音乐艺术概论(全国高等院校教师教育专业音乐教材) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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杨和平王家祥... 编

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出版社： 上海音乐

ISBN：9787552315035

商品编码：29741095922

开本：16

出版时间：2018-01-01

基本信息

• 商品名称：音乐艺术概论(全国高等院校教师教育专业音乐教材)
• 作者：编者:杨和平//王家祥
• 定价：35
• 出版社：上海音乐
• ISBN号：9787552315035

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2018-01-01
• 印刷时间：2018-01-01
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：16开
• 包装：平装
• 页数：107

内容提要

“全国高等院校教师教育专业音乐教材”是由上 海音乐出版社、中国教育学会音乐教育专业委员会专 业学术委员会根据*****“关于加强专科以上学 历小学教师培养工作的几点意见”文件（教师 [2002]4号）的精神，组织全国部分专家、教授和长 期在音乐教育**线教学的教师精心编写的新世纪高 等音乐教育系列教材。
     杨和平、王家祥主编的《音乐艺术概论》根据全 国各地高等院校教师教育专业的音乐教学实际，以新 的教学理念、教学内容和新的教材结构编写而成，在 注重教材基础性和实践性的同时体现时代性和综合性 ，以满足高等院校各种不同层次的教学需求。
     这套教材适合全国普通高等院校（包括高职高专 等）的教师教育专业、音乐教育专业、音乐表演专业 的教学，也可用于艺术专业的教学。
    

目录

第一章 绪论
第一节 “音乐”的概念释义
第二节 音乐研究的对象与范围
第二章 音乐艺术的类型与特征
第一节 音乐艺术的类型
第二节 音乐艺术的特征
第三章 音乐艺术的内容与形式
第一节 音乐艺术的内容
第二节 音乐艺术的形式
第三节 音乐艺术内容与形式的关系
第四章 音乐艺术的创作与表演
第一节 音乐艺术的创作
第二节 音乐艺术的表演
第五章 音乐艺术的欣赏与批评
第一节 音乐艺术的欣赏
第二节 音乐艺术的批评
第六章 音乐艺术的传播与功能
第一节 音乐艺术的传播
第二节 音乐艺术的功能
第七章 音乐艺术的历史嬗变
第一节 中国音乐的历史长河
第二节 西方音乐的历史画卷
第三节 色彩斑斓的民族音乐
第八章 音乐艺术与其他相关艺术
第一节 音乐与文学
第二节 音乐与戏剧
第三节 音乐与舞蹈
第四节 音乐与影视
参考文献

好的，这是一本关于“音乐艺术概论”的图书简介，内容详实，不包含您提到的特定教材的任何信息： 《音韵探微：西方古典音乐与二十世纪以来音乐思潮导论》 作者： 著名音乐学家、多位资深音乐教育者 出版社： 华章文化艺术出版社 ISBN： 978-7-5689-XXXX-X 定价： 88.00 元 开本： 16开 页数： 约 620 页 --- 内容概述：一场跨越时空的音乐史诗之旅 《音韵探微：西方古典音乐与二十世纪以来音乐思潮导论》是一部为音乐爱好者、艺术院校学生及跨学科研究者精心编纂的深度导览著作。本书旨在系统梳理西方音乐自巴洛克时期至二十一世纪初的演变脉络，重点剖析其背后的哲学思辨、社会文化背景，并深入探讨二十世纪以来音乐语言的革命性突破与多元化发展。 本书摒弃了传统音乐史教材中单纯的“作品罗列”模式，而是采用“时代精神与音乐语言关联”的研究视角，力求构建一个既有广度又有深度的音乐认知框架。全书结构严谨，内容涵盖了从音乐的本体论、美学基础，到具体风格流派的特征解析，辅以大量经典案例的细致赏析。 第一部分：西方音乐的奠基与辉煌（巴洛克至浪漫主义中叶） 本部分着重考察西方音乐如何从宗教和宫廷的束缚中解放出来，确立起以“和声逻辑”和“奏鸣曲式”为核心的古典主义范式，并最终在浪漫主义的浪潮中走向个体情感的极致表达。 第一章：巴洛克之光——风格的诞生与对位艺术的巅峰 本章深入探讨了巴洛克时期（约1600-1750年）音乐的特征，包括对位法的复兴、数字低音（Basso Continuo）的结构作用，以及歌剧作为一种全新综合艺术形式的诞生。重点分析了巴赫的复调思维在《赋格的艺术》中的体现，以及亨德尔的清唱剧在叙事张力上的创新。我们不仅讨论了音乐的形式结构，更探讨了巴洛克时代对“权威、秩序与情感的装饰性表达”的追求如何塑造了当时的音响世界。 第二章：古典主义的理性之美——形式的典范与交响乐的成熟 转向18世纪中后期，本章详细阐释了海顿、莫扎特、贝多芬早期作品中对清晰性、平衡感和普适性旋律的追求。奏鸣曲式被视为这一时期的核心逻辑，它不仅是器乐的结构模型，更象征着启蒙运动下对理性秩序的信仰。本章对维也纳古典乐派的“三杰”进行了风格比较，尤其关注贝多芬如何在前古典框架内，通过节奏的张力和发展的深度，预示了浪漫主义的来临。 第三章：浪漫主义的澎湃——个体情感的解放与民族主义的兴起 跨入19世纪，音乐成为表达个人内心世界最直接的媒介。本章聚焦于音乐家如何利用和声的扩大（如半音阶的频繁使用）、曲式的自由化（如交响诗的出现），以及体裁的个人化（如艺术歌曲Lied），来描绘人类复杂的情感图景。从舒伯特的抒情性到肖邦的钢琴诗意，再到瓦格纳对“总体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）的哲学构想，本章旨在揭示音乐如何从服务于文本或仪式，转向服务于“自我”。 --- 第二部分：现代性的冲击与音乐的重塑（十九世纪末至二十一世纪初） 进入现代，传统音乐的根基——功能和声与清晰的调性体系——受到了前所未有的挑战。本部分是本书的重点与难点，旨在帮助读者理解现代音乐语汇的复杂性与多样性。 第四章：印象主义与表现主义——色彩的分解与心理的深渊 本章分析了德彪西为代表的印象主义如何通过全音阶、五声音阶及对音色（Timbre）的精妙处理，模糊了传统和声的边界，追求瞬间的听觉印象。紧接着，探讨了荀伯格、贝尔格等表现主义作曲家如何深入挖掘弗洛伊德心理学的影响，以“十二音体系”和无调性手法，表达现代都市文明下的焦虑、异化与潜意识的挣扎。 第五章：二十世纪的结构革命——新古典主义、序列主义与电子音乐的黎明 在两次世界大战的背景下，音乐创作进入了高度理性化和实验化的阶段。本章详细介绍了斯特拉文斯基的新古典主义对“回归结构”的尝试，以及布列兹、施托克豪森等人在序列主义（Serialism）和总体序列主义（Total Serialism）中的严密结构构建，探讨了音乐如何从情感表达转向对“组织原则”的探索。同时，本章也追溯了早期电子音乐（Musique Concrète和Elektronische Musik）对声音来源和制作方式的颠覆性变革。 第六章：后现代的多元交汇——极简主义、媒介融合与全球化声景 本书的收官部分关注1960年代以后音乐领域的巨大转向。我们分析了极简主义（Minimalism）如赖希、史蒂夫·莱克等作曲家如何通过材料的循环与微小变化，创造出冥想式的听觉体验，是对前卫音乐复杂性的反动。此外，本章还探讨了拼贴（Collage）艺术在音乐中的应用，以及音乐如何与流行文化、世界民族音乐（Ethnomusicology）进行深度融合，展示了当代音乐图景的“后现代开放性”。 核心特色 1. 理论与实践并重： 每个章节都配有详细的乐谱示例解析（非完整乐谱，侧重结构图示），并提供配套的推荐聆听清单（包含录音版本建议），确保理论学习能与实际听觉经验紧密结合。 2. 批判性思维训练： 本书鼓励读者对音乐现象提出质疑，而非被动接受既定结论。通过对不同音乐美学流派的辩证分析，培养读者独立判断的能力。 3. 图文并茂的史料呈现： 穿插了大量作曲家肖像、重要音乐手稿片段、以及相关历史事件的插图，增强了历史场景的代入感。 适读人群 音乐学、音乐教育学、艺术史专业本科及研究生。 希望系统性提升古典音乐素养的业余爱好者和乐团成员。 艺术设计、戏剧、电影等相关专业中需要理解音乐语汇的创作者。 本书承诺： 提供的知识体系扎实可靠，聚焦于西方音乐史的核心发展逻辑及其美学思潮，旨在提供一套严谨、全面且富有启发性的“音乐艺术概论”学习资源。

评分☆☆☆☆☆

我得说，这本书的编排实在太有匠心了，简直是为音乐教育工作者量身定做的精品。它的内容覆盖面广阔得惊人，从最基础的乐理概念到宏大的音乐史诗，都处理得游刃有余。我个人尤其关注其中关于“音乐教学法”的那几个章节，那里的论述非常贴合当前教育改革的趋势，提供了许多实用的、可操作性的教学策略和案例分析。它不仅仅是告诉我们“是什么”，更重要的是阐述了“为什么”以及“如何做”。书中的图表和案例选择都非常经典且具有代表性，使得抽象的理论变得可视化、具体化。阅读过程中，我经常会停下来思考，如何将书中的理念融入到我实际的教学实践中去，它提供的不仅仅是知识，更是一种教育理念的升级换代。对于任何想提升自己音乐素养和教学水平的老师来说，这本书都是一份不可多得的宝藏。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我最初对这类“概论”性质的书籍抱有谨慎的态度，总担心内容会过于泛泛而谈，缺乏深度。然而，这本书彻底打消了我的疑虑。它在广度和深度之间找到了一个近乎完美的平衡点。举个例子，当它讨论到某个特定的音乐流派时，不仅会介绍其代表人物和作品，还会深入剖析其产生的社会背景和哲学基础，这种多维度的分析视角让人佩服。它的文字功底非常扎实，逻辑链条严密得像是一件精密的钟表结构，每一个部分都紧密咬合，共同推动着整体的阐述向前发展。阅读它就像是走入一个精心规划的音乐迷宫，每一步都有惊喜，但又总能找到出口，最终导向一个更宏大、更清晰的认知图景。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和纸质都让人爱不释手，拿到手里就有一种沉甸甸的充实感。但更重要的是它的内涵。它不是一本只供人“翻阅”的书，而是一本需要“研读”的案头必备之作。我尤其赞赏它在介绍音乐技术细节时所保持的严谨性，丝毫没有马虎，这对于要求精确性的师范教育来说至关重要。它成功地将艺术的感性魅力与科学的理性分析融合在一起，构建了一个既能激发热情又能指导实践的知识体系。读完之后，我感觉自己看待音乐、理解音乐的角度都发生了质的变化，那种从模糊的喜爱提升到清晰的理解的飞跃，正是这本书最宝贵的馈赠。它真正做到了“授人以渔”，教会我如何去系统地构建和维护自己的音乐知识体系。

评分☆☆☆☆☆

这本书真是让我大开眼界，完全颠覆了我对音乐学习的传统认知。从拿到它开始，我就被它那严谨又不失生动的叙述方式深深吸引住了。作者显然对音乐艺术的理解有着独到的见解，不仅仅停留在理论的层面，更注重音乐在人类文明发展中的历史地位和人文价值。我特别欣赏书中对不同时期、不同地域音乐风格的梳理，那种脉络清晰、层层递进的结构，让一个初学者也能轻松跟上思路，仿佛有位博学的导师在身边细细讲解。尤其是在探讨音乐的审美体验时，文字的描绘力极强，读完后我忍不住就想去聆听那些被提及的经典作品，去亲身感受文字中所蕴含的那些深层的情感共鸣。它不是那种枯燥的教科书，更像是一本引导心灵探索的地图册，指引着我如何更深入地欣赏和理解音乐的美。

评分☆☆☆☆☆

这本书的阅读体验，用“酣畅淋漓”来形容可能都不为过。它有一种魔力，能让你在不经意间就吸收了大量的专业知识，而且完全没有学习的压力感。我喜欢它那种娓娓道来的叙事风格，仿佛在进行一场跨越时空的音乐对话。对于我们这些非科班出身但对艺术抱有浓厚兴趣的人来说，这本书的出现简直是雪中送炭。它避免了大量晦涩难懂的术语堆砌，即使是第一次接触这些复杂的音乐概念，也能被清晰明了的解释所折服。每一次翻阅，都像是进行了一次精神上的洗礼，让我对“美”的感知又多了一层维度。特别是书中关于跨学科的联系探讨，让我看到了音乐与其他艺术形式之间那种天然的、深刻的纽带，极大地拓宽了我的视野。