正版现货 王羽佳钢琴独奏专辑 转变 CD 2014年再版 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 1

ISBN：9787888497702

商品编码：26647365206

商品信息 商品尺寸: 14 x 12.4 x 1 cm 商品重量: 240 g 外文名:  CD (2015年4月26日) 碟数: 1 出版社: 北京东方影音 发行公司: 星外星唱片 ISBN: 9787881024424 编辑推荐 格莱美提名的年轻的中国钢琴家！

商品描述 《王羽佳:转变》2009年，年仅22岁的王羽佳与世界古典唱片厂牌DG唱片公司签订专属合约，并于该年4月全球发布首张钢琴专辑《奏鸣曲与练习曲》，立刻成为当前古典乐界热门的焦点人物，被誉为新一代古典音乐家代言人。2009年12月，她更是凭借这张专辑入围第52届格莱美佳器乐独奏奖，成为被格莱美提名的年轻的中国钢琴家。同年，王羽佳被的英国的古典音乐留声机杂志授予“年度青年艺术家”大奖。成为《留声机》大奖史上首位获得单项大奖的中国籍获奖者。2010年，DG发行王羽佳第二张钢琴独奏专辑《转变》（Transformation），唱片一经发行，即获得国际乐评一致好评。曾被媒体和乐迷赞为“飞指钢琴手”的王羽佳，在新专辑中除了展现精湛的钢琴技巧，更加注重表现深层的音乐内涵。 2009年9月，旅居纽约的年轻家王羽佳在国家大剧院与指挥帝王阿巴多携手演出，引起全城轰动，一时间“王羽佳”的名字遍布于京城各大头条。《纽约时报》这样形容她：“她近乎完美：速度、敏锐、爆发力及细腻演绎。” Igor Stravinsky 斯特拉文斯基（1882-1971） 01-03 《彼得鲁什卡》的三个乐章 Domenico Scarlatti 斯卡拉蒂（1685-1757） 04 E大调奏鸣曲K.380 自在的行板 Johannes Brahms 勃拉姆斯（1833-1897） 05-31 帕格尼尼主题变奏曲 作品35号 Domenico Scarlatti 斯卡拉蒂（1685-1757） 32 F小调奏鸣曲K.466 中庸的行板 Maurice Ravel 拉威尔（1875-1937） 33 圆舞曲 发行日期：2015年4月

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音乐之旅的瑰宝：一部跨越时空的艺术杰作 本书籍并非关于王羽佳的任何录音作品，而是探索音乐艺术本身、乐理知识、音乐史发展，以及不同演奏流派与技巧的深度著作。 --- 第一部分：西方古典音乐的宏伟殿堂 第一章：音乐的起源与早期形态 本章深入探讨了西方音乐自古代文明（如古希腊的音阶理论）至中世纪（格里高利圣咏的形成）的演变历程。我们关注早期记谱法的发展，如何从口耳相传的模式转变为能够精确记录复杂旋律的系统。着重分析了教会音乐在塑造西方音乐结构中的核心作用，以及世俗音乐（如游吟诗人的歌曲）如何开始渗透并影响正统的音乐形式。 第二章：文艺复兴的复兴与和谐的追求 文艺复兴时期标志着对人文主义的回归，音乐也随之进入了一个新的纪元。本章详细剖析了复调音乐（Polyphony）的成熟，特别是经文歌和弥撒曲的复杂织体。我们考察了诸如帕莱斯特里那和奥兰多·迪·拉索等大师如何平衡宗教的庄严与音乐的精致。此外，对早期乐器（如维奥尔琴和鲁特琴）的形制及其在室内乐中的应用进行了细致的描绘。 第三章：巴洛克的辉煌与情感的张力 巴洛克时期（约1600-1750年）是音乐史上一个充满活力和戏剧性的阶段。本章的核心在于对“数字低音”（Basso Continuo）的深入理解，这是巴洛克音乐的骨架。我们将系统梳理歌剧（Opera）的诞生及其早期流派（如正歌剧与喜歌剧）的发展脉络。此外，对巴赫、亨德尔和维瓦尔第等巨匠的创作手法进行对比分析，特别是赋格曲、协奏曲与组曲的结构特征，揭示其如何利用对位法和装饰音来表达强烈的情感。 第四章：古典主义的清晰与平衡 古典主义时期追求清晰、简洁的结构和清晰的旋律线条。本章重点解析了奏鸣曲式（Sonata Form）的确立及其在交响曲、协奏曲和室内乐中的支配地位。我们探讨了海顿如何被誉为“交响乐之父”，莫扎特如何将歌剧推向新的高度，以及贝多芬早期作品中对古典范式的继承与拓展。对钢琴作为新兴主导乐器的地位提升及其对音乐表达的影响亦有详细阐述。 第五章：浪漫主义的激情与个性的解放 浪漫主义音乐是个人情感、想象力和对民族精神探索的集中体现。本章分析了李斯特的交响诗、肖邦的民族主义钢琴作品，以及瓦格纳的“整体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）理念。重点讨论了和声的扩大和色彩的运用，如何通过更丰富的不协和音和更广阔的音域来描绘内心世界。此外，对艺术歌曲（Lied）的发展及其与诗歌的完美结合进行了详尽的考察。 第六章：二十世纪的多元探索与革命 进入二十世纪，音乐传统遭遇了前所未有的挑战。本章考察了印象主义（德彪西）、表现主义（勋伯格）以及十二音体系的诞生。我们分析了斯特拉文斯基《春之祭》引发的音乐“丑闻”，以及后来的极简主义（Minimalism）和偶然音乐（Aleatoric Music）的出现。本章致力于解析作曲家们如何打破既有的调性、节奏和音色规范，寻求全新的听觉体验。 --- 第二部分：音乐理论、技巧与鉴赏 第七章：和声学的基石与进阶 本章提供一套完整的和声学教程，从基础的三和弦构建、七和弦的连接，到后浪漫时期复杂的借用和弦与变化和弦的应用。详细解释了功能和声的运作原理，并辅以大量乐谱实例，指导读者如何分析和声进行，并理解特定和弦在特定音乐语境中的情感色彩。 第八章：对位法与织体分析 深入讲解对位法的基本规则，包括严格对位与自由对位的区别。通过对巴赫《平均律键盘曲集》的剖析，读者将学习如何辨识和追踪不同声部的独立旋律线，并理解复调音乐中声部交织所产生的复杂美感。本章还涵盖了不同音乐织体（主调、复调、织体变化）在不同历史时期的典型应用。 第九章：配器法与管弦乐的色彩 本章专注于乐器的性能、音域、音色特点及其在管弦乐队中的组合技巧。详细介绍了不同组别乐器（弦乐、木管、铜管、打击乐）的独奏及合奏效果。通过案例分析，探讨作曲家如何运用配器法来烘托气氛、突出主题或创造出超乎想象的音响画面。 第十章：演奏的艺术与精进之路 本章从理论角度探讨了钢琴演奏中的技术难题与解决思路，包括触键的物理原理、踏板的运用哲学，以及如何处理高速音阶与复杂的琶音。同时，讨论了音乐诠释（Interpretation）的关键要素，如速度的弹性（Tempo Rubato）、乐句的呼吸感，以及如何避免技术性完美而缺乏灵魂的演奏。 第十一章：音乐作品的深度鉴赏 本章指导读者建立一套系统的音乐鉴赏框架。内容涵盖如何区分不同时期的演奏风格，如何识别作品中的结构性主题发展，以及如何区分“结构美”与“表现美”。通过分析多部不同体裁的标志性作品，训练读者的耳朵和心智，达到超越单纯聆听，进入理解和共鸣的层次。 --- 第三部分：音乐的周边世界 第十二章：世界音乐的视野拓展 本章将视野扩展至西方古典音乐之外的广阔天地。探讨了非西方传统音乐体系（如印度拉格体系、中东的玛卡姆体系）的结构逻辑，以及爵士乐（Jazz）中即兴创作的理论基础（如布鲁斯音阶与和声进行）。旨在展示音乐语言的普遍性与多样性。 结语：音乐作为永恒的语言 总结音乐艺术在人类文明中的地位，探讨技术进步（如早期录音技术的发展）如何改变了我们与音乐作品的亲密关系，以及在数字时代，我们应如何保持对音乐的专注与尊重。

评分☆☆☆☆☆

这张专辑的曲目选择，体现了一种既尊重传统又不乏探索精神的平衡感。它不像一些纯粹的炫技专辑那样只挑选最光怪陆离的作品，也不是一味地沉溺于某个特定时期或地域的作曲家。这种编排的巧思在于，它成功地构建了一个“情感旅程”。从开篇的铺陈，到中段情绪的剧烈起伏，再到结尾处的沉静反思，整个过程的张力拿捏得恰到好处，绝不让人感到突兀或审美疲劳。更难能可贵的是，王羽佳似乎总能找到那些被忽视的、隐藏在名曲光环下的细腻情感线条，并将其放大。例如，在某些看似结构严谨的赋格段落中，她加入了一种令人意想不到的自由度，让原本工整的结构仿佛有了呼吸的弹性。这种处理方式，打破了听众对“标准演绎”的固有印象，让人不禁要重新审视这些我们自以为熟悉的经典，从中挖掘出新的层次和意义。

评分☆☆☆☆☆

作为一名资深乐迷，我对钢琴家的“个性”往往比作品本身更感兴趣，因为再好的作品，也需要一个有洞察力的灵魂去重新诠释。王羽佳的“个人印记”在这张专辑中体现得淋漓尽致，她的演奏风格是那种既拥有学院派的扎实根基，又带着一股不受拘束的现代气息。她的触键，我个人感觉非常独特，既有肖邦式的歌唱性，却又融入了一种更具几何学般清晰度的节奏感。尤其是在处理那些需要极高技巧支撑的乐句时，那种轻松写意的态度简直令人咋舌，仿佛对她而言，这些“技术难关”不过是信手拈来的小品。然而，这种“轻松”绝非敷衍，它源自于对技术近乎苛刻的磨砺之后所达到的最高境界——技巧服务于音乐，而非音乐服务于技巧。这种自信且充满激情的表达，让每一次的重放都像是在体验一次全新的、充满活力的现场感。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，最初我对“再版”这个词有点警惕，担心这不过是旧酒装新瓶的商业操作，音质和内容上不会有什么惊喜。但事实证明，我的顾虑完全是多余的。这次的版本在整体的平衡性和清晰度上，似乎做到了比初版更进一步的优化。或许是母带处理技术的进步，或者只是制作团队对原录音更深层次的理解，使得这张专辑的听感更加“现代”和通透。它成功地在保持了原汁原味情感表达的基础上，提升了声音的解析力，使得背景中的细微动态也更加分明。对于长期关注她的乐迷来说，这不啻于一次宝贵的升级体验，那些曾经听得非常熟悉的片段，如今似乎能捕捉到更多隐藏在宏大结构下的微小纹理。它证明了，好的艺术作品，在时间的打磨和技术的辅助下，是可以被不断完善和重新发现的。

评分☆☆☆☆☆

拿到这张CD的时候，首先被它的音质所震撼，录音效果的清晰度和现场感做得非常到位。每一个音符的衰减、泛音的层次，都清晰可闻，这对于钢琴这种独奏乐器来说至关重要。很多录音会把钢琴的“空气感”丢失掉，听起来干瘪，但这张专辑的录音师显然深谙如何捕捉钢琴箱体的共鸣和音乐厅的空间感。在某些力度极弱的段落，你能“听见”钢琴的木质结构在振动，这种细节的呈现，极大地提升了聆听的沉浸体验。我特意换了不同的耳机和音响设备来试听，发现即便是普通设备，也能很好地展现出录音的宽广动态范围。这不仅仅是一张音乐收藏，它更像是一份高保真的声学档案，记录了顶尖演奏家在一个特定空间内，与乐器互动时产生的每一个细微震动。对于追求极致音质的发烧友来说，这张碟片绝对是不可多得的试音佳品。

评分☆☆☆☆☆

这张专辑的音乐性简直让人惊艳，王羽佳的演绎有一种魔力，能将古典音乐中那些看似遥不可及的情感，以一种极其个人化却又无比真诚的方式呈现出来。听的时候，我感觉自己不是在听一场演奏会，而是在参与一场心灵的对话。她对音色的掌控炉火纯青，时而如涓涓细流，细腻得能捕捉到每一个指尖与琴键接触的微小呼吸；时而又如惊涛拍岸，那种爆发力是如此克制而精准，绝不流于炫技，每一处强音都像是情感积累到极致的必然释放。尤其是那些跨度极大的乐章，她处理得游刃有余，速度的转换自然流畅，节奏的把控如同精准的心跳。我尤其喜欢她对特定作曲家作品中那种“呼吸感”的处理，不是僵硬地遵循乐谱上的标记，而是融入了她对作品深层意境的理解，仿佛她是在用钢琴“歌唱”，而不是仅仅演奏音符。这种对音乐灵魂的捕捉，让即便是听过无数个版本的经典曲目，也能焕发出全新的生命力。每次听完都会有一种洗涤心灵的畅快感，非常值得细细品味。