正版 钢琴即兴伴奏与弹唱 钢琴即兴伴奏自弹自唱教程书 人民音乐出版 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103050965

商品编码：27219131490

丛书名： 钢琴即兴伴奏与弹唱

开本：16开

出版时间：2016-01-01

 

目录

前言
引言

第一章 配和弦的基本要求
第一节 和弦的数字标记法
第二节 选择和弦的基本方法
1．和弦选择
2．和弦外音
3．和弦变换
4．转调
5．为民族调式歌曲配和声

第二章 即兴伴奏基础知识
第一节 歌曲曲式结构
1．乐段
2．二段式
3．三段式
第二节 伴奏音型
1．柱式和弦
2．分解和弦
3．半分解和弦
第三节 常用伴奏音型
1．二拍子音型
2．三拍子音型
3．四拍子音型
第四节 即兴伴奏常用方法
1．带旋律的伴奏
2．不带旋律的伴奏
3．长音处理方法
第五节 前奏
1．取歌曲某段旋律做前奏
2．用歌曲元素创作前奏
3．单独创作的前奏
第六节 间奏
第七节 结尾
1．终止的和声特征
2．结束音的处理
3．尾奏的处理

第三章 歌曲弹唱100例
第一节 1～60例
曲例1 《ICANSAYMYABC》（1=C）
曲例2 《牧童》（1=C）
曲例3 《老师》（1=c）
曲例4 《拔萝卜》（1=F）
曲例5 《藏猫猫》（1=bE）
曲例6 《虫儿飞》（1=F）
曲例7 《打电话》（1=F）
曲例8 《大风车》（1=F）
曲例9 《丢手绢》（1_F）
曲例10 《读书郎》（1=bE）
曲例11 《粉刷匠》（1=F）
曲例12 《好妈妈》（1=F）

 

......

好的，这是一份针对您提供的书名《正版 钢琴即兴伴奏与弹唱 钢琴即兴伴奏自弹自唱教程书 人民音乐出版》之外的、内容详尽的图书简介，字数控制在1500字左右，力求自然流畅，不含AI痕迹。 --- 图书简介：《巴赫的律动：键盘复调的精妙构建与演奏实践》 第一章：绪论——键盘音乐的结构之源 本书旨在深入探讨西方键盘音乐发展史上一个至关重要的流派——复调音乐，特别是以约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（Johann Sebastian Bach）为代表的巴洛克时期复调艺术的精髓。我们不再关注即兴伴奏的现代和声手法或通俗弹唱技巧，而是将焦点完全置于音乐的“骨架”与“逻辑”之上：对位法（Counterpoint）。 复调音乐，顾名思义，是由两条或更多相互独立、但又和谐共存的旋律线交织而成的音乐织体。这种音乐形态是西方古典音乐体系中最严谨、最具逻辑性的表达方式之一。巴赫的作品，如《平均律钢琴曲集》、《赋格的艺术》等，是这一领域的巅峰。 本卷导论部分将首先厘清复调与主调音乐（Homophony）的核心区别。主调音乐强调旋律的突出性与和声的垂直支撑，而复调音乐则要求所有声部都拥有同等的旋律重要性。我们将探讨这种音乐语汇在17世纪末至18世纪上半叶，如何成为键盘音乐表达复杂情感与精妙思想的主要工具。 第二章：对位法的基石——严谨的声部写作原则 本章是全书的理论核心，详细剖析了早期对位法（Species Counterpoint）的规则。这些规则，源于早期宗教音乐的需要，是训练作曲家和演奏者理解声部独立性的基础。我们不会停留在机械的规则堆砌，而是着重分析这些规则背后的音乐逻辑。 2.1 五种对位法规则的解析 我们将逐一讲解五种对位法（第一、二、三、四、五种对位法，即纯音值对位、二音对位、组合对位、附点对位和自由对位）的技法。重点分析如何处理平行八度、平行五度、隐藏八度/五度等“禁忌”，以及如何利用节奏错位和旋律线条的交织来增强音乐的立体感。 2.2 和声的必然性：对位法中的和声 与现代和声学先确定和弦再填充旋律的路径不同，复调音乐中的和声是生成而非预设的。本节将阐述在严格的对位规则下，如何自然地涌现出协和与不协和音程，以及如何巧妙地解决不协和音程（如经过音、邻音、倚音等），从而确保声部线性流畅的同时，也满足了整体的和声需求。 2.3 旋律线的“个性”塑造 一条优秀的对位旋律线必须是独立的、有方向感的。本章将详细教授如何设计具有清晰轮廓、适度音域跨度和合理级进/跳进的旋律。我们将引用普罗科菲耶夫对巴赫旋律的赞誉，强调旋律的“可唱性”即使在高度复杂的对位织体中也必须保留。 第三章：赋格的艺术——模仿与结构 如果说对位法是砖瓦，那么赋格（Fugue）就是用这些材料建造出的宏伟建筑。本章聚焦于巴赫音乐中最具代表性的曲式——赋格，探讨其结构、主题的展开与变化。 3.1 主题的引入与呈示部 我们将深入分析赋格的起始部分：主题（Subject）、应答（Answer）、间奏（Episode）的定义与功能。特别关注“移位应答”（Tonal Answer）与“真实应答”（Real Answer）的区别，以及它们如何影响主题在不同调性间的转换。 3.2 中间与再现部的结构布局 赋格的魅力在于其复杂的结构布局。本章将拆解赋格的中部，探讨声部增加（Stretto）的技巧——即主题彼此快速重叠，制造紧张感。同时，我们将分析调性是如何在不同声部和主题变体之间穿梭，最终导向再现部的回归。 3.3 复杂的织体技术：增值与减值 为了保持音乐的新鲜感，巴赫常使用对位技巧来变形主题。我们将专门讲解增值（Augmentation）（主题节奏加倍）和减值（Diminution）（主题节奏减半）在赋格发展中的应用，以及如何将原主题反向演奏（逆行，Retrograde）。 第四章：演奏实践——巴洛克键盘的音色与触键 学习复调音乐不仅仅是阅读音符，更重要的是理解其演奏美学。本章将完全脱离现代钢琴的浪漫主义演奏习惯，转向巴洛克时期键盘乐器的特性。 4.1 触键的颗粒感与平衡 在羽管键琴（Harpsichord）或早期的古钢琴上，音量是恒定的，演奏者主要依靠节奏的精准和声部的清晰分离来塑造音乐。我们将教授如何使用更具颗粒感（articulated）的触键方式，确保每一条旋律线都能清晰“歌唱”，而不是被相邻声部淹没。这要求手指更独立、更主动地触键。 4.2 踏板的限制与“呼吸” 对于演奏巴赫的作品，本章明确指出应极少使用延音踏板，除非是明确的乐谱指示（如某些后的D. Scarlatti作品，或为适应现代钢琴音响而做的改编）。我们将探讨如何通过巧妙的指位更换（Voice Leading Fingerings）和节奏的细微停顿（micro-pauses）来模拟踏板带来的连贯性与“呼吸感”。 4.3 织体的层次感构建 在多声部的赋格中，演奏者必须像一个指挥家。本节将提供具体的练习方法，帮助演奏者“扮演”不同的声部——主旋律（通常在较高声部）应保持更突出的音色，而低音线（Bass Line）则需要坚实而稳定的支撑。我们将引入“声部优先级”的概念，指导如何根据曲式结构来调整各声部的音量相对比例。 结语：超越技巧的音乐哲学 《巴赫的律动》的目的，并非培养演奏者去弹奏流行歌曲的即兴和弦，而是引导学习者进入音乐逻辑的深层殿堂。复调音乐的训练，最终将提升演奏者对任何复杂音乐织体的洞察力，使他们能够以更结构化、更清晰的思路去理解和呈现音乐。掌握了复调的严谨性，演奏者将能更自由地驾驭旋律的线条，体验到音乐内部逻辑的巨大魅力。 ---

评分☆☆☆☆☆

我发现这本书在处理不同风格的曲目时，展现出了一种令人惊喜的灵活性和广博性。一开始我以为它会偏向于某个特定的音乐流派，毕竟“钢琴即兴”这个领域范围太广了。但翻阅目录才发现，作者很巧妙地穿插了多种音乐元素。比如，在讲解八度分解时，它会引用一些古典时期的织体作为背景知识，但马上会立刻转化成适合流行歌曲的伴奏模式；而在讲解布鲁斯节奏时，它并没有停留在传统的十二小节布鲁斯，而是展示了如何将其“现代化”，融入到现代抒情歌曲中去。这种跨界的知识融合，使得学习者在掌握基础技能的同时，也能对不同音乐风格的底层逻辑有一个宏观的理解。它不是一套死板的公式集，更像是一个工具箱，里面有针对不同“工程”准备好的不同工具，教你如何灵活取用，而不是机械地使用同一个锤子去敲打所有钉子。

评分☆☆☆☆☆

这本书最吸引我的地方在于它对“即兴”这个概念的拆解和步骤化处理。很多教程总是在谈论“感觉”和“氛围”，但对于具体如何从一个简单的三和弦走向一个听起来丰满的伴奏，却含糊其辞。然而，这本教程却提供了一个非常实用的“升级系统”。它从最基础的“打底”和弦开始，然后逐步引入了经过简化处理的“色彩音”，比如大七、小七、九和弦的运用，但它并没有直接让你去背诵复杂的和弦构成，而是给出了很多基于特定节奏型的“模版”。比如，它会展示一个“慢速Ballad”伴奏模版和一个“中速摇滚”模版，然后告诉你，只要你把这几个和弦套进去，听起来就很像回事。这种“搭积木”式的学习方法，极大地降低了即兴创作的心理门槛。我现在敢于在练习时尝试替换和弦，不再是死死地抱着谱子上的和弦名称不放，因为我知道即使换错了一个音，这个模版本身也能提供足够的支撑力，不至于让整个音乐崩盘。

评分☆☆☆☆☆

这本书的讲解方式简直是太直白了，感觉作者完全是站在零基础小白的角度来构思内容的。我之前尝试过好几本书，但总是在一些基础乐理和和弦转换的地方卡壳，看得我头大。但这本不同，它没有那种高高在上的理论说教，而是直接告诉你“你需要知道这个，然后下一步应该怎么做”。比如，它对“根音”和“转位和弦”的解释，不是那种枯燥的定义堆砌，而是配了大量清晰的图示和实际弹奏中的听感对比。我特别喜欢它对于“伴奏织体”的划分，从最简单的分解和弦到更复杂的切分节奏型，每一步都有明确的练习范例，而且这些范例的曲目选择都非常贴近我们日常生活中会接触到的流行歌曲或者简单的古典小品，不会让人觉得遥不可及。我花了大概两周时间，就感觉自己对流行歌曲的和弦进行有了一种全新的掌控感，起码现在跟着CD弹唱的时候，我能大致听出人家是怎么配的和声，而不是一味地盯着谱子找和弦名称了。这种“即学即用”的感觉，对于提高学习积极性简直是太重要了。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和纸张质量给我留下了非常深刻的印象，这一点在音乐教程中往往容易被忽视，但对于经常翻阅和练习的人来说太重要了。拿到书的时候，首先能感觉到纸张有一定的厚度，不是那种一撕就烂的廉价纸张，这对需要经常在上面做标记或者反复翻阅特定页码的读者来说是个福音。更让我赞赏的是它的开本设计和装订方式。它采用了那种可以完全摊平的设计，无论我把它放在钢琴盖上还是放在谱架上，它都能平稳地保持打开状态，我再也不用费力地用手肘去压着书页，影响我弹奏的连贯性了。此外，乐谱的排版也极其清晰，五线谱和简谱（如果适用）的对照清晰，字体大小适中，在灯光不是特别好的环境下阅读也不会觉得吃力。这表明出版方在制作过程中确实考虑到了学习者实际使用的场景和人体工学需求，而不是仅仅为了省成本，这一点值得点赞。

评分☆☆☆☆☆

对于一个已经有一定钢琴基础，但缺乏“伴奏思维”的演奏者来说，这本书简直是为我们量身定做的“桥梁”。我过去弹钢琴，要么是照着乐谱演奏复杂的旋律和技巧，要么就是只会用最简单的根音+三和弦进行“伴奏”。这本书的独特之处在于，它明确区分了“弹奏（Playing）”和“伴奏（Accompaniment）”的思维差异。它会非常细致地分析人声旋律的走向，然后告诉你钢琴伴奏应该如何“让位”给主旋律，什么时候应该填充，什么时候应该留白。特别是关于“低音线条”的处理，书中给出的建议非常实用，它强调了低音在构建和声框架中的支撑作用，教你如何让左右手形成一个更具层次感的整体，而不是简单的“左手根音，右手和弦”的僵硬分工。这种深入到“角色定位”的教学，极大地提升了我对完整音乐作品的理解深度，让我从一个单纯的“演奏者”开始向一个“伴奏者”的角色转变，感觉自己的音乐表现力一下子丰富了许多。