复调谱例分析 音乐 书籍 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 西南师范大学出版社

ISBN：9787562187912

商品编码：29740830070

商品基本信息，请以下列介绍为准
商品名称：	复调谱例分析 音乐 书籍
作者：	林戈尔，景徐编著
定价：	35.0
出版社：	西南师范大学出版社
出版日期：	2018-05-01
ISBN：	9787562187912
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开本：	16开

内容简介

全书由浅入深包括对比复调、模仿复调、复对位等，内容涉及二至八声部对比复调、简单模仿、卡农、变化模仿、较复杂的卡农模仿、纵向可动对位、纵横可动对位等。

《声音的织锦：西方音乐的结构与演变》 一本带领读者深入理解西方音乐复杂性与历史脉络的深度导览 --- 导言：超越旋律的界限 音乐，作为人类情感与理性最精妙的结合体，其背后的结构逻辑远比单凭耳朵聆听所能捕捉的更为宏大与深邃。《声音的织锦：西方音乐的结构与演变》并非一本面向初学者的入门手册，而是一部旨在为有一定音乐基础的爱好者、学生及专业人士提供深入洞察的学术性专著。本书的核心目标是揭示西方音乐自中世纪晚期直至二十世纪初，在和声、复调、曲式以及配器法上所经历的革命性转变，并系统梳理这些技术演变如何与社会、哲学思潮相互作用，共同编织出我们今日所理解的“西方古典音乐”的宏伟图景。 我们相信，真正的欣赏始于理解——理解声音如何被组织、如何被构建、如何承载意义。本书将带您超越对具体作品的感性体验，进入到音乐的“工程学”层面，探究那些无形却决定性的规则、惯例与突破。 --- 第一部：中世纪的奠基与文艺复兴的觉醒（约400字） 本书的开篇追溯至西方音乐的源头，重点关注格里高利圣咏向多声部音乐过渡的关键阶段。我们不会仅仅罗列早期的奥尔加农（Organum），而是深入剖析“声部独立性”这一概念的萌芽。 1.1 早期多声部的空间感 详细考察早期中世纪（如阿斯蒂拉伯爵与诺特丹画派）如何处理声部间的平行与交织，强调横向思维（旋律线）在此时期如何压倒了对垂直和声的系统性认识。对莱奥南（Léonin）和佩罗坦（Pérotin）作品的分析，侧重于固定音高（Cantus Firmus）与自由旋律声部的张力。 1.2 奥尔德斯与“完美”的追求 进入文艺复兴时期，本书将焦点集中于“模仿”（Imitation）技术的成熟。我们细致解构约斯坎·德普雷（Josquin des Prez）及其后继者如何将模仿技巧推向系统化和逻辑化的巅峰。分析重点包括： 卡农（Canon）的早期运用：探讨如何在保持各声部独立性的同时，实现统一的结构。 音阶与调性的松动：审视模式（Modes）如何逐渐让位于更具统一性的纯五度/四度关系，以及对“和谐”理解的转变。 这一部分旨在展现，文艺复兴音乐的精妙之处，在于其在多声部织体中达成了近乎完美的均衡与清晰度，为巴洛克时代的戏剧性爆发奠定了坚实的逻辑基础。 --- 第二部：巴洛克时代的“激情”与“机器”（约450字） 巴洛克时期是音乐史上一次剧烈的技术飞跃，标志着“功能和声”的正式确立以及独奏体裁的崛起。《声音的织锦》在此部分将着重分析“固定结构”与“即兴表现”之间的微妙平衡。 2.1 和声的统治：从协和到功能 本书将详细阐述“和声功能”体系的确立过程。这不是一个自然发生的过程，而是理论家（如拉莫）经过审慎思考和实践总结的结果。我们将深入分析： 主、属、下属三和弦的统治地位：如何通过明确的导向性，赋予和声前进以“目的性”。 固定低音（Basso Continuo）的运作原理：作为整个结构的骨架，固定低音如何支撑起复杂的上声部装饰与对位。 2.2 对位法的精炼与曲式的定型 对位（Counterpoint）在巴洛克时期达到了前所未有的复杂程度，尤其体现在巴赫的作品中。本书将超越对巴赫赋格（Fugue）的表面赞美，聚焦于以下技术细节： 主题的变形（Inversion, Augmentation, Diminution）：这些技术如何不仅是智力游戏，更是深化情感表达的手段。 协奏曲（Concerto）体裁的形成：分析“独奏组”与“合奏组”之间的张力处理，以及如何运用音色和力度变化来驱动叙事。 本章旨在揭示巴洛克音乐的“情感机器”是如何通过严格的数学逻辑和严谨的技法构建起来的。 --- 第三部：古典主义的清晰与浪漫主义的扩张（约400字） 古典主义音乐追求的是结构上的清晰、平衡与普适性，而浪漫主义则挑战这些边界，将个体情感推向极致。《声音的织锦》将对比分析这两种截然不同的美学导向如何体现在音乐结构上。 3.1 形式的胜利：奏鸣曲式解剖 对于海顿、莫扎特和贝多芬的分析，重点在于奏鸣曲式（Sonata Form）的演变。我们将进行精细的结构图解，区分早期清晰的呈示部-发展部-再现部的逻辑，以及贝多芬如何通过发展部的极度扩张和再现部的调性重构来打破既有框架。这不是对曲式的一般性介绍，而是对各个段落内部主题材料转化过程的深入剖析。 3.2 浪漫主义的“无限”追求与和声的泛化 进入十九世纪，音乐的“边界”被不断拓展。 和声的模糊化：分析李斯特、瓦格纳如何大量使用半音和弦、远关系转调，削弱了古典功能和声的明确性，创造出更具流动性和宿命感的听觉体验。 “诗性”与“叙事”的引入：探讨器乐幻想曲（Fantasy）和交响诗（Symphonic Poem）如何通过非传统结构来服务于文学或哲学主题，以及主导动机（Leitmotif）的运用如何影响了乐曲的整体连贯性。 --- 结语：走向二十世纪的转折点（约250字） 本书的收尾部分将简要概述古典音乐传统在晚期浪漫主义（如马勒、施特劳斯）中的“过度饱满”现象。这些宏大复杂的结构，实际上预示着既有体系即将走向尽头。 我们将探讨： 1. 对位法在二十世纪的“回归”与“异化”：分析布雷顿·沃顿（Bruckner）的结构严谨性与德彪西印象主义的声响实验，如何分别代表了对传统逻辑的最后一次巩固和对传统逻辑的彻底瓦解的开端。 2. 技术分析的必要性：重申理解音乐结构，是欣赏作曲家面对时代挑战时所做出技术抉择的关键所在。 《声音的织锦》旨在成为一部严谨、深刻且富于启发性的参考书，帮助读者从结构层面重建对西方音乐史的认知框架，从而实现更深层次的听觉觉醒。本书的语言力求精确、专业，避免任何空泛的赞美，专注于音乐内部的运作逻辑。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧质量绝对是顶级水准，拿在手里沉甸甸的，那种厚实的纸张和精装的书脊，让人忍不住想把它供奉在书架最显眼的位置。但更让我惊喜的，是它在处理跨时代音乐风格时的那种平衡感。很多音乐理论书籍在讲解某一特定时期的作品时会显得过于局限，但《复调谱例分析》却能以一种宏观的视角，将文艺复兴时期的严格对位法，与二十世纪布列顿的节奏型复调进行巧妙的连接。它没有厚此薄彼，而是清晰地指出了不同历史阶段，作曲家们是如何应对“多声部独立性”这一永恒难题的。书中引用的谱例选择也极其考究，既有学院派的经典练习曲，也有大量来自真实音乐作品中的“黄金片段”，使得理论学习不再是空中楼阁，而是扎根于实际的艺术创作之中，具有极强的实践指导意义。

评分☆☆☆☆☆

我是一名业余的作曲爱好者，很多时候学习音乐理论都是靠自己摸索，遇到那些关于织体和声部独立性的问题常常感到困惑。这本书的出现，简直就像是为我打开了一扇通往“结构之美”的大门。它的叙述风格非常“苏格拉底式”，不是生硬地灌输结论，而是通过一系列精心设计的提问和追溯源头的方式，引导读者自己去发现和理解复调的内在逻辑。比如，在分析莫扎特晚期四重奏中的一个段落时，作者并没有直接给出“这是典型的卡农结构”这种结论，而是先让我们关注到两个声部如何看似独立却又在关键节点上实现了完美的咬合，继而探讨这种咬合背后的和声支撑。这种层层剥茧的分析方法，极大地增强了我的主动思考能力，而不是被动接受。读完之后，我回过头再听那些古典大师的作品，耳朵里仿佛多了一双“透视”的眼睛，能清晰地分辨出旋律线之间的舞蹈和缠绕，那种“听懂了”的愉悦感是无与伦比的。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计简直是一场视觉的盛宴，那种深沉的墨绿色调，配上烫金的字体，透着一股古典而又严谨的气息，让人一拿到手就感觉它分量十足。我本来以为这会是一本枯燥的学术专著，但翻开目录时，那种精心编排的结构立刻吸引了我。作者显然对音乐的脉络有着深刻的理解，从早期的对位法基础，到巴赫时期复杂织体的解析，再到晚期现代主义复调手法的探讨，层次分明，逻辑清晰。特别是关于主调与副调之间张力平衡的讨论，简直是茅塞顿开，让我对那些宏大的交响乐章不再是走马观花，而是能听出背后精妙的结构设计。里面的图表和谱例标注得极为细致，即便是初次接触复杂复调的读者，也能通过这些辅助工具，将抽象的理论具象化，而不是单纯地停留在书本的文字描述上。这本书的排版也处理得非常到位，留白恰到好处，阅读体验极为舒适，长时间研读也不会感到视觉疲劳。这种对细节的极致追求，让人不得不佩服作者对知识传播的认真态度。

评分☆☆☆☆☆

我通常阅读学术类书籍需要大量笔记和批注，但这本书的“自洽性”做得非常好，使得我需要停下来做标记的次数大大减少了。作者的语言极富画面感，即便是描述最为复杂的对位技巧，他也能用生动的比喻来阐释，比如将声部之间的追逐比作“两股水流在峡谷中的交汇与分离”，这种叙事手法极大地降低了理论的门槛。而且，这本书的引用文献和参考书目部分做得异常详尽，为那些希望进行更深入研究的读者提供了极佳的导航图。我尤其欣赏作者在论证过程中所体现出的那种严谨的学术风范——每一个论断都建立在坚实的乐谱分析之上，绝无半点主观臆断的成分。它不仅仅是一本教科书，更像是一位经验丰富的大师，坐在你身旁，耐心而又细致地为你拆解音乐结构背后的秘密。

评分☆☆☆☆☆

这本书的价值远超其定价，它的装帧设计透着一股低调的奢华，拿在手里分量感十足，显然在印刷和装订上是下足了成本的。我最欣赏的是它在章节间的过渡设计，非常流畅自然，几乎没有生硬的跳转感。例如，当从三声部到四声部的复调讲解结束后，它并非立刻跳到更高难度的织体，而是用一小节专门回顾和总结了“声部平衡”在不同复杂度下的变化规律，这种结构上的“回响”设计，极大地巩固了读者的知识吸收。对于我这种已经有一定基础的学习者来说，这本书最棒的一点是，它敢于直面那些通常被回避的“疑难杂症”，比如在非功能和声背景下如何保持声部的独立性，作者给出的分析角度新颖而独到，让我对音乐的可能性有了全新的认识。看完后，我对如何构建富有生命力的多声部音乐，有了一种前所未有的清晰蓝图。