商城正版 铃木大提琴教材（修订版 第五、六册） （日）铃木镇一 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 纳卓图书专营店

出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103044285

商品编码：29733133152

丛书名： 铃木大提琴教材

出版时间：2013-01-01

书籍信息   书名 铃木大提琴教材（修订版 第五、六册） 字数 作者 （日）铃木镇一 编著 页码 29 出版社 人民音乐出版社 版次 1 出版日期 2013-1-1 装帧 平装 ISBN 9787103044285 开本 大16开  内容提要   《铃木大提琴教材（第5、6册）（修订版）》汇集了一些世界名曲、各国流行的名歌，也有一些传统训练用的材料，这种编排较能激发学习者的兴趣。通过熟悉一些人们喜闻乐见的旋律，从掌握音乐语汇的表达能力入门，可避免由于过于枯燥的纯技术练习而削弱音乐对心灵的震撼。当学习者进入自学、兴趣盎然的学习状态时，努力克服更艰深的技术会成为乐趣而不是苦事了。   目录   第五册 E小调奏鸣曲 乡村舞曲 咏叹调——选自第156号康塔塔 回旋曲——选自《第四协奏曲》（节选） 单指音阶练习 装饰性指法练习   第六册 天鹅——选自《动物狂欢节》 快板——选自《D大调协奏曲》 拇指音阶练习 装饰性指法练习 塔兰泰拉舞曲 回旋曲——选自《D大调第二协奏曲》 快板——选自《G小调双大提琴协奏曲》（大提琴） 快板——选自《G小调双大提琴协奏曲》（第二大提琴）

 商城正版 铃木大提琴教材（修订版 第五、六册） （日）铃木镇一

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《世界名曲钢琴精选集：巴洛克至浪漫主义》 —— 献给所有热爱键盘音乐的演奏者与聆听者 图书简介 这部厚重的文集，汇集了自巴洛克盛期直至浪漫主义晚期，欧洲古典音乐殿堂中最为璀璨夺目的钢琴作品。它并非一部单纯的练习曲集，而是一部经过精心编排与考证的音乐史诗，旨在引导学习者穿越时空的界限，深入理解不同历史时期作曲家的创作心境与技巧革新。全书分为七大部分，约计七百余页的篇幅，内容丰富，难度跨度适宜中高级水平的钢琴学习者及专业演奏者。 第一部：巴洛克之光——理性与严谨的基石（约 1685-1750 年） 本卷聚焦于巴赫及其同时代大师们的键盘艺术。我们收录了约翰·塞巴斯蒂安·巴赫的《平均律键盘曲集》（第一、二册）中具有代表性的前奏曲与赋格，精选了那些最能体现对位法精妙之处的曲目。此外，还包含了乔治·弗里德里克·亨德尔的几部组曲片段，以及多梅尼科·斯卡拉蒂那些充满活力的单乐章奏鸣曲。 对于巴洛克音乐的诠释，我们特别强调了清晰的声部线条、恰当的装饰音处理，以及对“即兴”色彩的把握。每一首作品后附有详尽的指法建议和历史背景注释，帮助演奏者理解巴洛克时期键盘乐器（如羽管键琴或早期钢琴）的音色特点与演奏习惯。例如，在巴赫的赋格中，我们详细解析了主题的呈示、展开与再现的逻辑结构，而非仅仅停留在指法的堆砌上。 第二部：古典主义的典范——清晰、平衡与结构之美（约 1750-1820 年） 古典主义时期，钢琴（指福特钢琴的成熟）的性能得到了极大的提升，这直接影响了作曲家的写作手法。本卷的核心是海顿和莫扎特的奏鸣曲精选。我们挑选了莫扎特 K. 331（土耳其进行曲所在）和海顿 Hob. XVI/52 等结构完整、情感表达细腻的奏鸣曲。 重点在于对“奏鸣曲式”的结构性理解。我们通过图表化的分析，展示了呈示部、展开部和再现部的内在逻辑。此外，本卷还收录了克莱门蒂的几首标志性练习曲，这些练习曲在技巧训练之外，更体现了古典时期的优雅与韵律感。我们强调力度记号（如 piano 和 forte）的对比性和清晰度，力求还原维也纳宫廷的音乐风貌。 第三部：贝多芬的革命——激情、冲突与人文精神（约 1790-1827 年） 路德维希·范·贝多芬的作品是古典与浪漫过渡期的里程碑。本卷精选了早期、中期和晚期具有代表性的钢琴奏鸣曲片段，例如《热情》的第二乐章、《月光》的慢速部分，以及《阿帕索纳塔》中的力量展示。 与前两卷不同，本卷的注释重点转向了情感的深度挖掘和踏板的创新运用。贝多芬的作品常常充满了戏剧性的张力，对指尖力量的控制提出了极高的要求。我们详细探讨了贝多芬在速度标记（如 Allegro con brio）背后的精神内涵，并指导学习者如何处理他在乐谱上留下的，有时略显模糊的力度指示，使其服务于音乐的宏大叙事。 第四部：肖邦的诗篇——波兰的浪漫与键盘的咏叹调（约 1820-1849 年） 弗雷德里克·肖邦被誉为“钢琴诗人”。本卷集中展示了他对钢琴这一乐器的独特理解。收录了三首玛祖卡、两首圆舞曲（包括降E大调作品9之2）、以及部分练习曲（Op. 10, Op. 25）中技术与美感结合得最为完美的篇章。 本卷的重点在于“歌唱性”（Cantabile）。肖邦的音乐要求演奏者如同歌剧中的抒情女高音一般处理旋律线。我们深入剖析了装饰音的流淌性、左手的独立性和织体的丰富性。特别值得一提的是，我们提供了关于波兰民族舞蹈节奏（如玛祖卡的三拍子结构）的详细解析，确保演奏者能够抓住作品中流淌的民族气息。 第五部：舒曼的心灵独白——内在的梦幻与叙事曲（约 1830-1856 年） 罗伯特·舒曼的作品充满了自传色彩和文学意象。本卷主要收入了《童年情景》中的核心曲目（如《梦幻曲》、《外国与异国》）以及《蝴蝶》中的精选片段。 舒曼的音乐往往是片段式的，充满了内在的对话和对幻想世界的描绘。本卷的指引侧重于“色彩的把握”。如何通过细微的触键变化来区分不同的内心角色（如弗洛雷斯坦与尤塞比乌斯），如何控制踏板以营造梦境般的模糊感，是我们着重探讨的课题。这要求演奏者不仅要有技术，更要有丰富的情感体验和文学素养。 第六部：李斯特的炫技与升华——钢琴的“管风琴”化（约 1840-1886 年） 弗朗茨·李斯特将钢琴的演奏技巧推向了前所未有的高峰。本卷选取了《帕格尼尼练习曲》中的几首著名变奏，以及几首《安慰》和《爱之梦》的小品。 本卷的技术挑战最大，但目的绝非单纯炫技。我们详细分析了李斯特如何利用宽广的音域、快速的琶音和复杂的和弦跨度，来模仿交响乐团的效果。重点在于如何高效地进行大量的双手跨越和音阶跑动，同时保持旋律线的清晰与圆润。注释中包含了对“速度与力量”之间平衡的建议，避免演奏流于空洞的机械运动。 第七部：晚期浪漫与民族乐派的萌芽（约 1860-1900 年） 最后一部分展示了进入晚期浪漫主义的趋势，以及一些民族乐派对钢琴音乐的独特贡献。我们收录了勃拉姆斯的间奏曲（Op. 118 系列中的几首）、德彪西的早期前奏曲片段（展现印象派的先声）以及柴可夫斯基的几首抒情小品。 勃拉姆斯的严谨与深沉，与德彪西的朦胧与色彩形成了鲜明对比。本卷的重点是触键的细腻度和对“和声”的敏感性。演奏勃拉姆斯需要深厚的内省和对厚重织体的驾驭能力；而德彪西则要求演奏者学会“倾听空气”中的泛音和色彩变化。 总结 本书的编排遵循历史脉络，从对位法的逻辑，到奏鸣曲的结构，再到浪漫主义的自由抒情，为学习者提供了一个全面而深入的钢琴音乐学习路径。每一首曲目都附有详尽的演奏提示，涵盖了历史背景、技术分析和美学诠释，是钢琴学习者提升演奏深度、拓宽音乐视野的必备参考书。它要求学习者将技巧训练融入对作曲家时代精神的理解之中，最终实现技术与艺术的完美统一。

评分☆☆☆☆☆

这套教材的纸张和装帧质量，虽然是细节，但对于经常翻阅和练习的人来说，绝对是一个加分项。它的印刷清晰，字体排版适中，即便是在昏暗的练习室灯光下，那些复杂的指位标记和指法提示也清晰可见，不至于让眼睛感到疲劳。更值得称赞的是，书本的装订非常结实，能够平稳地摊开在谱架上，这一点对于需要双手紧握琴弓的人来说至关重要——你不需要费力去按住书页，它会老老实实地待在那里，任凭你专注于演奏。此外，教材中配有的理论注解，语言精准而富有洞察力，不像有些翻译版本那样晦涩难懂，它用一种非常现代且实用的方式解读了传统的演奏规范，让我能快速将理论知识转化为实际操作中的调整。

评分☆☆☆☆☆

这套教材真是让我耳目一新，从拿到它开始，我就感觉自己好像打开了一扇通往更高层次音乐殿堂的大门。首先要说的是它的编排，简直是匠心独运。它不像我之前接触的一些教材那样，上来就给你一堆枯燥的音阶和练习曲，而是非常巧妙地将技术训练融入到富有音乐性的曲目中。初学时，每一个小节的设置都像是精心雕琢的艺术品，既能有效地锻炼手指的灵活性和准确性，又能让人在不知不觉中培养起对旋律线条的感知力。特别是对于节奏的把握，书中提供的指引非常细致，即便是像我这样起步比较晚的业余爱好者，也能感觉到自己的节奏感在潜移默化中得到了极大的提升。每一次练习完，我都会有一种强烈的满足感，因为我不是在机械地重复动作，而是在“做音乐”。这种感觉，对于维持学习的持久动力来说，是至关重要的。翻阅后面的章节，能明显感受到难度是循序渐进的，但绝不会让人感到突兀或挫败，总是在你即将突破某个瓶颈时，恰到好处地引入新的技巧点。

评分☆☆☆☆☆

从一个学习者的角度来说，这套教材最让我赞赏的一点是它对“音乐性”的坚持，而非仅仅是“技巧堆砌”。很多教材，学到中级阶段，就变成了跑指法和炫技的战场，拉出来的声音虽然快，但总觉得少了一点“灵魂”。然而，这套书似乎一直都在提醒我们，所有的技术都是为了更好地服务于音乐的表达。它在选取练习曲目时，非常注重不同时期、不同风格作品的平衡性，这极大地拓宽了我的音乐视野。我甚至开始对那些以前觉得枯燥的古典小品产生了浓厚的兴趣，因为教材引导我看到了它们背后隐藏的结构美和情感张力。更重要的是，它鼓励学习者去理解作曲家的意图，而不是盲目地模仿某个演奏家的录音。这种强调内在理解的学习方式，让我觉得每一次拿起大提琴，都像是在进行一场深刻的哲学思考，而不是简单的体育锻炼。

评分☆☆☆☆☆

我必须得提一下这套教材的“内涵”，它不仅仅是一本教你拉琴的工具书，更像是一位经验丰富的大师在耳边低语，告诉你如何去倾听和表达。对于音色的处理，书中的某些提示简直是醍醐灌顶。它没有用那些玄乎的、让人摸不着头脑的形容词，而是非常具体地告诉你，比如在某个揉弦的位置，你需要施加多大的“情感重量”，或者弓子的哪个部位接触琴弦能产生更温暖的泛音。我尝试着按照这些微妙的指示去调整，结果大吃一惊，原本平淡无奇的音符立刻鲜活了起来，仿佛拥有了生命。特别是对于弓法控制的要求，简直是达到了细致入微的程度，对持弓的力度变化、运弓速度的控制，都有着极其严谨的要求和清晰的示范。这让我意识到，大提琴的魅力，很大程度上就蕴藏在弓与弦的对话之中，而这套书，正是教授我们如何成为一个优秀的“对话者”。

评分☆☆☆☆☆

我特别欣赏这套教材中蕴含的“系统思维”。它不是零散地提供知识点，而是构建了一个完整的知识体系框架。它会让你清晰地看到，你现在练习的这个颤音技巧，将如何为你未来攻克更高难度的奏鸣曲中的装饰音打下坚实的基础。这种前瞻性的设计，极大地增强了学习的连贯性和目标感。我不再会觉得今天练的和明天练的之间有什么脱节，因为教材本身就像一条精心铺设的轨道，引领着我稳步向前。每一次完成一个阶段的练习，都能清晰地感受到自己技术树上的一个新分支被成功点亮。对于那些有志于长期、深入学习大提琴的人来说，这种结构严谨、逻辑清晰的引导，是避免走弯路、保持学习热情的最佳保障。它教会我的，不仅仅是如何拉出一个音符，更是如何构建一个完整的、有逻辑的音乐学习路径。