茉莉花-中国民歌经典-1-(附CD2张) 音乐 书籍 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 人民音乐

ISBN：9787103052136

商品编码：29739602141

商品基本信息，请以下列介绍为准
商品名称：	茉莉花-中国民歌经典-1-(附CD2张) 音乐 书籍
作者：	陈晓伟
定价：	29.0
出版社：	人民音乐
出版日期：	2016-08-01
ISBN：	9787103052136
印次：
版次：
装帧：
开本：	大16开

内容简介

本书收录了《茉莉花》《拔根芦柴花》《天乌乌》《斑鸠调》《四季歌》《八月桂花遍地开》等乐曲。

乐府新声：中国古典诗词与音乐的千年回响 本书是一部深度探索中国古典诗词与音乐千年交融、互为表里的学术专著。全书以时间为经，以体裁为纬，系统梳理了从先秦乐歌到唐宋诗词，再到明清曲牌的音乐化进程，并尝试重建不同历史时期文学作品的“听觉景观”。 --- 第一部分：乐的源头与诗的萌芽（先秦至汉魏） 本部分着重考察中国音乐与文学结合的最初形态，探讨“诗”如何从祭祀、劳动、歌舞中独立出来，并被赋予严格的音乐规范。 第一章：上古之音：巫祝、田歌与《诗经》的乐谱失落 雅乐与乡傩： 分析周代雅乐制度中“颂、雅、变”的音乐功能，以及民间“生民之歌”在奠定后世民歌母题中的作用。 《诗经》的“赋、比、兴”与调式： 深入探讨《诗经》三百篇所依赖的六义（风、雅、颂）结构，重点分析“颂”的祭祀音乐性质，以及“风”中蕴含的区域性音阶特征。尽管乐谱已失传，但通过文本结构、叠句、重章的分析，推测其原始旋律的起伏与节奏。 楚辞的歌咏性： 探讨屈原作品中强烈的吟诵色彩，分析“兮”字的韵律作用，以及楚地的巫文化如何影响了其音乐化表达的自由度与想象空间，区别于中原诗歌的规整性。 第二章：汉代辞赋的盛大与歌行体的兴起 汉赋的“说唱”本质： 剖析汉大赋的结构冗长、铺陈夸饰，如何适应宫廷宴会和盛大仪式的“说唱”表演形式。研究赋体的句式如何被谱曲者（如李延年）用以创造宏大叙事的音乐效果。 乐府诗的采集与变异： 详述汉乐府“收录民间歌谣，以备宫廷之用”的制度，分析《陌上桑》《孔雀东南飞》等名篇的“歌行体”特征，即其长短句混合、叙事性强、节奏自由，暗示了它们在被记录前即是流传广泛的民间歌谣。 五言体的定型与声调的初步自觉： 探讨汉末建安风骨中，五言诗如何逐渐脱离单纯的歌唱，转向士人阶层在清谈中吟咏的模式，标志着音乐性开始向文学性让渡。 --- 第二部分：声律的精进与曲牌的孕育（魏晋南北朝至唐宋） 本部分聚焦于声调理论的建立，以及诗歌如何成为音乐创作的核心母题，并为后世的词曲发展奠定基础。 第三章：魏晋风度与玄言音乐的意境 竹林七贤的“清乐”： 探讨嵇康、阮籍等人的音乐思想，他们如何反对宫廷的“郑卫之音”，推崇“中正平和”的玄学音乐观。分析其所作琴曲（如《广陵散》）与哲学思想的内在联系。 山水诗的“静听”美学： 研究谢灵运、陶渊明诗歌中，对自然之声（风声、水声、鸟鸣）的细致描绘，这种“以声写静”的技巧，实际上是对音乐听觉体验的间接表达。 第四章：唐诗的格律化与“乐府余绪” 近体诗的声律基础： 系统阐述唐代“四声说”和“平仄”规则的确立，这些规则并非凭空产生，而是对盛唐以前民间合乐实践经验的总结与规范化。分析“粘对”对歌曲旋律走向的强制性约束。 乐府旧题的再生命化： 考察唐代诗人如何套用旧有乐府的曲调来填写新词（如王维的《渭川田家》之于旧曲），以及这种“依曲填词”如何限定了新诗的篇幅和情感基调。 燕乐的兴盛与“歌”的回归： 详述唐代燕乐（宴会音乐）的成熟，以及“歌”在宫廷中对诗歌的重新“谱曲”实践，尽管这些曲谱多佚失，但其对词牌的孕育具有决定性意义。 第五章：宋词的音乐本体性——格律的巅峰 词牌的音乐语汇： 明确指出宋词的本质是“可以歌唱的诗”。细致梳理从“曲子词”到“慢词”的发展历程，阐释“词牌”如何固化了音乐的句法结构、节奏停顿和旋律走向。 长短句的音乐张力： 分析柳永、苏轼、周邦彦等大家如何运用长短句的错落，来模仿或强化人类情感的复杂性（如思乡的悠长、欢愉的急促）。以《雨霖铃》为例，剖析其音节安排如何模拟雨声的层次递进。 词乐的“衰微”与文人的“追忆”： 讨论宋金元时期，由于俗乐和曲艺的兴起，士大夫阶层对传统文人词乐的整理、记录（如词谱的出现），反映了词曲“可唱性”在实际应用中的衰落与文学价值的提升。 --- 第三部分：曲化的飞跃与音乐的世俗化（元代至今） 本部分关注文学体裁向成熟的戏曲音乐过渡的过程，探讨音乐如何从诗词的“附属品”转变为独立的主体。 第六章：元曲的声腔革命：从诗到剧 “杂剧”的音乐结构： 分析元杂剧的“过曲”系统，即“正宫”、“中吕”、“双调”等宫调系统如何继承了唐宋燕乐的声调体系，但更强调板式变化和曲牌的套用。 散曲的自由与曲牌的束缚： 对比套数与小令，前者表现了曲牌在叙事性上的灵活性，后者则回归了抒情诗的简洁。探讨散曲中大量使用衬字、衬音，如何进一步增强了音乐的表现力，脱离了诗歌的字数限制。 第七章：清代词曲的整理与民歌的流变 “曲韵”学的兴起： 探讨清代学者对元明以来曲谱的整理工作，以及地方戏曲声腔（如昆曲的典雅、梆子的粗犷）对传统音乐形态的冲击与融合。 民歌的独立叙事： 在文学“格律”影响力减弱的背景下，考察清代白话小说中出现的歌谣片段，以及其音乐形态的独立演化路径，与文人音乐体系的差异性。 --- 结语：跨越千年的“听觉遗产” 本书最后总结，中国古典诗词的发展史，实质上是一部对“声音想象力”的不断雕琢史。从最初的集体歌唱到士人的独吟，再到专业乐工的谱曲，音乐性始终是衡量文学作品生命力的重要维度。理解这些作品，必须调动我们对节奏、韵律和音高的感知，才能真正领略其“风雅颂”的千年回响。 (本书不包含任何关于“茉莉花”等具体民歌的分析或乐谱，重点在于考察中国古典文学体裁的“声乐化”发展轨迹。)

评分☆☆☆☆☆

对于一个长期从事音乐教育工作的人来说，寻找一套既权威又易于传授的中国民歌教材是一项挑战。很多现有的资料要么过于学术化，让学生望而却步；要么过于简化，失去了民歌的灵魂。而《茉莉花-中国民歌经典-1》的出现，可以说填补了这一空白。它的结构逻辑非常清晰，第一部分是基础曲目，难度递进合理，非常适合作为入门引导。书中的图文并茂处理得非常巧妙，它没有用大量的文字堆砌历史，而是用了一些精心绘制的场景插图来烘托歌曲的地域风情，这对于激发年轻一代学生的学习兴趣非常有效。更关键的是，它的曲谱注释里对于演唱技巧的描述，非常注重“气口”和“润腔”的民间特色，这些是传统声乐教学中常常被忽视的细节。附带的CD，特别是第二张，我发现它录制了部分带有地方方言或特定口音的演唱版本，这为学生理解不同地域的文化差异提供了绝佳的听觉材料，这在以往的教材中是极其罕见的创新。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我对市面上大多数“经典”合集的态度都是持保留意见的，总觉得它们更像是匆忙赶工的产物，内容深度和广度都欠佳。然而，这套《茉莉花》系列（我指的是第一卷）彻底颠覆了我的固有印象。它对每一首选曲的背景考证极其详尽，这一点远超我的预期。比如，对于像《小河淌水》这类流传极广的歌曲，它不仅提供了标准乐谱，还附带了至少三种不同流派或地区的演绎法微小差异的解析，这对于专业学习者来说，提供了极大的参考价值。我之前一直疑惑于某个特定音符的处理方式，在这本书的注释部分找到了满意的解答——原来是受了某个特定省份的唱腔影响。这种细致入微的学术态度，让这本书的价值瞬间提升了一个档次。CD的另一张光盘内容，似乎侧重于示范和清唱版本，清晰地剥离了复杂的和声，让人可以专注于旋律线本身，这对训练气息和对音准的把握非常有帮助。总而言之，这是一部经得起推敲的作品，它在“普及”和“专业”之间找到了一个微妙而成功的平衡点。

评分☆☆☆☆☆

这本《茉莉花-中国民歌经典-1-(附CD2张)》的音乐书籍，从我拿到手的第一眼起，就被它那份沉淀下来的古典美感所吸引。装帧设计上，没有追求时下流行的花哨，而是用了一种近乎水墨画的淡雅色调，配上隽秀的字体，让人一翻开就仿佛能嗅到一丝江南水乡的湿润气息。我尤其欣赏它在乐谱排版上的用心。很多民歌集为了追求版面紧凑，常常将五线谱和简谱挤在一起，阅读体验极差，但这本书显然在设计上做了取舍，留白恰到好处，使得即便是初学者也能轻松跟上旋律的起伏。更别提那附赠的两张CD，音质处理得相当到位，无论是主唱的嗓音还是伴奏的配器，都保持了民间音乐原有的淳朴与灵动，没有过度现代化的修饰，这一点对于想要深入理解和模仿原汁原味唱腔的人来说，简直是宝藏。我尝试着跟着CD中的伴奏试唱了几段，那种被细腻的音乐细节所包围的感觉，让人仿佛置身于一个宁静的、充满故事的田间地头。这本书不仅仅是教材，更像是一本精心策展的中国民间音乐博物馆的导览手册，它让人重新审视那些耳熟能详的旋律背后，所蕴含的深厚文化底蕴和匠人精神。

评分☆☆☆☆☆

我购买这本书的初衷，其实是想找一些能让我放松下来的背景音乐，希望能找到那种能让大脑慢下来的旋律。我必须说，这套《茉莉花》做到了。与其说它是一本严肃的音乐教材，不如说它是一个情绪的调适器。翻阅内页，那些朴素的歌词，带着泥土的芬芳和生活的气息，立刻就能将你从都市的喧嚣中抽离出来。我特别喜欢它对某些小调的处理，比如那些关于劳作、爱情和离别的短歌，它们的情感表达是如此直接和真挚，没有任何矫饰。我试着在傍晚时分，只开着CD里最简单的钢琴伴奏版，跟着书里的简谱轻轻哼唱，那种感觉是极其治愈的。它没有那些流行歌曲的攻击性，而是像一阵温和的微风拂过心田。这本书的厚度适中，纸张的质感也很好，拿在手上有一种踏实的重量感，让人觉得这不仅仅是知识的载体，更像是一件值得收藏的艺术品，适合在安静的午后，泡上一壶茶，慢慢品味。

评分☆☆☆☆☆

我购买这本书是纯粹出于对民间艺术的好奇心，我本身并不是专业音乐人，所以我的评价会更侧重于“体验感”和“可接近性”。拿到这套书时，最让我惊喜的是它对“讲述”的重视。书里每一首歌前面都有一个简短的“引子”，不是枯燥的文献摘录，而更像是邻家老奶奶在灶台边给你娓娓道来一个古老的故事。比如关于《对花》的介绍，它没有罗列复杂的民俗学名词，而是描述了过去青年男女在特定节日里如何通过歌声来表达爱慕之情。这种叙事性的引入，极大地降低了普通读者对古典音乐的敬畏感。至于光盘，我通常会选择随机播放其中一张，让音乐自然地流淌，即使不懂乐理，也能感受到那种深入骨髓的旋律感染力。我发现，长期听下来，自己的语调似乎都变得更柔和了一些，这或许就是民歌强大的生命力和潜移默化的力量吧。这本书成功地将复杂的文化遗产，转化成了一份触手可及、令人愉悦的日常享受。