 如何仅通过线条的粗细、排线密度、明暗对比和边缘处理来暗示物体的材质——例如，光滑的金属、粗糙的木头、柔软的布料的线条表达差异。 --- 结语 本书旨在为学习者提供一个坚不可摧的绘画“骨架”，确保读者在未来尝试任何风格和表现手法时，都能拥有扎实的结构和空间感。掌握了这些基础原理，创作者便能自如地驾驭画面，而无需受限于表面的技巧。

评分☆☆☆☆☆

作为一个对日系动漫风格尤其偏爱的创作者，我一直在寻找能精准解析日系色彩体系的书籍，而这本书在这方面表现出了惊人的广度和深度。它不仅涵盖了西方的经典色彩理论，还专门开辟了章节来分析例如“吉卜力动画中的光线与色彩哲学”或者“新海诚作品中对通透感的色彩营造技巧”。这些细致入微的分析，让我明白了为什么日系作品在某些特定的情绪表达上能如此打动人心。它不会生硬地将这些风格归类，而是深入到光线、材质和氛围对色彩选择的影响机制中去剖析。这对于想要学习如何用色彩讲故事的读者来说，是无价的指导手册，它教会的不仅仅是技术，更是一种观察世界、感知光影的独特视角。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构设计非常合理，逻辑推进流畅自然，让你在不知不觉中就完成了从基础概念到复杂应用的跨越。它没有采用那种一板一眼的教材式写法，而是更像一位经验丰富的前辈，带着你一步步探索色彩的奥秘。让我印象深刻的是，书中似乎还涉及到一些关于不同媒介对色彩表现力的影响，比如如何根据不同的输出媒介（印刷、屏幕显示等）来微调你的配色方案，以达到最佳效果。这种对细节的关注，体现了作者对实际工作流程的深刻理解。读完之后，我感觉自己对“色彩敏感度”这个原本虚无缥缈的概念有了更扎实、更可量化的把握，不再是全凭感觉，而是有了一套可以遵循和检验的方法论。这是一本真正能指导实践、提升硬实力的工具书。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计简直是视觉上的盛宴，那种大胆而和谐的色彩碰撞，一下子就抓住了我的眼球。我一直觉得，好的色彩搭配是让一幅画“活”起来的关键，而这本书显然在这方面有着独到的见解。从一开始翻阅，我就能感受到作者在色彩理论上的深厚功底，不仅仅是教你“什么颜色能配什么颜色”，更深层次地探讨了色彩背后的心理学效应和文化内涵。比如，它详细分析了如何利用冷暖色调的对比来营造空间感和情绪氛围，这一点对我平时在做设计参考时帮助太大了。我尤其欣赏它在案例分析部分的处理方式，没有那种枯燥的理论堆砌，而是直接拿出现实作品，一步步拆解其中的色彩构成，让你清晰地看到“为什么这样配好看”。这种实践导向的教学方法，比起那些只讲概念的书籍，更能激发读者的动手欲望。我试着按照书中的一些基础配色方案去实践，效果立竿见影，原本平淡的草图瞬间提升了一个档次。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和装帧质量非常令人称赞。要知道，涉及到色彩的专业书籍，如果印刷质量不过关，那所有的理论都会变成空谈，因为读者看到的颜色和作者想表达的颜色完全对不上。幸运的是，这本书的纸张选择和印刷工艺都非常出色，色彩还原度极高，几乎能媲美屏幕上看到的色彩效果。这使得我在学习不同色系组合时，能够获得最真实的视觉反馈。而且，书中的图例和范例插图都非常精美，看得出来是经过精心挑选和制作的。这些范例不仅展示了理论的应用，本身也成为了极佳的视觉参考资料。每次翻阅，都像是在进行一次高品质的色彩鉴赏活动，阅读体验非常愉悦，让人舍不得放下。

评分☆☆☆☆☆

我原本以为这只是一本面向初学者的基础指南，但深入阅读后发现，它对色彩明度和饱和度的微妙调整有极其精到的阐述。很多时候，我们画出来的东西总觉得“差点意思”，往往就卡在色彩的“灰度”处理上。这本书花了大量的篇幅讲解如何通过引入少量中性色或者互补色的微妙变化，来增加画面的层次感和高级感，而不是一味地追求鲜艳。我记得其中有一章专门讨论了“如何在阴影中使用色彩”，而不是简单地用深色来代替，这完全颠覆了我过去对光影处理的认知。它强调即便是阴影也应该是有色彩倾向的，这极大地丰富了我对色彩表现力的理解。对于那些已经有一定基础，但渴望突破瓶颈的画师来说，这本书提供的精细化调色思路简直是如获至宝。